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Fig. 13 -Casa de campo en Provenza, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.
Fig. 13 -Casa de campo en Provenza, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

Los primeros rastros del moderno arte-post-impresionismo por Rosangela Vig

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Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Rosângela Vig es Artista Visual y Profesora de Historia del Arte.

Para el perfecto flâneur, para el observador apasionado, Es una alegría inmensa residen en numerosos, en ondulantes, en el movimiento, en la esquiva y en el infinito. Estar lejos de casa y, Sin embargo la sensación en el país donde usted ve el mundo, en el centro del mundo y permanecen ocultas al mundo, Éstos son algunos de los pequeños placeres de estos espíritus independientes, Enamorado, imparcial, ese lenguaje no puede definir lo contrario crudamente. El observador es un príncipe que por todas partes el hecho de ser incógnito. (BAUDELAIRE, 2007, p.21)

Charles Baudelaire (1821-1867) era crítico del arte francés del siglo XIX, precursor del simbolismo y el fundador de la tradición moderna en la poesía. El teórico fue bohemio poeta y su poesía fue el resultado de un espíritu sensible en la metrópoli. Su poesía está llena de elementos de la vida cotidiana sin subjetividad exagerada, para que el escritor tenía una aversión. Para ele, el artista es como un flâneur, un observador del mundo. Es el que camina entre la multitud, el bullicio de las calles y el arrastre de los pasos. Percepción aguda, Siente la vida que pulsa en su frenesí. En medio de la multitud, el artista está solo un extraño solitario, pero su mirada es intensa, Bewitched. Como un incógnito Walker, tiene la energía de un niño deslumbrado, Fotos catas, disfrutar de los momentos en el cluster.

Y nada podría haber sido más atractiva para este explorador que el paisaje elegante de la capital francesa, entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Este contexto, participó en la Exposición Universal de 1889, en París, un homenaje al centenario de la revolución francesa. El evento fue la inauguración de la Torre Eiffel, a 31 Marzo del mismo año. También fueron parte de la exposición muestra el lejano Oriente, en el Medio Oriente, África del Norte, África central y Polinesia. Templos se presentaron, mezquitas, Casas de bailes chinos y javanés. Diseñada por Gustave Eiffel (1832-1923), la Torre Eiffel, el centro del evento, Era parte del sector dedicado a París.

Durante la Exposición Universal, entre 6 puede el 31 Octubre, estuvieron presentes alrededor de 50 millón de visitantes, Incluyendo, varias celebridades de la época como escritores; los inventores de Nikola Tesla (1856-1943) y Thomas Edison (1847-1931); el príncipe de Gales con su esposa; y artistas como Edvard Munch (1863-1944), Paul Gauguin (1848-1903), Vincent Van Gogh (1853-1890), Rosa Bonheur (1822-1899) y James McNeill Whistler (1834-1903).

Los años finales del siglo XIX estuvieron marcados por una cultura cosmopolita. El Belle Èpoque, como se llama el período, se caracterizó por el florecimiento de la belleza Arte, música y teatro. En la capital francesa, los ricos disfrutan de la vida cultural, los restaurantes, viajes y moda, Aunque estos no eran accesibles a todos los placeres y lujo, muchas veces, Fue visto como decadente.

La capital de fines del siglo 19 Francia abrió el famoso cabaret Moulin Rouge en 1889, año en que publicó también la revista La Revue Blanche, sobre Arte, Literatura y política, estimula el arte de vanguardia. Y Francia todavía se convirtió en un pionero en la fabricación de automóviles, fabricación de 30 mil coches, más de la mitad de la producción mundial, en 1903.

En su efervescencia, el París de la época fue pura inspiración para explorador solitario y apasionado que Baudelaire nos dice. El talento sería difícil de convertir en arte, tantas imágenes de la vida en ebullición. Pero contrariamente a lo que ocurrió en otros períodos, los artistas del Postimpresionismo no cumplió con un único modelo estético. Tener el legado de los impresionistas como punto de partida, a Arte Ahora si ramificado dicotómicamente. Escenas cotidianas fueron exploradas; se han investigado nuevas técnicas; el color llegó a ser utilizado con mayor énfasis; Hubo una emancipación de la forma; pero los artistas exploraron, sobre todo, libertad. El resultado fue un movimiento vanguardista que comenzó en 1885 y permaneció hasta 1907, con la aparición del cubismo.

