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Feige. 13 -Bauernhaus in der Provence, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.
Feige. 13 -Bauernhaus in der Provence, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Erste Spuren von moderner Kunst-Post-Impressionismus durch Rosangela Vig

Sie können auch hören, dieser Artikel in seiner eigenen Stimme Künstler Rosangela Vig:

Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig ist Rosângela Bildender Künstler und Lehrer Kunstgeschichte.

Für den perfekten Flaneur, für den passionierten Beobachter, Es ist eine riesige Freude befinden sich in zahlreichen, in hügeligen, unterwegs, in den schwer fassbaren und im unendlichen. Abwesenheit von zu Hause und, Aber zu Hause zu fühlen, wo Sie die Welt sehen, werden in der Mitte der Welt und der Welt verborgen bleiben, Hier sind einige von den kleinen Freuden dieser unabhängige Geister, Verliebt, unparteiische, Diese Sprache kann sonst nicht grob definieren. Der Beobachter ist ein Prinz, der überall die Tatsache verwenden sein inkognito. (BAUDELAIRE, 2007, S.21)

Charles Baudelaire (1821-1867) kritisch war die Französisch Kunst des neunzehnten Jahrhunderts, Vorläufer des Symbolismus und der Gründer der modernen Tradition in der Poesie. Die Theoretiker war Böhmischer Dichter und Ihre Poesie war das Ergebnis eines sensiblen Geist auf die Metropole. Seine Poesie ist voll von Elementen des täglichen Lebens ohne übertriebene Subjektivität, schon der Schriftsteller eine Abneigung. Für ele, der Künstler ist wie ein Flaneur, Beobachter aus der Welt. Ist derjenige, der durch die Menge geht, die Begeisterung von den Straßen und das Ziehen der Schritte. Schnelle Auffassungsgabe, Er fühlt das Leben pulsiert in Ihrer Raserei. Inmitten der mob, der Künstler ist nur ein einsamer Fremder, aber Ihr Aussehen ist intensiv, Verliebt in eine Hexe. Als ein Walker-inkognito, die Energie eines Kindes geblendet, Verkostung Bilder, Genießen Sie die Momente im cluster.

Und nichts hätte für diese Explorer attraktiver als die elegante Kulisse der französischen Hauptstadt, zwischen dem Ende des 19. Jahrhunderts und Anfang des 20. Jahrhunderts. Diesem Zusammenhang, beteiligte sich an der Weltausstellung 1889, Paris, eine Hommage an den hundertsten Jahrestag der französischen Revolution. Die Veranstaltung war die Einweihung des Eiffelturms, ein 31 März des gleichen Jahres. Waren auch Teil der Ausstellung zeigt den Fernen Osten, im Nahen Osten, Nordafrika, Zentral-Afrika und Polynesien. Tempel wurden eingereicht., Moscheen, Chinesisch und javanischen Tänze-Häuser. Entworfen von Gustave Eiffel (1832-1923), der Eiffelturm, Das Zentrum der Veranstaltung, Es war Teil des Sektors Paris gewidmet.

Während der Weltausstellung, zwischen 6 kann die 31 Oktober, waren anwesend um 50 Millionen Besucher, einschließlich, verschiedene Prominente der Zeit als Schriftsteller; Nikola Tesla-Erfinder (1856-1943) und Thomas Edison (1847-1931); der Prince Of Wales mit deiner Frau; und Künstler wie Edvard Munch (1863-1944), Paul Gauguin (1848-1903), Vincent Van Gogh (1853-1890), Rosa Bonheur (1822-1899) und James McNeill Whistler (1834-1903).

Die letzten Jahre des 19. Jahrhunderts waren geprägt von einer kosmopolitischen Kultur. A Belle Èpoque, Wie hieß die Periode, zeichnete sich durch das Aufblühen der Schönheit Kunst, Musik und Theater. In der französischen Hauptstadt, die reichen haben das kulturelle Leben, die restaurants, Reisen und Mode, Obwohl diese nicht für alle Freuden und Luxus zugänglich waren, oft, Es galt als dekadent.

