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Pablo Picasso-Ausstellung: Klassische hand, Wilde Auge Ucie von Vig

Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig ist Rosângela Bildender Künstler und Lehrer Kunstgeschichte.

Das Design und die Farben immer ein wenig mehr Gewissen der Welt und der Menschen eindringen wollte, für dieses Verständnis in der Version ein wenig mehr jeden Tag. (Picasso in MARQUÉS, 2007, s. 48)

Mit dem fairen und revolutionären Gedanken, der Spanier Pablo Picasso (1881-1973) Er zögerte nicht, zum Ausdruck bringen, durch die Kunst, Ihre Gefühle über eine unruhige Zeit, geprägt von Konflikten wie den spanischen Bürgerkrieg, die Besetzung Frankreichs, die deutschen Truppen, und die Weltkriege. Sein angeborenes talent, die sich bereits in der Kindheit, das Feld und Einblick über die Farben und Formen deutlich gemacht, Das würde Picasso in einer der größten Exponenten der Kunst des 20. Jahrhunderts verwandeln.. Sein Genie würde die Paradigmen der moderne für immer verändern..

Nach sieben Jahren, Picasso begann in der Welt der Malerei, durch seinen Vater. Um 14 Uhr, Es wurde akademische Arbeiten und, die Qualität Ihrer Arbeit zuerst etablierte sich mit sechzehn Jahren, mit eine lobende Erwähnung in der Nationalausstellung für bildende Künste und eine Goldmedaille, in deiner Stadt, Malaga.

Ihre Kunst, abschließen, die Desassossegos Ihrer Zeit und Ihres Lebens angeboten; entwickelt in der Kontur und Farbe, bis Sie zu reinen Kunst, kostenlose Muster und die Genauigkeit der form. Bis zum Jugendalter, Es kann gesagt werden, dass seine Arbeit figurative blieb. Zwischen 1901 und 1904 (Feige. 1), Blaue phase, waren die Gefühle der Verlassenheit klar, die Einsamkeit und Armut, durch den Einsatz von Farbe und Ausdruck der Figuren dargestellt. In diesem Stadium, zugeschriebenen Tatsachen, die dem Leben des Künstlers für immer markieren würde: den Verlust seiner Schwester acht Jahre, Concepción und den Selbstmord seines Freundes Kunst. Von 1904 ein 1906, die Leidenschaft für Fernande Olivier führte Phase Rose einweihen. Die reichliche Verwendung von rot und rosa, das Porträt des Zirkus-Zeichen, wie Akrobaten, Harlekine und Tänzer waren die bemerkenswertesten Merkmale dieser Phase. Während dieser Zeit, bereits installiert in Paris, Picasso arbeitete unermüdlich; und traf eine Gruppe von Intellektuellen, unter ihnen André Breton (1896-1966), die Schriftstellerin Gertrude Stein (1874-1946) und Guillaume Apollinaire (1880-1918).

Aber die Entwicklung seiner Arbeit leiden immer noch unter Einfluss von einer Reise, die er gemacht hatte, Andorra und den Kontakt hatte er mit der griechischen Kunst, Iberischen und afrikanischen. Die afrikanischen Periode oder Protocubismo, Wie hieß ihre Produktion, zwischen 1907 und 1909 (Feige. 2), Offenes Feld für eine neue Form der Darstellung. Dieser phase, eines der wichtigsten Werke von Picasso, Les Demoiselles D'Avignon 1, VON 1907, zeigt deutlich die Einflüsse der afrikanischen Masken, in die Gesichtern der zwei der Frauen dargestellt. Die Sorglosigkeit mit der Form entstanden bereits im geradlinigen Format des weiblichen Körpers. Eingehüllt in eine Art Schleier, Paris Street Prostituierten machen sexy Posen, mit ihrem schlanken Körper, in Schattierungen von rosa und scheint sich langsam zu bewegen.

Aber die geraden Linien und länglichen Formen der Les Demoiselles D'Avignon Wenn Stress und Kubismus gereift. Neben Picasso, Georges Braque (1882-1963) stach im Stil, beteiligt, die später andere Namen wie Juan Gris (1887-1927), Fernand Léger (1881-1955), Jean Metzinger (1883-1956), Marcel Duchamp (1887-1968), Robert Delaunay (1885-1941) und Sonia Delaunay (1885-1979). Die gemeinsame Desvencilhada, die Kunst von Picasso disturbed, durch das Weglassen einer Realität war, dass die bekannten Bilder verzerren.. Im Blick auf die Stimulation durch die Arbeit, Sie können die Aufgabe der klassischen Perspektive für offene Pläne sehen, gleichzeitig abgebaut, in geraden Linien angeordnet, als ob verschiedene Dimensionen gleichzeitig angezeigt werden.