Arquitectura

Un arte es abstracto e ideal, mejor revela el carácter de su tiempo. Si queremos comprender una nación por su arte, estudio de su arquitectura y su música. (WILDE, 1994, p. 55)

Las últimas décadas del siglo XIX dejan el renacimiento y eclecticismo, las grandes marcas de la estética romántica, en la arquitectura. Aunque no se ha evidenciado el postimpresionismo como un estilo arquitectónico, Se consideró un rescate a la practicidad, la funcionalidad y la sencillez.

El uso del hierro en las estructuras de los edificios era una característica de la época, como resultado de la industrialización que se produjo en Europa. Muchas familias emigraron a los grandes centros industriales, la caza del trabajo, teniendo estos lugares un gran crecimiento. Como era necesario para albergar a estas personas a, la solución rápida sería la construcción de edificios. Con esto, los terrenos se han dado un alto valor, Lo que de manera, Finalmente, fomentar la integración vertical de la Villa. El uso del hierro en la estructura hace posible la construcción de los edificios más altos, más robusto y audaz, con abarca la más amplia y más rápida ejecución. A esto se añade el hecho de que la plancha sea más resistente al fuego. Y el material fue utilizado en la construcción de puentes, ferrocarriles, industrias y estaciones de. Pero el hierro puede ser moldeado, permitiendo el uso de este material como elemento decorativo, en la arquitectura, dando lugar a la Art Nouveau, Merece un capítulo.

Construido entre 1838 y 1850, en París, la biblioteca de Sainte Geneviève, el arquitecto francés e ingeniero Henri Labrouste (1801-1875), Fue el primer edificio que utilice la plancha en la estructura y como elemento decorativo. En Londres, el Palacio de cristal, de Joseph Paxton (1803-1865), construido entre 1850 y 1851, recibió hierro y vidrio en su estructura.

La Torre Eiffel (Figuras 1, 2 y 3), construcción más alta de la ciudad francesa, Fue levantado entre 1887 y 1889, en estilo Nouveau y se convirtió en no sólo el símbolo de Francia, pero también un icono de la arquitectura moderna, con su estructura de truss, adornado con hierro aparente. Durante muchos años se consideró el edificio más alto del mundo. En su interior de restaurantes, tiendas, Cine y todavía es posible para el visitante, disfrutar de las vistas panorámicas de la ciudad de París, o conocer el apartamento privado de Gustave Eiffel, situado en la parte superior del edificio.

Escultura

Ningún gran artista ve las cosas como realmente son. Y si eso fuera a suceder a él, No es un artista. (WILDE, 1994, p. 55)

A Oscar Wilde (1854-1900), Poeta y escritor irlandés, el arte es una interpretación de la vida, no es la vida misma; es el fruto de la mirada refinada del artista y de sus impresiones. Quizá el mayor atributo de la Bello de cada temporada. Y la alta probabilidad de la estética del período en cuestión fue a causa de esta lectura del artífice, Acerca de la vida en frenesí. La libertad estética ampliado que lucen y permitió la escultura a un equilibrio parcheado con el medio ambiente, la gran tendencia de la época.

Aristide Maillol 1 (1861-1944) fue el punto culminante en este campo. Su preocupación por lo que fue el resultado de admiración para Escultura griega. Influido en el principio, por Rodin de impresionista (1840-1917), el artista entonces, siguió su propio curso. Es también la inspiración del escultor ligero, en su contemporáneo Paul Gauguin (1848-1903) y Maurice Denis (1870-1943). Maillol llegaba a utilizar para la pintura, cruzado tapiz y grabado en madera, pero el 40 años que se dedicó plenamente a la escultura. Ambroise Vollard (1866-1939), conocido Marchand de la temporada, fue responsable de la primera muestra del escultor, en 1902.