Die geschäftige Hauptstadt des späten 19. Jahrhundert in Frankreich eröffnet das berühmte Kabarett Moulin Rouge in 1889, Jahr, in dem es war, auch veröffentlicht das Magazin La Revue Blanche, über Kunst, Literatur und Politik, Das stimuliert die Avantgarde-Kunst. Und Frankreich wurde noch ein Pionier in der Herstellung von Automobilen, Herstellung 30 Tausend Fahrzeuge, mehr als die Hälfte der Weltproduktion, in 1903.

In Ihrem Aufbrausen, Das Paris der Zeit war pure Inspiration für einsam und leidenschaftliche Explorer die Baudelaire uns sagt. Das Talent wäre schwer, in Kunst zu verwandeln, so viele Bilder des Lebens in kochendem. Aber im Gegensatz zu dem, was geschah in den übrigen Zeiträumen, die Künstler des Post-Impressionismus folgte kein einzelnes ästhetische Modell. Das Vermächtnis der Impressionisten haben als Ausgangspunkt, ein Kunst Nun, wenn dichotom verzweigt. Alltägliche Szenen wurden untersucht.; wurden untersuchte neue Techniken; die Farbe kam mit mehr Nachdruck verwendet werden; Gab es eine Emanzipation der form; aber der Künstler untersucht, speziell, Freiheit. Das Ergebnis war eine Avantgarde-Bewegung in begann 1885 und blieb bis 1907, mit dem Aufkommen des Kubismus.

Architektur

Mehr eine Kunst ist abstrakt und ideale, am besten zeigt den Charakter Ihrer Zeit. Wenn wir verstehen wollen, eine Nation für Ihre Kunst, Ihre Architektur und Ihre Musik zu studieren.. (WILD, 1994, p. 55)

Die letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts hinterließ der Wiederbelebung und Eklektizismus, die großen Marken der romantischen Ästhetik, in der Architektur. Obwohl nicht der Post-Impressionismus als architektonischer Stil bewiesen hat, Es war klar ein Lösegeld auf Praktikabilität, die Funktionalität und Einfachheit.

Die Verwendung von Eisen in den Strukturen der Gebäude war ein Merkmal der Zeit, als Folge der Industrialisierung aufgetreten sind, die in Europa. Viele Familien wanderten in die großen Industriezentren, die Jobsuche, wobei diese Orte ein großes Wachstum. Da gab es eine Notwendigkeit, diese Menschen zu schützen, die schnelle Lösung wäre, Gebäude zu bauen. Hiermit, die Anlagen haben einen hohen Wert gegeben, Was in einer Weise, Schließlich fördern Sie die vertikale Integration der Villa. Die Verwendung von Eisen in der Struktur ermöglichte den Bau von größer, robuster und Fett, mit erstreckt sich über geräumige und schnellere Ausführung. Hinzu kommt, dass die Tatsache, dass das Eisen mehr schwer entflammbar sein. Und das Material wurde im Bau von Brücken verwendet, Eisenbahnen, Branchen und Stationen. Aber das Eisen geformt werden konnte, erlaubt die Verwendung dieses Materials als dekoratives element, in der Architektur, zu den Jugendstil, Es verdient ein Kapitel.

Erbaut zwischen 1838 und 1850, Paris, die Bibliothek Sainte-Geneviève, der französische Architekt und Ingenieur Henri Labrouste (1801-1875), Es war das erste Gebäude, das Eisen in Struktur und als dekoratives Element verwenden. In London, Crystal Palace, von Joseph Paxton (1803-1865), erbaut zwischen 1850 und 1851, empfangene Eisen und Glas in Ihrer Struktur.

Der Eiffelturm (Zahlen 1, 2 und 3), höchste französische Stadtaufbau, Es wurde zwischen errichtet. 1887 und 1889, im Stil Nouveau und wurde nicht nur das Symbol für Frankreich, aber auch ein Symbol der modernen Architektur, mit Ihrem Fachwerkkonstruktion, verziert mit scheinbaren Eisen. Jahrelang galt es als höchste Gebäude der Welt. In Ihrem Interieur des restaurants, Geschäfte, Kino und es ist immer noch möglich, die Besucher, Genießen Sie den Panoramablick auf die Stadt Paris, oder treffen Sie die Privatwohnung von Gustave Eiffel, Das Hotel liegt an der Spitze des Gebäudes.

