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Manierismus von Rosangela Vig

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Vig ist Rosângela Bildender Künstler und Lehrer Kunstgeschichte.

Manierismus von Rosângela Vig

Wäre ich ein Maler, Ich möchte dieses Flugzeug malen, Diese letzte Aussparung der Landschaft. Aber es gab nie jeder Maler, der diesem Ozean mobile beheben könnte, unruhig, unsicher, kontinuierlich Variable ist, die menschlichen Denkens? (MEIRELES, 1988, s. 32)

Die Ästhetik der Renaissance liess den Eindruck, dass die Kunst einen Höhepunkt erreicht hatte, zur Frage der Perfektion und Harmonie. Inzwischen, Künstler der Hochrenaissance, Michelangelo (1475-1564) und Rafael (1483-1520) bewiesen, dass es noch könnte Entwicklungen und brach die klassischen Regeln, führt zur Malerei, die Bewegung und Theatralität, als Ablehnung der Renaissance-balance.

Das Wort Manierismus, abgeleitet von maniera, bedeutet "Stil", Möglichkeit, jeder Künstler sich auszudrücken; Begriff, der von Giorgio Vasari (1511-1574) die raffinierte Anmut und Leichtigkeit dieser Kunst, die im 16. Jahrhundert blühte zu nennen., in Rom und Florenz neben der Renaissance und das dauerte bis zum frühen 17. Jahrhundert. Der Begriff ist gekommen, um im 18. Jahrhundert abwertend betrachtet werden, als Kunst dekadent und betroffenen. Als Ergebnis einen Rückgang der klassischen Wiedergeburt, der Manierismus, für einige Historiker, Es war ein Übergang zwischen der Renaissance und des Barocks, für andere, Es war ein Stil, der.

Geschichte

Manierismus entstand als Reaktion auf die Unsicherheiten des 16., Periode, geprägt von religiösen Reform-Änderungen 1 und von Absolutismus 2 mitten in der Konsolidierung, in Europa. Die protestantische Reformation, in Deutschland initiiert, auf andere Länder ausgeweitet, im 16. Jahrhundert, und hatte als seine wichtigste Führer, der deutsche Martin Luther. Obwohl die Bewegung religiöse war, verursachten Veränderungen in anderen Sektoren der europäischen Kultur, Förderung der Bildung von Nationalstaaten, der Päpstlichen macht frei. Die katholische Kirche, andererseits, Seit dem 15. Jahrhundert, zur geistigen Stärkung, reagierte auf die Reformbewegung, die Gegenreformation, in einem Versuch, Stärke wiederzugewinnen. Eine Arte, entsprechend, trat wieder als eine Möglichkeit, die katholische macht zu erweitern.

Obwohl der Manierismus ist mehr im Zusammenhang mit Demonstrationen in Italien, Einfluss auf andere europäische Nationen und linken Spuren noch in Amerika und Fernost landete.

Die Architektur

Obwohl die klassische Struktur in der Krise eingegeben, die Grundlagen noch diente als Referenz und wurden angepasst an die Anforderungen der Gesellschaft. Professionelle denken, in der Architektur, damit begonnen, auf eine neue Weise ausgenutzt werden und die Probleme im Zusammenhang mit Bau wurden in der Architektur selbst gelöst. Die Vorliebe für länger als weite Räume, mit rechteckigen Pflanzen; die Vielseitigkeit und Diversifizierung waren in den Bau von Kirchen und weite Räume sichtbar und längs; und in den Formen der Lichtverteilung, Das ist nicht mehr zentriert.

In den Kirchen, der Stil gekennzeichnet, Wendeltreppen, die nirgendwo ging und nicht die phantasievolle Dekoration mit Girlanden, Blumen und Reihen von kleinen Spalten, Baluster Aufrufe, ähnlich der Handläufe. Bereits in den Palästen, die Schönheit war der Kontrast von Licht und Schatten; der reich verzierte Innenraum; und Präsentation von Fresken und Gewölbe.