Sin la carga emocional del impresionismo, las figuras femeninas desnudas de Maillol se redondean, estable, basado en modelos en vivo; ahora son solo, ahora en grupos, interactuando, la forma natural de. La preocupación del escultor con la forma y la simetría es evidente en el trabajo de noche, en exhibición en Museo Metropolitano, en Nova York. En la imagen, realizado en bronce, Usted puede decir la búsqueda acentuada por lo figurativo, remanente de la antigüedad clásica. La escultura puede recordar una mujer pinturas de Gauguin, Dada la espontaneidad de su posición. Sentado, con el rostro escondido entre los brazos, en patas plegadas, la mujer se presenta de forma natural, sin pretensiones. Hay equilibrio en tus emociones, Una vez que el escultor hace un punto de un distanciamiento psicológico. Esposa de Maillol era el modelo para esto y para varias de sus obras.

Pittura

Toda creación artística es absolutamente subjetiva. (…) Creo que incluso si, cuanto más creemos creación objetiva, ella es realmente más, subjetiva. (WILDE, 1994, p. 147)

Esta subjetividad que nos dice Wilde, se relaciona con cómo el artista ve las cosas que rodean, tu entusiasmo y tus emociones. Corrientes de su particular interpretación del mundo y de tu hechizo para el trabajo por naturaleza. Para Wilde, Ya que es subjetivo, arte es la verdad sin compromisos, distancia, debido a su, Una vez que el artista asimila las cosas y les asigna sus valores y sus impresiones.

Tal razonamiento tiene una conexión con el pensamiento de Platón 2, sobre el mundo de las ideas. Para el filósofo de la antigüedad, Hay una realidad permanente, para cada persona; hay una manera diferente de entender las cosas, para cada uno. En el campo del arte, incluso si un trabajo se relaciona con los códigos de la realidad, Ella va a ser una mera imitación de la idea original del artífice o realidad en sí misma. En él están impresas la comprensión y la lengua de quien lo creó.

Estas consideraciones reflejan el espíritu de la pintura del período. El rechazo de la figuración, inaugurado con impresionismo, otras y se amplió a formas que comenzaron a distanciarse de la realidad. La tarea del pintor interpretar el mundo, Deja que tus emociones fluyan libremente y sin compromisos. Y el creador de genio tenía gran variedad de estímulos, llevó por la efervescencia parisina y la diversidad de culturas de la Exposición Universal. Los impresionistas se han convertido en más amplios, ampliado en forma, en color y en luz. El arte estaba atravesando una gran transformación, culminaría en la estética a lo largo del siglo XX.

Lo que usted vio en el período fue un grupo heterogéneo, de diversos estilos. A los artistas, Era común que la relevancia de lo emocional; la despreocupación con la forma; la aplicación de la luz a las escenas de la vida cotidiana; el uso de la técnica del fauvismo, o sea, la intensificación del color.

Y ese fue el punto de color que se destacaron Paul Gauguin (1848-1903). El artista nació en Francia, pero pasó su infancia en Perú, país de origen de su madre. Vino a vivir a Dinamarca, pero volvió a Francia, donde conoció a la impresionista Camille Pissarro, influenció grandemente su arte. Llegó para participar en exposiciones en 1876, pero sólo en 1885, pasó a dedicarse enteramente a la pintura. Desde 1891, hasta su muerte, Gauguin vivió en la Polinesia francesa (Tahití e islas de Marquesas).

En su obra hay una mezcla de exotismo, de poesía y colores, de la vida cotidiana de los lugares donde pasó los últimos años de su vida. Este gusto por inusual es claro en la figura 4. En la imagen, dos mujeres de Tahitian están de vuelta, saltar al mar. En la parte inferior de la imagen son las ropas de uno de ellos; la otra es mediante la eliminación de su pareô. Con gestos lentos y sensuales, Ellos parecen no importa el pescador por delante. Las particularidades del estilo del artista es la simplificación de la forma y el uso de superficies planas de colores, con líneas delimitadas en negro, características de estampas japonesas. El uso de color intenso y fuerte acentúa la exuberancia tropical y luz del lugar donde ocurrió la Gauguin. Su obra pone de manifiesto la ruptura con el estilo realista y da vuelta a tu emoción y tu imaginación.

