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Fig. 20 -Los disparos de 3 de mayo, Francisco de Goya, 1814. Museo del Prado.
Fig. 20 -Los disparos de 3 de mayo, Francisco de Goya, 1814. Museo del Prado.

Romanticismo por Rosangela Vig

También se puede escuchar este artículo en su propia voz artista Rosangela Vig:

Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Rosângela Vig es Artista Visual y Profesora de Historia del Arte.

Ese espíritu culpable, en el bosque trevoso,
Que no escuche, ese himno, el sorprendente atractivo?
Dos sólo; cayó, como el cielo no da perdón
El que sólo se escucha el latido de su corazón.
Amada doncella de Angélica y el seráfico…
Pero donde fue el amor, el amor ciego
Siempre fieles al deber austero? (Voluntad de esfuerzo
Es él en célica amplitud).
Sin guía, amor cayó aturdido,
A través de "lágrimas de dolor perfecto".
(POE, 1999, p.42)

Al Aaraaf es el poema más largo de Edgar Allan Poe (1809-1849). En este corto fragmento se puede entender por qué el escritor se convirtió en el principal representante del romanticismo, en los Estados Unidos, y su trabajo, reconocido en todo el mundo. Su estilo era único, escribir de que la izquierda muestra el drama, el misterio y la emoción. Su romanticismo exagerada fue, muchas veces, pesimista, oscuras y hace referencias a la vida eterna. Un espíritu imaginativo escritor todavía se reunió, en este poema, elementos mitológicos y hechos históricos.

Fig. 1 – Igreja de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Filho.

Fig. 1 – Iglesia de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

La Revolución Industrial y la revolución francesa, a finales del siglo XVIII, cambió el paisaje de Europa, Del siglo XIX. Na Artes, un número de movimientos que se presentaron, alentado por estas transformaciones, entre eles, romanticismo, compra y las fuerzas en la política de tránsito, por la filosofía, por la música, literatura y las artes. En la forma, ellos mostraban los rasgos de la sensibilidad, el bombo, el subjetivismo, de pasiones y apetitos de virtuosismo. El Arte Estrechan sus vínculos con la poesía y la literatura, a través de las historias heroicas medievales; y los ideales nacionalistas fueron valorados.

Fig. 2 – Igreja de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Filho.

Fig. 2 – Iglesia de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

Para algunos estudiosos, Hay un vínculo entre neoclasicismo y romanticismo, Vez, de diferentes maneras, es común a ambos, la búsqueda de un ideal. En cuanto a cómo, el estilo romántico era incompatible con el racionalismo y contra el conservadurismo y el equilibrio de Neoclásico. Abierto, con esto, espacio para la expresión de las emociones del individuo, promover el desarrollo del espíritu creativo y la imaginación. Se dejó a la artista, permitir la libertad superar su espíritu y que lo lleve a una creación independiente.

Fig. 3 – Igreja de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Filho.

Fig. 3 – Iglesia de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

Lo que dije antes puede pintar, ciertamente, aplicar a la poesía. Apenas se sienta lo que es exquisito y atrevido a expresarlo, y esto es, para ser exactos, decir mucho en pocas palabras. (GOETHE, 2009, p.30)

La Arquitectura

Este amor, Esta fidelidad, esta pasión no es, como una ficción del poeta! Ella vive, Existe, y en su estado puro, entre la clase de hombres que somos incultos y tan bruta a veces. (GOETHE, 2009, p. 121)

La autonomía dio alas a la imaginación de arquitectos y el siglo XIX fue marcado por el renacimiento estético. Los artistas de izquierda eclecticismo y libertad libres de perambularem para otras veces, traer de vuelta la exactitud Griega y Romana que ver en estilo neoclásico. En el romanticismo, los ideales, nacionalismo y las exageraciones se asociaron con la Edad Media, regresar a él, los estilos románico y gótico. Arquitectos, ajuste paseo los caminos de sueño y fantasía, principales atributos románticos.

Fig. 4 – Interior da Igreja de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Filho.

Fig. 4 -Interior de la iglesia de San Patricio, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

En Francia, los libros de Victor Hugo 1 (1802-1885), El Jorobado de Notre Dame y Les Misérables, puede haber servido como inspiración para las construcciones de la época. El ambiente de las obras del escritor tuvo al arquitecto François-Christian Gau (1790-1853) la construcción de la Basílica de Santa Clotilde, en París, terminó después de, por Théodore Ballu (1817-1885). La iglesia, construido entre 1846 y 1857, Fue uno de los primeros edificios neogóticas, característica que es claro en la forma de los arcos, las puertas, y Windows; las torres de casi 70 metros de altura, que proporcionan un sentido de la verticalidad del extremo. Dentro de, los vitrales y el órgano construido por el famoso organista francés, Cavaillé-Coll (1811-1889) parecen llevar a otros tiempos.

Fig. 5 – Águia com asas e bico abertos, Antoine-Louis Barye, data do modelo desconhecida, fundida após 1862, em bronze. National Gallery of Art, Washington. Presente de Elizabeth L. Klee.