Das Schloss von Fontainebleau 3 (Feige. 1), nahm nach Frankreich die italienischen Manierismus und wurde bekannt als Schule von Fontainebleau. In 1530, Francis ich, fasziniert von der italienischen Kunst, eingestellt von den besten Malern und Bildhauern aus Italien für eine Reform in der mittelalterlichen Burg. Die französischen Künstler, die zusammen mit den Italienern gearbeitet, Sie assimilieren die Tendenz. Gemischte Dekoration, mit paint, schließlich in ganz Frankreich verbreitet und wurde bekannt als der Fontainebleau-Stil. Da, in dekorativen Überschwang, Bilder wechseln sich ab mit Stuckarbeiten und reliefs, in verschiedenen Formen, Ornaments und arbeiten in Holz, Neben Skulpturen beziehen sich die auf Modelle von Michelangelo.

Details des Interieurs des Schlosses von Fontainebleau, Frankreich.

Feige. 1 -Informationen über das Innere des Schlosses von Fontainebleau, Frankreich.

Eine Skulptur

Siehe diese Pracht der Florentiner danke;
Ist auf muskulösen Körper Eisstockschießen,
Vibram-Kraft und Eleganz, Diese göttlichen Schwestern.
(BAUDELAIRE, 2006, s. 33)

Die vorzüglichen Eigenschaften der Architektur wider, in der Bildhauerei. Es gab eine Präferenz für die Bewertung der Emotion und individuelle Interpretationen, Was brach die Renaissance-Harmonie und verursacht Bedenken. Es sind Erinnerungen der Gotik in die länglichen Figuren und Winkel, mit der Unterschied, dass dynamische und Anzeige übertrieben Bewegungen. Zwischen den Attributen, sind launische Formen in seltsame Proportionen, mythologischen Themen und die Sorgfalt im Detail, schlägt eine Loslösung von der Realität. Das Ergebnis dieser Kombination war eine elegante und originelle Kunst.

Michelangelos Arbeit markiert den Übergang vom Renaissance für Manierismus und seinem Stil beeinflusst die italienischen Bartolomeo Ammannati (1511-1592). Giambologna (1529-1608), Flämischer Künstler, wohl ein Mitarbeiter der Werke von Michelangelo war, auch landete assimilieren Stil. Zu seinen Werken, sind die zahlreichen Quellen der Gärten der Medici, aber sein berühmtestes Werk, der Raub der Sabinerinnen (Feige. 2), hebt die unverwechselbare Marke des Manierismus. Die Arbeit, aus einem Block Marmor geschnitzt, hat 4,10 Meter hoch, stellt eine ausführliche Bild-lebendige Energie-demonstration, Wenn ein Mann eine Frau in der Luft erhöht, während andere scheint zu versuchen, aufzustehen, in einer Art leidenschaftlich Streitigkeiten. Der Bildhauer wusste, Gesten und Bewegungen der brillante Art und Weise zu erkunden und erstellt eine Szene, die in verschiedenen Winkeln verstanden und kann Fruída werden.

Der Raub der Sabinerinnen, Giambologna, 1581-1582, Florenz, Italien.

Feige. 2 -Der Raub der Sabinerinnen, Giambologna, 1581-1582, Florenz, Italien.

Die Malerei

Intelligenz ist erhaben; Einfallsreichtum ist schön; Audacity ist groß und erhaben; die Schlauheit ist klein, aber schön. (…) Die Wahrheit und Gerechtigkeit sind schlicht und edel; das Wortspiel und die Schmeichelei entgegenkommend sind dünn und schön. Freundlichkeit ist die Schönheit der Tugend. Uneigennützige Fürsorge ist edel. Die Freundlichkeit und Höflichkeit sind schön. Die erhabenen Qualitäten Infusion Respekt; die schöne, Liebe. (SIDE, 1942, S.11)

Das obige Zitat beschreibt eine Archivierung über Schönheit, na Kunst. Für Kant (1724-1804), ein Sublime Kunst Ursachen, weckt den Geist; Überraschung; Wunder bewirken. Und vielleicht ist es in der Sphäre von Sublime Kunst des Manierismus ist gerechtfertigt, aufgrund der Pläne und unrealistisch und beunruhigende Szenarien Werke. Und es war in der Malerei, die die ersten Symptome dieser Laune entstehen, die Hände von Michelangelo und Raphael, in seinen letzten Werken. Die Realität ist nicht mehr erfüllt, die Künstler wollten die freie Kunst zu verbessern, Prüfung neue Möglichkeiten.