Skulptur

Kein großer Künstler sieht die Dinge wie sie wirklich sind. Und wenn das mit ihm geschehen, Wäre es kein Künstler. (WILD, 1994, p. 55)

Zu Oscar Wilde (1854-1900), Irischer Schriftsteller und Dichter, Kunst ist eine Interpretation des Lebens, ist nicht das Leben selbst; ist die Frucht von den edlen Look des Künstlers und seiner Eindrücke. Vielleicht ist das die größte Attribut von der Belo jeder Saison. Und die hohe Wahrscheinlichkeit der Ästhetik des fraglichen Zeitraums war wegen dieser Lesung den Handwerker, über das Leben in Raserei. Die ästhetische Freiheit erweitert, die aussehen und erlaubt die Skulptur eine gepatchte Gleichgewicht mit der Umwelt fließen, der große Trend der Zeit.

Aristide Maillol 1 (1861-1944) war das Highlight in diesem Bereich. Seine Besorgnis über die Art und Weise ergab sich aus Bewunderung für Griechische Skulptur. Beeinflusst das Prinzip, von Rodin ist impressionistisch (1840-1917), der Künstler dann, folgen Ihren eigenen Kurs. Ist auch die Inspiration von der leichten Bildhauer, in seiner zeitgenössischen Paul Gauguin (1848-1903) und Maurice Denis (1870-1943). Maillol kam zum Malen verwenden, gekreuzte Wandteppich und Holzstich, mas Menschen 40 Jahren, die er sich voll und ganz zur Skulptur widmete. Ambroise Vollard (1866-1939), bekannt Marchand der Saison, war verantwortlich für die erste den Bildhauer zeigt, in 1902.

Ohne die emotionale Aufladung des Impressionismus, die nackten weiblichen Figuren von Maillol sind gerundet, Stall, basierend auf live-models; Jetzt sind einsam, jetzt in Gruppen, Interaktion, der natürliche Weg. Die Sorge des Bildhauers mit der Form und Symmetrie ergibt sich in der Nacht, auf dem Display an Metropolitan Museum, em Nova York,. Im Bild, hergestellt aus bronze, Sie können die Suche, akzentuiert durch die figurative sagen., Überbleibsel des klassischen Altertums. Die Skulptur kann eine weibliche Gemälde von Gauguin erinnern., Da die Spontaneität Ihrer Position. Sitzen, mit seinem Gesicht versteckt zwischen den Armen, auf gefalteten Beinen, die Frau wird auf natürliche Weise präsentiert., unprätentiös. Es gibt Gleichgewicht in Ihren Emotionen, Einmal der Bildhauer hat eine psychologische Distanzierung. Maillol Frau war das Modell für dieses und für mehrere seiner Werke.

Malerei

Alle künstlerischen Schaffens ist absolut subjektiv. (…) Ich glaube, auch wenn, Je mehr glauben wir objektive Erstellung, Je mehr sie wirklich ist, subjektive. (WILD, 1994, p. 147)

Diese Subjektivität, die uns, Wilde sagt, bezieht sich auf wie der Künstler die Dinge sieht, die umgeben, Ihre Begeisterung und Ihre Emotionen. Für die Arbeit fließt Ihre besonderen Interpretation der Welt und Ihren Zauber von Natur. Für Wilde, Da es subjektiv ist, Kunst ist kompromisslose Wahrheit, distanziert sich, wegen ihr, Sobald der Künstler Dinge in sich aufnimmt und sie ihre Werte und ihre Eindrücke ordnet.

Eine solche Argumentation ist nicht ohne eine Verbindung mit dem Gedanken an Plato 2, über die Welt der Ideen. Für den Philosophen des Altertums, Gibt es eine ständige Realität, für jede person; gibt es ein anderen Weg, Dinge zu verstehen, für jede. Auf dem Gebiet der Kunst, auch wenn eine Arbeit bezieht sich auf die Codes der Wirklichkeit, Sie wird eine bloße Nachahmung der ursprünglichen Idee der Handwerker oder der Wirklichkeit selbst sein.. In ihm sind gedruckt, das Verständnis und die Sprache der derjenige, der es geschaffen.