Der französische Kunstkritiker, der Saison, Louis Vauxcelles (1870-1943) klargestellt, dass seine Fremdheit durch neues Modell, Das reduziert den "Würfel" (im MARQUÉS, 2007, S.50). Mit Ursprung in der Arbeit von Paul Cézanne 2, Kubismus war jenseits, entwickelt, assimilierten neue Techniken und neue Materialien. Diese Entwicklung führte in drei Phasen. In der ersten, zu 1909 (Feige. 2), Es gab immer noch deutliche Einflüsse aus der Arbeit von Cézanne. In der zweiten, Analytischer Kubismus, zwischen 1909 und 1912 (Feige. 3), Sie sehen die Zersetzung der Bilder und eine Tendenz, Monochrom. In der dritten, synthetischen Kubismus, zwischen 1912 und 1919, Picasso und Braque begann mit stärkeren Farben und Collagen, mit der Absicht, die erkennbare Bilder, in einer Art von Reaktion auf die übermäßige Zersplitterung der Bilder.

Und die Arbeit von Pablo Picasso hatte noch eine Klassik, während der 20 (Feige. 4). Picasso verließ den Kubismus und klassischen Stil eingehalten, als eine Vorsichtsmaßnahme, Nach der Krieg ein Klima der Achtung gegen Ausländer zur Verfügung gestellt hatte. In der 30, der Kontakt mit den Surrealisten führte ihn zu die Figur des Minotaurus in seinen Werken zu verwenden. Viele Stiche aus dieser Zeit besondere erotische Szenen.

Seine berühmtesten bekannten aber funktionieren, ergab sich aus dem Gefühl der Abscheu des Künstlers durch Bombenangriffe der spanischen Stadt Guernica, in 1936, Das verursachte den Tod von Hunderten von Menschen. Die Empörung der Picassos Guernica kam 3, 4, in 1937, ein Panel, VON 3,5 für über 8 Meter, Das ist derzeit im Museo Reina Sofia. Im Bild, das Gefühl der zerfallen, Verzweiflung und Angst, die Schrecken des Krieges klar zu verlassen. In einem ersten plan, die monochrome Malerei versteht sich als ein Symbol der Idee der Traurigkeit (KANDINSKY, 2008, p. 6), für kandinsky,

Jede andere Farbe, auch das deutlichste, erwerben, Wenn Sie auf schwarzem Hintergrund, eine neue Kraft und Lebendigkeit. Das Schwarz steht tiefer Traurigkeit, Es ist das Symbol des Todes. Nichts ohne Möglichkeiten, getötet, nachdem die Sonne sterben, als eine ewige Stille, keine Hoffnung für die Zukunft.

Und das Symbol des Todes und der Schmerz ist im Bild vorhanden, Es gibt Tote unter den Zahlen; eine Frau bricht in Verzweiflung, mit einem Kind in deinen Armen; andere scheinen zu schreien; ein Pferd, Power-symbol, wackeln; der Stier, Symbol für Spanien, Es ist auch das Bild; an der Unterseite, die Fackel und Rauch, die scheinen zu kommen, schlage den unerwarteten Angriff. Das Chaos der Szene Eindruck den des Staunens, und Mazeration, Obwohl die Arbeit bewirkt, die Sensation der Irrationalität dass, dessen Inhalt Klang wie ein Protest in der Verteidigung des Friedens. Nach Picasso,

Was glaubst du, um ein Künstler zu sein? Ein Narr, der nichts anderes als Augen hat, Wenn ein Maler; Ohren, Wenn ein Musiker; oder Lira in alle Schichten des Herzens, Wenn er ein Dichter ist? Ganz im Gegensatz zu: Er ist gleichzeitig ein Politiker. Ist ein Instrument der offensiven und defensiven Kriegsführung gegen den Feind". (Picasso im MARQUÉS, 2007, s. 48)

Picasso es wagte, seine Überlegungen zu entlarven, guter Weg. Seine einzigartige und respektlos demonstriert ein Bewusstsein der rationalen Welt, berechnet. Die Herrschaft über das Kunstobjekt war klar. Das Ergebnis war eine ausgewogene Arbeit, überzeugende, Trotz ihrer wilden Strich. Für den Künstler (Picasso in MARQUÉS, 2007, s. 48) Dies war die Mittel, um Dinge zu sagen, der Weg schien ihr natürlicher. Die Seele klar erlaubt sein Genie, Messalina zu entfernen, durch die Kunst.