Fig. 3 – Afresco O Juízo Final, na Capela Sistina, Michelangelo, 1536-41, Vaticano, Itália.

Feige. 3 -Fresko des jüngsten Gerichts, die Sixtinische Kapelle, Michelangelo, 1536-41, Vaticano, Italien.

Diese Funktion ist unbestreitbar, in dem Fresko von Michelangelo, auf der Altarwand der Sixtinischen Kapelle, Das jüngste Gericht (Feige. 3). Mit Maßnahmen der 13,5 durch 12,2 Meter, die Version des Künstlers um den biblischen Durchgang der Wiederkunft Christi, war über dreißig Jahre nach dem Dach der gleichen Kapelle, welche Gegensätze. Weile an der Decke, der Geist ist die Pracht und das Gleichgewicht, Doomsday präsentiert die verstörende Szene des Urteils, in einem unwirklichen Raum, stellt die mit Engeln spielen Trompeten und mit Menschen in verschiedenen zucken und krümmte. Die Melancholie, die Qual, den Schmerz und die Angst vor dem bezeugen, dass ihre Seelen in den Himmel oder Hölle aufsteigen können. Die Arbeit wurde als obszön durch das Konzil von Trient und wurden bemalte Stoffe auf den privaten Teilen der nackt.

Monsignor Della Casa, Pontormo, 1541-1544, Samuel H. Kress Collection.

Feige. 4 -Monsignor Della Casa, Pontormo, 1541-1544, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

Die Florentiner Pontormo (1494-1556/7) (Feige. 4), Wer mit einigen Renaissance-Meistern studiert, zwischen Ls, Leonardo Da Vinci, Desvencilhou-wenn der klassischen Kunst und erstellt einen persönlichen Stil. Seine Werke, meist mit religiösen Themen, Ihre ungewöhnliche Persönlichkeit zu demonstrieren. Die Kühnheit und Erotik sind an der Arbeit der anderen Florentiner ausgesetzt., Agnolo Bronzino (1503-1572) (Feige. 5), Pontormo der Lehrling. Die Arbeit, Allegorie mit Venus und Amor, Es war ein Orden der Duke Cosimo de ' Medici, als Geschenk an König Francis ich, Das Gericht von Fontainebleau, Frankreich, Zentrum des Manierismus. Unter den mythologischen Elementen, sind Venus, die Göttin der Liebe, sein Sohn Entwaffnung, Cupid; die Zeit, vertreten durch einen alten Mann mit einer Sanduhr; die Eifersucht, die möglicherweise auf Syphilis Bezugnahme, Krankheit war damals die Verbreitung, sowohl in Italien wie in Frankreich. Die Szene kam unmoralisch betrachtet werden, Sie wurde geändert und dann wiederhergestellt. Wert noch erinnern Giogio Vasari (1511-1574) (Feige. 6), die neben Maler und Architekt, hatte große Prominenz in Florenz. In 1550 Vasari veröffentlichte das Buch Leben der hervorragendsten Architekten, Italienischer Maler und Bildhauer und in 1563, zusammen mit Bronzino, erstellt die Academia del Disegno, in der Stadt Florenz. Unter den Italienern, Weitere Künstler, die den Stil verbunden sind, unter ihnen Alessandro Allori (1535-1607), Adoptivsohn des Bronzino, Rosso Fiorentino (1494-1540), Parmigianino (1503-1540), Pellegrino Tibaldi (1527-1596), Federico Barocci (von volta von 1533-1612) und Tintoretto (1518-1594) (Feige. 7), bekannt für seinen Radikalismus, in der Malerei.

Die Heilige Familie, Agnolo Bronzino, 1527-1528, Samuel H. Kress Collection.