Solche Überlegungen spiegeln den Geist des Gemäldes der Periode. Die Ablehnung des gegenständlichen, mit dem Impressionismus eingeweiht, durch und wurde erweitert auf Formen, die begann sich distanzieren von der Realität. Die Aufgabe des Malers würde die Welt interpretieren., Lassen Sie Ihre Emotionen frei fließen und kompromisslose. Und der geniale Schöpfer hatte verschiedenste Reize, durch die Paris Aufbrausen und die Vielfalt der Kulturen der Weltausstellung gebracht. Die Impressionisten sind breiter geworden., in erweitert Form, in Farbe und in Licht. Die Kunst war durch eine große Transformation gehen., Das würde in Ästhetik durchgeführt während des 20. Jahrhunderts münden..

Was man in der Zeit sah, war eine heterogene Gruppe, vielfältige Stile. Um Künstler, Es war üblich, dass die Relevanz der emotionalen Seite; die Sorglosigkeit mit der form; die Anwendung von Licht, Szenen des täglichen Lebens; die Verwendung der Technik des Fauvismus, Mit anderen Worten:, die Intensivierung der Farbe.

Und das war das Farbe-Element, das sich Paul Gauguin (1848-1903). Die Künstlerin wurde in Frankreich geboren., aber verbrachte Ihre Kindheit in Peru, Ursprungsland der deine Mutter. Kam nach Dänemark, aber kehrte nach Frankreich zurück, Dort traf er die Impressionisten Camille Pissarro, stark beeinflusst, die Ihre Kunst. Zur Teilnahme an Ausstellungen in kamen 1876, aber nur in 1885, fuhr fort, sich ganz der Malerei zu widmen. Von 1891, bis zu Ihrem Tod, Gauguin lebte in Französisch-Polynesien (Tahiti und Marquesas-Inseln).

In Ihrer Arbeit ist eine Mischung aus Exotik, Poesie und Farben, aus dem täglichen Leben der Orte, wo er die letzten Jahre Ihres Lebens verbrachte. Ungewöhnlich ist dieser Geschmack klar in Abbildung 4. Im Bild, Zwei tahitianische Frauen sind zurück, Springen zum Meer. Am unteren Bildrand sind die Kleider eines von Ihnen; die andere ist durch die Beseitigung Ihrer pareô. Mit langsam und sinnlich Gesten, Sie scheinen nicht zu kümmern, der Fischer vor. Die Besonderheiten der Stil der Künstlerin ist die Vereinfachung der Form und die Verwendung von flachen Oberflächen der Farben, mit Linien abgegrenzt in schwarz, Merkmale der japanische Drucke. Die Verwendung von intensiver Farbe und stark akzentuiert leicht und tropischen Überschwang des Ortes wo passiert Gauguin. Seine Arbeit stellt klar Bruch mit den realistischen Stil und wendet sich an Ihre Fantasie und Ihre Gefühle.

Die Verwendung von reinen Farben wurde auch eine Tendenz in der Arbeit von Paul Cézanne (1839-1906). Der Künstler hatte Kontakt zu den Impressionisten, Wer kam zu entlarven, aber war unglücklich mit Ihrem eigenen Stil und verstanden, dass es interpretieren sollte, was er sah und nicht bloß Register Szenen. Von 1880, Cézanne begann zu malen von Landschaften auf dem Berg der Provence Sainte-Victoire. Na figura 8, Sie können sehen, dass Cezanne die Wirkung des natürlichen Lichts gehalten, bereits verwendet von den Impressionisten und die Verwendung von reinen Farben. Wie, die natürlichen Elemente der Szene, Haus, die Felsen und Vegetation sind von Kegel und Zylinder vertreten., Hauptaspekt Ihrer Malerei, Funktion, die der Vorläufer der modernen Kunst und eine Brücke zum Kubismus wurde.