El uso de colores puros también ha sido una tendencia en la obra de Paul Cézanne (1839-1906). El artista ha tenido contacto con los impresionistas, que vino a exponer, pero era infeliz con su propio estilo y entiende que debe interpretar lo que vio y no simplemente registro de escenas. Desde 1880, Cézanne comenzó a pintar paisajes en la montaña de Provence Sainte-Victoire. En la figura 8, Se puede ver que Cezanne mantiene los efectos de la luz natural, ya utilizado por los impresionistas y el uso de colores puros. En cuanto a cómo, los elementos naturales de la escena, Página de inicio, las rocas y la vegetación están representados por conos y cilindros, aspecto principal de su pintura, característica que se convirtió en el precursor del arte moderno y un puente al cubismo.

Georges-Pierre Seurat (1859-1891) tenía una preferencia por la pintura de los suburbios de París. Su personalidad era un contrapunto entre la extrema sensibilidad y precisión matemáticas. De sus estudios de teoría del color y la óptica, en 1880, procedió a hacer un uso científico del color, creando así el estilo puntillista o Divisive. Seurat llegó para asistir a la última exposición impresionista en 1886 y causó revuelo con su trabajo una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte. Su técnica fue seguida más tarde por Paul Signac (1863-1935) y Théo van Rysselberghe (1862-1926). En el faro de Honfleur (Fig. 9), es la luz natural que ilumina las casas, el barco y el faro. Los colores no se mezclan; son pequeños puntos de diferentes tonalidades que se superponen, causando un efecto óptico de la mezcla de colores, al final.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) 3 vivió en París, Asistió a los burdeles, los cafés, los cabarets, entre eles, el Moulin Rouge. Su aspecto extraño, por la patas muy cortas y estatura corta, hecho su alma sensible y tal vez, por esta razón, ha logrado capturar la fragilidad de los artistas y las prostitutas como ningún otro pintor. Sus obras eran un retrato de la vida bohemia y el artista vino a hacer carteles de los cabarets y los pasillos que asistieron. El carrete de Virginia en Moulin Rouge (Fig. 11) está lleno de elementos con los que vivía Lautrec. Hay gente bailando y divirtiéndose en una gran sala iluminada. Los colores fuertes acentúan la dinámica y la efervescencia del momento. Los contornos simplificados y la falta de sombra dejaron clara la intención del artista para dar énfasis a la expresividad de los personajes, su tranquilidad con la anatomía y la realidad.

Vincent van Gogh (1853-1890) entre los artistas más notables de la época y la última vez. Nacido en los países bajos, el pintor se trasladó a París, donde su hermano Theo fue un Marchand. Se presentó Paul Signac, Èmile Bernard, Paul Gauguin y Lautrec, Además de los principales artistas impresionistas. Como muchos de su tiempo, estaba enamorado de estampas japonesas. Básicamente autodidacta comienza a pintar en estilo puntillista, pero modificó su guión, con el tiempo. Su reconocimiento llevó a cabo solamente después de su muerte. En la vida, sólo había vendido un cuadro. Su vida está muy bien documentada en las cartas intercambiadas con su hermano Theo, que recibieron mucha ayuda. El pintor sufría ataques de locura y depresión y, Después de una discusión con Gauguin, vino a cortar su propio oído. Reanudó la pintura después de sí mismo y control de la depresión. El tablero entonces evolucionado y trazos cortos se convirtieron en largas y sinuosas. En 27 de julio de 1890, más plagado de una crisis de depresión, Van Gogh se disparó contra su pecho. Murió al día siguiente, con solamente 37 años, en los brazos de su hermano.