Fig. 5 -El águila con las alas y el pico abierto, Antoine-Louis Barye, Modelo desconocido, se fusionó después 1862, en bronce. National Gallery of Art, Washington. Regalo de Elizabeth L. Klee.

Entre las diversas construcciones neogóticas de Alemania, el primero fue la iglesia de Friedrichswerder, Karl Friedrich Schikel (1781-1841), construido entre 1824 y 1830, en Berlín. Es también en Berlín, el barrio gótico, el arquitecto Friedrich Waesemann (1813-1879). El estilo sigue estando presente en la Catedral de Colonia, en la ciudad alemana, del mismo nombre, cuya construcción se inició en 1248 y terminó sólo en 1880.

Fig. 6 – Dromedário da Algéria, Antoine-Louis Barye, data do modelo desconhecida, fundida provavelmente após 1862, bronze. National Gallery of Art, Washington. Coleção de Mr. and Mrs. Paul Mellon.

Fig. 6 -Dromedario en Argelia, Antoine-Louis Barye, Modelo desconocido, probablemente quemado después de 1862, Bronce. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Una de las iglesias más importantes de Nueva York, la Catedral de San Patricio (Fig. 1), James Renwick Jr. (1818-1895) Gótico y también se destaca en medio de la gran ciudad, rodeado de edificios modernos. Construido entre 1858 y 1878, el edificio puede albergar a 3000 personas y ocupa un bloque entero de la ciudad. El sentimiento y la subida a Dios vertical es las inmensas Torres, pasando de la 100 metros de altura; o el techo en forma de una cruz. Se refieren a la religiosidad, los medios de comunicación de arcos (Figuras 3 y 4), Recuerdo sus manos en oración y hacer una referencia al estilo de la edad media, y la belleza en vidrio, en el suelo y en las esculturas.

Fig. 7 – Garota com uma Concha, Jean Baptiste Carpeaux, esculpida entre 1863 e 1867, em mármore. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Coleção.

Fig. 7 -Chica con un cucharón, Jean-Baptiste Carpeaux, tallado entre 1863 y 1867, en mármol. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Colección KRESS.

Pero libertad y eclecticismo de la arquitectura unieron al movimiento, se unió a las formas orgánicas y exótico. El Renacimiento gótico todavía está presente en Inglaterra, en el castillo de Westminster (1840-1888); en Baviera, Alemania, el castillo de Neuschwanstein (1870-1892) es arquitectura Romanesque Revival; en Francia, la ópera de París, por Charles Garnier (1825-1898) neo-barroco; en Portugal, el Palacio Nacional de Pena, hereda los estilos góticos, neoislâmico y neorrenascentista.

Fig. 8 – Árabes brigando nas Montanhas, Eugène Delacroix, 1863. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Fund.

Fig. 8 -Los árabes luchan en las montañas, Eugène Delacroix, 1863. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale fondo.

La Revolución Industrial fomentó el uso de nuevas tecnologías y nuevos materiales, como el hierro y el vidrio. Los edificios de este tiempo, el uso de estructura metálica, demostró la versatilidad de este material y anticipa el modernismo. Pero tal vez, el más grande de la época, ha sido la espontaneidad, lo que permitió a los arquitectos navegar libremente a través de la creatividad, haciendo espacio para lo moderno.

Fig. 9 – Guerreiro nu com lança, Théodore Gericault, 1816. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Coleção.

Fig. 9 -Desnudo Guerrero con lanza, Théodore Géricault, 1816. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

La Escultura

El curso de los acontecimientos dio el genio de la temporada, una dirección que amenaza con mantenerlo fuera arte más ideal. Esto debe abandonar la realidad y aumento, con programas de audacia, Además de la privación, porque el arte es la hija de la libertad y quiere ser legisladas por la necesidad del espíritu, no por la privación de la materia. (SCHILLER, 2002, p.21)

El romanticismo exagerado en expresividad y dramatismo. La fantasía, el heroísmo y la literatura fueron de la mano, y el resultado no podía ser más bello. En la ranura, las esculturas se desbordó en emociones, lleno de expresividad y el sentimiento era que las imágenes se materializan. En el forma, las esculturas han exacerbado en movimiento; y la gira de fantasía temas, Confirmó el héroe, la naturaleza y la imaginación del arquitecto. Los materiales fueron el bronce, mármol y madera.

Fig. 10 – Paisagem de Primavera no Norte, Caspar David Friedrich, 1825. National Gallery of Art, Washington. Patrons' Permanent Fund.

Fig. 10 -Paisaje primavera en el norte, Caspar David Friedrich, 1825. National Gallery of Art, Washington. Patrocinadores’ Fondo Permanente.

Entre los principales escultores francés Antoine-Louis Barye (1796-1875), seguida por Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) y François grosero (1784-1855), Tuvo participación en alto relieve del arco de triunfo en París, con la salida de los voluntarios.