Georges-Pierre Seurat (1859-1891) hatte eine Vorliebe für die Malerei die Vororte von Paris. Seine Persönlichkeit war ein Kontrapunkt zwischen die extreme Empfindlichkeit und Präzision Mathematik. Vom Studium der Farbenlehre und Optik, in 1880, fuhr fort, Farbe wissenschaftlichen nutzen, wodurch die Triebnatur oder pointillistischen Stil. Seurat kam Teilnahme an der letzten Impressionisten-Ausstellung in 1886 und verursachte Aufruhr mit Ihrer Arbeit ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte. Seine Technik wurde später von Paul Signac gefolgt. (1863-1935) und Théo van Rysselberghe (1862-1926). Am Leuchtturm in Honfleur (Feige. 9), ist das natürliche Licht, das die Häuser beleuchtet, Das Boot und der Leuchtturm. Die Farben mischen nicht; Sie sind kleine Punkte von verschiedenen Schattierungen, die sich überschneiden, verursacht einen optischen Effekt der Mischung von Farben, am Ende.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) 3 lebte in Paris, Er besuchte die Bordelle, die Kaffees, die Kabaretts, zwischen Ls, die Moulin Rouge. Seine seltsame Erscheinung, Aufgrund der sehr kurzen Beinen und Kleinwuchs, Ihre empfindsame Seele gemacht und vielleicht, aus diesem Grund, gelungen, bei der Erfassung der Zerbrechlichkeit von Künstlern und Prostituierten wie kein anderer Maler. Seine Werke waren ein Porträt der Boheme und begab sich des Künstlers machen Plakate für das Kabarett und den Hallen, die besucht. Die Virginia Reel in Moulin Rouge (Feige. 11) ist voll von Elementen mit denen Lautrec lebte. Es gibt Menschen tanzen und Spaß haben in einem großen Saal, beleuchtet. Die kräftigen Farben betonen die Dynamik und das Aufbrausen des Augenblicks. Die vereinfachte Umrisse und das Fehlen von Schatten links klar die Absicht des Künstlers, die Ausdruckskraft der Figuren Nachdruck verleihen, Ihren Frieden des Verstandes mit der Anatomie und der Wirklichkeit.

Vincent Van Gogh (1853-1890) unter den bekanntesten Künstlern der Zeit und das letzte Mal. Geboren in den Niederlanden, der Maler zog nach Paris, wo war Ihr Bruder Theo ein Marchand. Dort präsentierte Paul Signac, Èmile Bernard, Paul Gauguin und Lautrec, Neben den wichtigsten impressionistischer Künstler. Wie viele Ihrer Zeit, war verliebt in japanische Drucke. Im wesentlichen Autodidakt begann Malerei im pointillistischen Stil, aber geändert Ihrem dash, im Laufe der Zeit. Seine Anerkennung fand erst nach Ihrem Tod. im Leben, gerade hatte ein Bild verkauft. Sein Leben ist sehr gut dokumentiert in den Briefen mit seinem Bruder Theo ausgetauscht, Wer viel Hilfe erhalten. Der Maler Anfälle von Wahnsinn und Depressionen litt und, Nach einem Streit mit Gauguin, kam zu Ihren eigenen Ohr geschnitten. Er nahm Malerei nach sich selbst und die Kontrolle der depression. Ihr Schuss dann entwickelt und die kurzen Strichen wurde lange und kurvenreiche. In 27 Juli 1890, geplagt von mehr eine Krise der depression, Van Gogh Schuss gegen seine eigene Brust. Starb am nächsten Tag, mit nur 37 Jahre, in den Armen deines Bruders.

Sein Stil ist unverwechselbar, mit kräftigen Farben, wicklung und ausdrucksstarke Linien die, für viele, den Künstler als Pré-Expressionista oder Expressionisten sortiert. Die Natur ist das auffälligste Merkmal von einem seiner 40 Selbstporträts (Feige. 15). Die Pinselstriche fließenden enden um die Figur des Künstlers, empfehlen Sie in den Haaren und auf Ihre Kleidung den Eindruck Bewegung und Intensität. Das Blau und der Hintergrund der Szene Kontraste mit der klaren Farbe des Gesichts des Künstlers. die Blässe und die wegen ihrer emotionalen Probleme betrübt Profil bemerkbar. Für den Künstler,

Es kann ein großes Feuer in unserer Seele, obwohl niemand mit ihm warm werden kann und Passanten nur ein wenig Rauch zu sehen. (Vincent Van Gogh in WATTS, 2002, S.41)

Die Sorglosigkeit in Form, mit der Perspektive und die Verwendung von starken Farben sind auch in den Werken von Henri Rousseau (1844-1910). Sein Stil bezaubert viele Künstler jener Zeit, unter anderem Pablo Picasso und wurde einer der größten Vertreter der Arte Naif 4. In der Regen Wald von Rousseau (Feige. 17) Es gibt schwarze und weiße Konturen; die verschiedenen Schattierungen von Grün sind stark und nicht mischen. Die Einfachheit der Form spiegelt die Idee der Unschuld und Freude. Wahrscheinlich bekam Rousseau nie aus Frankreich, aber viele seiner Gemälde sind von Wäldern.