Feige. 5 -Die Heilige Familie, Agnolo Bronzino, 1527-1528, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

Außerhalb Italiens, die Kunst des Manierismus wurde nach Frankreich gebracht., zunächst für Fontainebleau und Verbreitung durch die region, Beitritt der Flämische Kunst, den Händen der Künstler wie Frans Floris (1517-1570), Jan Van Scorel (1495-1562) und Maerten Van Heemskerck (1498-1574) und die italienischen Niccolò Dell (1509/12-1571) Er arbeitete in Fontainebleau. Aber die Exotik des Manierismus war berüchtigt in den Werken von El Greco (1541-1614). Die Geburt in Kreta brachten ihm den Beinamen der griechischen, Ort, an dem Studium Kunst Bizantina; in Venedig, wahrscheinlich arbeitete im Studio von Tizian, traf er Künstler des Manierismus, einschließlich, Tintoretto, Das inspiriert. Das Begräbnis des Grafen von Orgaz 4,5 zählt zu den bedeutendsten Werken von El Greco, aber im Laokoon (Feige. 8), einer der wenigen mythologischen Werke des Künstlers, wurde klar von den Marken des Manierismus, die unverwechselbaren länglichen und verschlungenen Figuren. Die Szene erzählt die mythische Geschichte, in der die Götter Laokoon und seine Söhne zu bestrafen, in einem tödlichen Kampf gegen drohenden Schlangen. Die Zahlen, die die Szene zu sehen können die Götter selbst Zeugen die Bestrafung vertreten. Akzentuieren Sie die Idee des Schreckens und der Angst, die gespenstische Szene und umbrático, Sie können als Lichtquelle sehen.; Neben Menschen mit diesen Stellen und stark, mit kontrahierte Muskeln, in einem dramatischen Versuch zu kämpfen. Die Stadt von Toledo, am unteren Rand des Bildes, inmitten der Spannung der gesamten Szene, Es kann einen Verweis auf die Inquisition bedeuten..

São Marcos, Giorgio Vasari, 1570-1571, Geschenk von Damon Mezzacappa in liebevoller Erinnerung an Elizabeth Mezzacappa.

Feige. 6 -San Marcos, Giorgio Vasari, 1570-157, National Gallery of Art, Washington.

Abschließende Überlegungen

Manierismus ist das Zeugnis, die die Ästhetik immer im Transformationsprozess, Förderung der parallel zu menschlichen Denkens, mit ihren Vorstellungen von der Welt, die Sie umgibt, in einer ständig. Das Entfernen des Naturalismus direkte letztlich die Kunst, für die Formatvorlagen, die nächste kam, Barock und Rokoko. Aber vor allem, Was war offensichtlich ist, dass die Autonomie erlaubt hat, die Künstler liefern Emotionen und handeln mit Unabhängigkeit. Schiller (2002, Seiten 21 und 22) hatte Recht, als er sagte, dass "Kunst die Tochter von Freiheit ist und will durch die Gesetze des Geistes gesetzlich geregelt werden, nicht mit einer Freiheitsstrafe von Materie." Der Einfallsreichtum gewagt, zu ändern, was bereits war Belo und perfekt; die Ästhetik der Renaissance, Es wurde in die Bewegung integriert., die Zustände des Geistes und Wünsche erlebt im Zeitraum. Die Freiheit eröffnet das Feld für Künstler, das Wesen der Seele und als Folge auszudrücken, ging in die Kunstgeschichte, ein großes Modell, zu weit von der Realität und des geistigen.

Die Kunst ist in der Natur-Wer sind in der Lage, sie zu extrahieren, die eigenen.
(ALBRECHT DÜRER in WELTON, 2014, s. 121)

Die Umwandlung von Saint Paul, Jacopo Tintoretto, 1545, Samuel H. Kress Collection.

Feige. 7 -Die Umwandlung von St. Paul, Jacopo Tintoretto, 1545, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

1 Reformation und Gegenreformation:
www.historianet.com.br/conteudo/default.aspx?Code = 918

2 Absolutismus ist eine Regierung Lehre oder Methode, die die Kraft auf einen Boss zentriert, die alle Entscheidungen trifft. Seine Macht ist unbegrenzt und uneingeschränkte.