Su estilo es inconfundible, con colores fuertes, bobina y expresivas líneas, para muchos, el artista expresionista como pré-expressionista las clases. Que la naturaleza es el rasgo más notable de uno de sus 40 Autorretratos (Fig. 15). Los extremos fluidas pinceladas alrededor de la figura del artista, en tu pelo y tu ropa sugieren la impresión movimiento y la intensidad. El azul y el fondo de la escena contrasta con el color claro de la cara del artista. Llama la atención la palidez y el perfil entristecieron a causa de sus problemas emocionales. Para el artista,

Es posible que haya un gran fuego en el alma, Aunque cualquier persona puede calentar con él y los transeúntes mirar un poco de humo. (Vincent Van Gogh en WATTS, 2002, p.41)

La despreocupación con la forma, con el punto de vista y el uso de colores fuertes también están presentes en las obras de Henri Rousseau (1844-1910). Su estilo encantado a muchos artistas de la época, como Pablo Picasso y se convirtió en uno de los más grandes representantes de Arte Naif 4. En el bosque de lluvia de Rousseau (Fig. 17) Hay contornos de blanco y negro; los distintos tonos de verde son fuertes y no mezcle. La simplicidad de la forma refleja la idea de la inocencia y alegría. Rousseau nunca consiguió probablemente de Francia, pero muchas de sus pinturas son de bosques.

La diversidad de la temporada, Añadir todavía los nombres de Bertrand-Jean Redon, conocido como Odilon Redon (1840-1916); Henri-Edmond Cross (1856-1910); y Theo van Rysselberghe (1862-1926). Muchos artistas, representado por los buenos marchands, podría enriquecerse con el arte. Otros progresaron mucho en su estilo, no tenían ninguna representación y pertenecerían a una clase más pobre que se esforzó para hacer valer.

El explorador de las masas que Baudelaire nos dice, Nada podría ser más encantador que las imágenes de una ciudad en frenesí. El París de finales del siglo XIX tendría elementos suficientes para el artista, con encanto, Imagina arte, Según su espíritu fecundo. A Oscar Wilde (1994, p. 54),

El arte se desarrolla puramente en sus propias filas, no simbolizan cualquier momento, pero, A diferencia de, tiene en sus símbolos.

El arte entonces emprendió por nuevas formas, hacia la propia, desvinculado de la precisión de forma y se convirtió en el más encantador y diversos.

Consideraciones finales

El arte comienza con decoración abstracta, con un trabajo puramente imaginativo y agradable, no aplicar si no lo irreal, la inexistente. (WILDE, 1994, p. 39)

El deseo de liberarse de la beca por impresionistas parece haber producido buen fruto. Los artistas comenzaron a investigar nuevas formas de expresión, Explora que la creatividad y para siempre cambiaron el arte Panel. El post impresionismo continuado hasta las primeras décadas del siglo XX, Cuando las vanguardias han tomado sobre el escenario.

De fundamental importancia para este cuadro era el contacto con el exotismo de regiones distantes, durante la Expo de seis meses que inspiró a artistas a desarrollar su estilo como Gauguin, seducido por el Arte Oriental. Torre de Gustave Eiffel y la emoción de los muchos inspirados pintores parisinos de la época. Muchos artistas fueron buscando lugares más lejos de Francia para vivir, como Provenza, Gran Bretaña y Languedoc; o aún, como fue el caso de Gauguin, Yo vivía en la Polinesia francesa.

La emoción prevaleció sobre la manera, se convirtió en soberana y, mismas se establecieron, teniendo ares nueva estética. El observador se entusiasmó, el flâneur, el principio de este texto, todo llevó fue el corazón, embelesados por las imágenes que ofrecen caliente. E incluso el arte puede ser una demente y delirante manera de ver las cosas. Para el escritor irlandés, Salvaje, encantos de arte por sí mismo, Es agradable de mirar y también aprendió a admirar la belleza de la naturaleza.

“Se dice que el arte nos hace amar aún más la naturaleza, revela sus secretos (…)” (WILDE, 1994, p. 25)

Sobre los suburbios en los, la mansarda,
Las persianas son en bastardos exuberante velo,
Cuando caiga el sol, imposición de, sus puñales
Sobre la ciudad y el campo, los techos y los maizales,
Poner el tren en mi cercado extraño,
Olfateando alrededor de todas las posibilidades de la rima,
En una frase la punta, Por qué las aceras,
O extracción de las imágenes ha soñado durante mucho tiempo.
(BAUDELAIRE, 2006, p. 96)

Notas:

1 Videos sobre el trabajo del escultor Aristide Maillol:
www.youtube.com/watch?v = LxR0j4b1TNE
www.youtube.com/watch?v = WZ-8GAqpsTY
www.youtube.com/watch?v = SHt17_Gyqeg