Die Vielfalt der Saison, Fügen Sie noch die Namen von Bertrand-Jean Redon, bekannt als Odilon Redon (1840-1916); Henri-Edmond Kreuz (1856-1910); und Theo van Rysselberghe (1862-1926). Viele Künstler, vertreten durch gute Kaufleute, Sie könnten reich mit Kunst werden. Andere fortgeschritten viel in deinen style, Sie hatten keine Vertretung und würde gehören zu einer Klasse ärmer als bemühte sich geltend zu machen.

Der Betreiber der von Baudelaire erwähnten Massen, Nichts wäre mehr Charme als die Bilder einer Stadt im Rausch. Paris vom Ende des 19. Jahrhunderts hätte genügend Elemente für den Künstler, charmante, Stellen Sie sich vor Kunst, Nach Ihrer fruchtbaren Geist. Zu Oscar Wilde (1994, s. 54),

Die Kunst ist rein in ihren eigenen Reihen entwickelt., nicht symbolisieren jeder Zeit., aber, Im Gegensatz zu, hat in seiner Symbole.

Die Kunst unternahm dann durch neue Wege, zur eigenen, von der Genauigkeit der Form gelöst und wurde noch mehr Charme und vielfältigen.

Abschließende Überlegungen

Die Kunst beginnt mit abstrakten Dekoration, mit einer rein phantasievoll und angenehme Arbeit, gilt nicht, wenn nicht das unwirkliche, die nicht existent. (WILD, 1994, s. 39)

Der Wunsch des Stipendiums initiierten Impressionisten auszubrechen scheint gute Frucht hervorgebracht haben. Der Künstler begann, neue Möglichkeiten des Ausdrucks zu untersuchen, erforscht die Kreativität und für immer verändert die Kunst Panel. Die Post-Impressionismus bis in die ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts setzte, Wenn die Vorhut das Szenario übernommen haben.

Von grundlegender Bedeutung für dieses Bild war der Kontakt mit der Exotik des fernen Regionen, während der sechsmonatigen Expo, die Künstler entwickelst du deinen Stil als Gauguin inspiriert, verzaubert von der orientalischen Kunst. Gustave Eiffel Turm und die Aufregung von den vielen inspiriert Paris Maler der Zeit. Viele Künstler suchten nach Orten weiter entfernte aus Frankreich zu leben, als Provence, Großbritannien und das Languedoc; oder noch, wie der Fall mit Gauguin war, Ich lebte in Französisch-Polynesien.

Die Emotion die Oberhand über die Art und Weise, wurde souverän und, ohne weiteres abgerechnet, unter der neuen Ares Ästhetik. Der Betrachter begeistert, die Flaneur, den Anfang dieses Textes, Es brauchte war das schlagende Herz, hingerissen von Bilder, die heißen angeboten. Und Kunst kann sogar eine wahnsinnige und wahnhafte Art der Dinge zu betrachten. Für den irischen Schriftsteller, Savage, Kunst-Charme von selbst, Es ist schön anzusehen und sie lernte auch die Schönheit der Natur bewundern.

“Es wird gesagt, dass Kunst macht uns noch mehr die Natur lieben, enthüllt seine Geheimnisse (…)” (WILD, 1994, p. 25)

In den Vororten in die, das Mansarddach,
Blinds sind bei üppigen Schleier Bastarde,
Wenn die Sonne fallen, imposante, seine Dolche
Über die Stadt und die Landschaft, die Decken und die Kornfelder,
Ich habe den Zug in meiner seltsamen Fechten,
Für alle die Chancen der Reim herumschnüffeln,
In einem Satz die Spitze, Wie etwa die Bürgersteige,
Oder Check-out die Bilder haben lange davon geträumt.
(BAUDELAIRE, 2006, s. 96)

Hinweise:

1 Videos über die Arbeit der Bildhauer Aristide Maillol:
www.youtube.com / watch?V = LxR0j4b1TNE
www.youtube.com / watch?V = WZ-8GAqpsTY
www.youtube.com / watch?V = SHt17_Gyqeg

2 Ein wenig mehr über die Theorie der Platons Welt der Ideen kann man in dem Artikel der Geselle Art link:
www.obrasdarte.com/a-Arte-incompreendida-por-Rosangela-VIG