Es besteht kein Zweifel, dass die Erfindung der Fotografie 5 und deren Verbreitung, am Ende des 19. Jahrhunderts, waren entscheidend für die Kunst-Desvencilhasse von traditionellen Mustern und vorankommen in der Art und Weise und auf Kreativität. Bücher, die Künstler konnten andere Methoden der Darstellung erkunden. Sie, passen Sie um zu untersuchen, neue Wege zur Kunst in seiner reinsten Form zu präsentieren. Picasso gut verstanden, und, durch seine außergewöhnliche Vitalität, seine Respektlosigkeit und seine kühnen Geist, damit abgefunden, das formale, die Geschichte der Kunst verändern für immer.

Die Ausstellung

Eine Zusammenstellung dieser Phasen im Leben und Werk von Pablo Picasso zu tun, Das Instituto Tomie Ohtake, in São Paulo, bringt 153 Teile der Perioden des Künstlerlebens, Seit seiner Einführung in die Welt der Kunst, von volta von 1900, Ihre Einflüsse und Bildung, sogar die erotische Bühne. Diese Werke, Zugehörigkeit zum Musée National Picasso, Paris, vertreten Aufzeichnungen jeder Periode im Leben des Künstlers und wie sie ausgedrückt. Unter Ihnen, Es gibt Bilder, Skulpturen, Drucke und frames, Neben Bildern von Dora Maar und Filme über den Herstellungsprozess des Künstlers. Die Shows des Instituts hat auch einen Bericht von Dora Maar durchgeführt, als Zeuge für die Realisierung von Guernica. Auf dem Display, Das ist bis zu dem Tag 14 August 2016, in São Paulo, Es ist möglich, die Phasen Ihrer Malerei zu identifizieren, durch einen chronologischen Pfad. Die Werke gehören zu den National Picasso Museum, eine der wichtigsten Sammlungen der Arbeit des Künstlers und der Ausstellung ist ein Zeugnis seines Lebens und seines Denkens.

Auch nur einen Teil der Wert des Objekts. Ein ganz neuer Realismus liegt in der Art, die Sie eines Objekts oder eines seiner Teile betrachten. (Fernand Léger Mack, 2014, p. 323)
Meine Träume sind Ihre formale Ritter,
Mein Schicksal scheint Ihr schöne Fahrer
Zügel haben Sie angespannt zu Qualen führt,
Meine Verse, die Modelle aller Poesie.
(APOLLINAIRE, 1997, s. 31)

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1 Les Demoiselles D'Avignon:
www.pablopicasso.org/Avignon.jsp

2 Paul Cézanne:
www.Paul-Cezanne.org

3 Guernica:
www.sabercultural.com/template/obrasCelebres/Guernica-Pablo-Picasso.html

4 Studien zu Guernica:
comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf

5 Erfindung der Fotografie:
www.pointdaarte.Webnode.com.br/News/a-History der Fotografie

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Referenzen:

APOLLINAIRE, Guillaume. Das Bestiarium oder Parade von Orpheus. Sao Paulo: Herausgeber-Miniaturen, 1997. Übersetzung von Alvaro Faleiros.

BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.

CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Publifolha, S. Paulo, 2014.

FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.

GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.

HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.

MARINS, Vânia; HAUGUENAUER, Cristina. Die Studie über den Einsatz von Farbe in Lernspiele. Rio de Janeiro: Verfügbar in www.LATEC.UFRJ.br/projetomuseu/tesegamedesign/colorgame. Zugriff 15 Juli 2016.

MARQUÉS, Maria José But. Picasso, Genies der Kunst. Barueri, Sao Paulo: Brasilien Sonnenblume Editions Ltd., 2007.

SPENCE, David. Picasso, Die Regelverletzung. Sao Paulo: CLA-Verbesserungen von São Paulo, 2005.

VIG, Rosangela Araujo Pires. Kunst als Kommunikation an die Kommunikations AS ART. Kommunikation, Kultur und Medien, Uniso, Sorocaba: 2010. Verfügbar in comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf Zugriff 15 Juli 2016.

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