2 Un poco más sobre la teoría del mundo de Platón de las ideas puede verse en el artículo el oficial arte enlace:
www.obrasdarte.com/a-arte-incompreendida-por-Rosangela-Vig

3 Henri de Toulouse-Lautrec:
www.obrasdarte.com/Exposicao-Toulouse-Lautrec-em-Vermelho-por-Rosangela-Vig

4 Arte Naif:
www.obrasdarte.com/a-arte-naif-arte-ingenua-por-Rosangela-Vig

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Referencias:

  1. BROOME, Peter; CHESTERS, Graham. Una antología de la poesía francesa moderna. Nueva York: Prensa de la Universidad de Cambridge, 2003.
  2. BAUDELAIRE, Charles. Sobre a Modernidade. São Paulo: Editora Paz e Terra, 2007.
  3. BAUDELAIRE, Charles. Las flores del mal. São Paulo: Martin Claret, 2006.
  4. BAYER, Raymond. História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
  6. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
  7. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  8. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
  9. PLATÃO. Crátilo. 2ª. Edição. Lisboa: Livraria Sá Costa, 1994, Traducir Pe. Dias Palmeira.
  10. POE, Edgar Allan. La filosofía de la composición. Rio de Janeiro: 7 Letras, 2008. Traducción: LEA Viveiros de Castro.
  11. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.
  12. VANNUCCHI, Juliana. La relevancia de la mentira como componente artístico de Oscar Wilde. Sorocaba: Colección filosófica, 2016. Disponible en: www.acervofilosofico.com/a-relevancia-da-mentira-como-componente-artistico-no-Pensamento-de-Oscar-Wilde tenido acceso por último el de noviembre, 2017.
  13. VERLAINE, Pablo. Novecientos uno poemas de Paul Verlaine. Chicago: La prensa de la Universidad de Chicago, 1999. Traducido por r. Norman Shapiro.
  14. VIG, Rosangela Araujo Pires. ARTE COMO COMUNICACIÓN A LA COMUNICACIÓN COMO ARTE. Comunicación, Cultura y Medios de Comunicación, Uniso, Sorocaba: 2010. Disponible en: comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf tenido acceso por último el de noviembre, 2017.
  15. WATTS, Franklin. Vincent van Gogh. São Paulo: Routledge, 2002.
  16. WILDE, Oscar. La decadencia de la mentira y otros ensayos. Rio de Janeiro, Imago Editora Ltda., 1994.

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Las figuras:

Fig. 1 – Torre Eiffel, Francisco Benavides, 2016.

Fig. 2 – Torre Eiffel, Francisco Benavides, 2016.

Fig. 3 – Torre Eiffel, Conceição Matos, óleo sobre lienzo, 50 x 40 cm, 2011.

Fig. 4 – Fatata te Miti (Cerca del mar), Paul Gauguin, 1892. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 5 – Te Pape Nave Nave (Agua deliciosa), Paul Gauguin, 1898. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 6 – El Museo del Prado, Alfred Sisley, 1875. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

Fig. 7 – La batalla del amor, Paul Cézanne, 1880. National Gallery of Art, Washington. Regalo de W. Averell Harriman Fundación en memoria de Marie N. Harriman.

Fig. 8 – Casas en Provenza, el valle acogedor cerca de L'estaque, Paul Cézanne, 1880. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 9 – Faro de Honfleur, Georges Seurat, 1886. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 10 – Una esquina en el Moulin de La Galette, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 11 – Baile en el Moulin Rouge, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 12 – La papa de comer, Vincent Van Gogh, 1885. National Gallery of Art, Washington. Colección Rosenwald.

Fig. 13 – Casa de campo en Provenza, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

Fig. 14 – Bodegones de naranjos y limoneros con guantes azules, Vincent Van Gogh, 1889. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 15 – Autorretrato, Vincent Van Gogh, 1889. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. John Hay Whitney.

Fig. 16 – Campos de trigo verde, Vincent Van Gogh, 1890. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 17 – La selva, Henri Rousseau, 1909. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

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