3 Henri de Toulouse-Lautrec:
www.obrasdarte.com/exposicao-Toulouse-Lautrec-EM-Vermelho-por-Rosangela-VIG

4 Arte Naif:
www.obrasdarte.com/a-Arte-Naif-Arte-ingenua-por-Rosangela-VIG

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Referenzen:

  1. BROOME, Peter; CHESTERS, Graham. Eine Anthologie der modernen französischen Poesie. New York: Cambridge University Press, 2003.
  2. BAUDELAIRE, Charles. Auf der Moderne. Sao Paulo: Verlag Frieden und Erde, 2007.
  3. BAUDELAIRE, Charles. Die Blumen des Bösen. Sao Paulo: Martin-Claret, 2006.
  4. BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  6. FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  7. GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  8. HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  9. PLATO. Crátilo. 2ª. Ausgabe. Lissabon: Livraria Sá Costa, 1994, Pe zu übersetzen. Palm Tage.
  10. POE, Edgar Allan. Die Philosophie der Komposition. Rio de Janeiro: 7 Letters, 2008. Übersetzung: LEA Viveiros de Castro.
  11. PROENÇA, Kostenlose. Entdecken die Geschichte der Kunst. Sao Paulo: Routledge, 2005.
  12. VANNUCCHI, Juliana. Die Bedeutung der Lüge als künstlerische Komponente in Oscar Wilde. Sorocaba: Philosophische Sammlung, 2016. Verfügbar in: www.acervofilosofico.com/a-relevancia-da-mentira-Como-Componente-Artistico-No-Pensamento-de-Oscar-Wilde zuletzt abgerufen am November, 2017.
  13. VERLAINE, Paul. Mit einer Gedichte von Paul Verlaine. Chicago: Die University of Chicago Press, 1999. Übersetzt von Norman r. Shapiro.
  14. VIG, Rosangela Araujo Pires. Kunst als Kommunikation an die Kommunikations AS ART. Kommunikation, Kultur und Medien, Uniso, Sorocaba: 2010. Verfügbar in: comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf zuletzt abgerufen am November, 2017.
  15. WATTS, Franklin. Vincent Van Gogh. Sao Paulo: Routledge, 2002.
  16. WILD, Oscar. Der Verfall der Lüge und andere essays. Rio De Janeiro, Imago Editora Ltda., 1994.

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Wie figuras:

Feige. 1 - Eiffelturm, Francis Benavides, 2016.

Feige. 2 - Eiffelturm, Francis Benavides, 2016.

Feige. 3 - Eiffelturm, Conceição Matos, Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm, 2011.

Feige. 4 - Fatata Te Miti (Nahe dem Meer), Paul Gauguin, 1892. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 5 - Te Pape Kirchenschiff Kirchenschiff (Leckeres Wasser), Paul Gauguin, 1898. National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. Paul Mellon.

Feige. 6 - Das Museo del Prado, Alfred Sisley, 1875. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Feige. 7 - Der Kampf der Liebe, Paul Cézanne, 1880. National Gallery of Art, Washington. Gabe des W. Averell Harriman Stiftung in Erinnerung an Marie N. Harriman.

Feige. 8 - Häuser in der Provence, Das Riaux-Tal in der Nähe von L & #8217; dem Spiel, Paul Cézanne, 1880. National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. Paul Mellon.

Feige. 9 - Leuchtturm in Honfleur, Georges Seurat, 1886. National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. Paul Mellon.

Feige. 10 - Eine Ecke in der Moulin De La Galette, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 11 - Tanz im Moulin Rouge, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 12 - Die Kartoffel-Esser, Vincent Van Gogh, 1885. National Gallery of Art, Washington. Rosenwald Collection.

Feige. 13 - Bauernhaus in der Provence, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Feige. 14 - Stillleben von Orangen und Zitronen mit blauen Handschuhen, Vincent Van Gogh, 1889. National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. Paul Mellon.

Feige. 15 - Self-Portrait, Vincent Van Gogh, 1889. National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. John Hay Whitney.

Feige. 16 - Grüne Weizenfelder, Vincent Van Gogh, 1890. National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. Paul Mellon.

Feige. 17 - Der Regenwald, Henri Rousseau, 1909. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

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