3 Schloss von Fontainebleau:
www.musee-chateau-fontainebleau.fr/The-Renaissance?Lang = de

4 Das Begräbnis des Grafen von Orgaz (1586/8), von Oscar D ' Ambrosio, auf der Website Artcanal:
www.Artcanal.com.br/oscardambrosio/oenterrodoconde.htm

5 Link zum Video über das Begräbnis des Grafen von Orgaz (1586/8), El Greco, in der Kirche São Tomé, Toledo (Spanien):
www.santotome.org

Laokoon, El Greco, 1610-1614, Samuel H. Kress Collection.

Feige. 8 -Laokoon, El Greco, 1610-1614, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

Die National Gallery of Art, Washington

Befindet sich unter den zehn besten Kunstmuseen der Welt, die National Gallery ist in Washington, in den Vereinigten Staaten und wurde gegründet 1937. Andrew W. Mellon, ein Kunstsammler aus Pittsburgh, habe die Spende an einem Fonds für den Bau des Museums und seine Kunstsammlung. Andere Sammler nach, spendeten von Objekten, die italienische Gemälde enthalten, Skulpturen und Porzellan. Die Absicht war, eine nationale Kunstgalerie bilden.

Andrew Mellon wählte dann, der Architekt John Russell Pope (1874-1937) für das Projekt des Gebäudes des neuen Museums. Als Mellon glaubte, dass Besucher nicht nur lernen sollten, aber die Kunst zu genießen, durch die Sammlung, die Werke werden pro Periode und nach Herkunft angezeigt., in ordnungsgemäß eingerichteten Galerien. In den Galerien der Renaissance, Es gibt italienische Jacken, Finisher in Gips Wände, voller details, mit Formteile an den Türen und Nischen für die Skulpturen. Mit Hilfe einer Anwendung für mobile Geräte, Es ist möglich, die Werke besuchen, mit audio-Kommentar zu Künstlern und Perioden, und wichtige Informationen zu Sonderausstellungen im Museum.

Link zu der National Gallery, Washington: www.nga.gov/content/ngaweb/Collection.html

Maria und Kind, mit Saint-Martina und Saint Agnes, El Greco, 1597-1599, Widener Collection.

Feige. 9 -Maria und der junge, mit Saint-Martina und Saint Agnes, El Greco, 1597-1599, National Gallery of Art, Washington. Widener Collection.

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Referenzen:

BAUDELAIRE, Charles. Die Blumen des Bösen. Sao Paulo: Martin-Claret-Verlag, 2006. Übersetzung von Pietro Nassetti.

BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.

CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Publifolha, S. Paulo, 2014.

FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.

GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.

HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Martins Fontes, Sao Paulo, 2003.

SIDE, Immanuel. Die Schöne und das Erhabene. Pôrto: Nationale Buchhandlung Bildung Ltda., 1942.

MEIRELES, Cecilia. Magic Window. Sao Paulo: Ed.Moderna, 1988.

SCHILLER, Friedrich Von. Die ästhetische Erziehung des Menschen. 4ein. Ausgabe. S. Paulo: Und. Iluminuras, 2002.

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Wie figuras:

Feige. 1 -Informationen über die Innenraum des Château de Fontainebleau, Frankreich.

Feige. 2 - Der Raub der Sabinerinnen, Giambologna, 1581-1582, Florenz, Italien.

Feige. 3 - Fresko des jüngsten Gerichts, die Sixtinische Kapelle, Michelangelo, 1536-41, Vaticano, Italien.

Feige. 4 - Monsignor Della Casa, Pontormo, 1541-1544, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

Feige. 5 - Die Heilige Familie, Agnolo Bronzino, 1527-1528, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

Feige. 6 - São Marcos, Giorgio Vasari, 1570-157, National Gallery of Art, Washington.

Feige. 7 - Die Umwandlung von Saint Paul, Jacopo Tintoretto, 1545, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

Feige. 8 - Laokoon, El Greco, 1610-1614, National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Collection.

Feige. 9 - Maria und Kind, mit Saint-Martina und Saint Agnes, El Greco, 1597-1599, National Gallery of Art, Washington. Widener Collection.

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