Fig. 11 – A Balsa de Rotterdam, Joseph Mallord William Turner, 1833. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Coleção.

Fig. 11 -El ferry desde Rotterdam, Joseph Mallord William Turner, 1833. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

En la figura 5, Barye dejaron clara la gran característica de su trabajo, Era la representación de animales, Aunque su trabajo también ha aprobado la anatomía. El águila con las alas abiertas, parece estar listo para tomar vuelo o para un ataque. En su otro trabajo un caballo atacado por un tigre hace inútil intento de levantar. Retuerce en el dolor, darse cuenta de la muerte inminente. El énfasis en datos de exención de expresión, Cómo era el pensamiento del escultor de la época.

Fig. 12 – Veneza: A Alfândega e San Giorgio Maggiore, Joseph Mallord William Turner, 1834. National Gallery of Art, Washington. Widener Coleção.

Fig. 12 -Venecia: Costumbres y San Giorgio Maggiore, Joseph Mallord William Turner, 1834. National Gallery of Art, Washington. Colección Widener.

Ya la chica con la concha, en la figura 7, de Carpeaux, presenta una expresión vivaz y juvenil, muestra con gracia y ligereza. Completa inocencia de la escena, una sonrisa de niña, que parece divertirse jugando, combinar tus rizos a las ondas de la carcasa que sostiene la cabeza. Entre las obras famosas de Carpeaux, son Hugolino y sus hijos, expuesto en el Metropolitan, Nova York; y la danza, el Museo de Orsay, París. Con pocas posesiones, el escultor llegó a tener varios trabajos y pagar cursos mejorar la. Su libertad y la oportunidad de explorar su creatividad sin embargo, vino solamente con el reconocimiento de su trabajo.

Fig. 13 – Marinheiros carregando carvão à luz da lua, Joseph Mallord William Turner, 1835. National Gallery of Art, Washington. Widener Coleção.

Fig. 13 -Marineros con carbón en luz de la luna, Joseph Mallord William Turner, 1835. National Gallery of Art, Washington. Colección Widener.

La Pintura

Lo que consume me el corazón es esta fuerza dominante que se esconde bajo la totalidad de la naturaleza y que nada produce que no destruir lo que le rodea y, Finalmente, a ti mismo… Así que pasee plagado alrededor. Cielo, Tierra y sus fuerzas activas a mi alrededor! No veo nada pero un monstruo que engulle para siempre y para siempre volver a masticar y tragar. (GOETHE, 2009, p. 82)

La literatura romántica ensalzó la pasión, el amor platónico y la naturaleza, rechazó la moderación y déjese llevar por el hype. En la pintura, Esto fue debido a los espacios de descomedimento que se han convertido en gran, Abierto, cerca de la naturaleza y exótico. Los sentimientos se han evidenciado y valorado. El lirismo de las escenas bucólicas fueron un rechazo del conservadurismo. Tiene la clara sensación de espiritualidad, de color, de anhelo de infinito (BAUDELAIRE en BLUGLER, 2014, p. 235). Romanticismo se convirtió en distante desde el neoclásico.

Fig. 14 – O Rapto da Proserpina, Joseph Mallord William Turner, 1839. National Gallery of Art, Washington. Presente de Mrs. Watson B. Dickerman.

Fig. 14 -El rapto de Proserpina, Joseph Mallord William Turner, 1839. National Gallery of Art, Washington. Regalo de la señora. Watson B. Dickerman.

Anticipando el arte moderno, el color llegó a ser utilizado con mayor intensidad, a través de puntos, con líneas sinuosas, lo que sugiere el drama y el dinamismo, sin preocuparse por la exactitud de las formas. Pero el romanticismo todavía a la deriva por varios países, con diferentes características. En Francia, Eugène Delacroix (1798-1863) y Théodore Géricault (1791-1824) Hicieron hincapié en color y heroísmo. Religiosidad y la precisión son las características distintivas del estilo, Alemania, con Caspar David Friedrich (1774-1840). En Inglaterra, William Turner (1775-1851) destaca la mancha de color y William Blake (1757-1827) exagerado en la excentricidad. Y las imágenes sombrías de Francisco de Goya (1746-1828) fueron las grandes representaciones románticas en España. El Arte se convirtió en sublime.

Fig. 15 – A Alfândega e Santa Maria da Saúde, Veneza, Joseph Mallord William Turner, 1843. National Gallery of Art, Washington. Dado em memória do governador Alvan T. Fuller by The Fuller Foundation, Inc.

Fig. 15 -Salud costumbres y Santa Maria, Venecia, Joseph Mallord William Turner, 1843. National Gallery of Art, Washington. En memoria del gobernador Alvan T. Fuller por la Fundación más completa, Inc.

Pintó poco antes de la muerte de Delacroix, el trabajo de árabes luchando en las montañas (Fig. 8), izquierda representación clara de una lucha. En el primer plano de la escena, retuerce un caballo, en el piso; el caballero y la carga están caídos, mostrando una pelea. En el fondo, Hay gente corriendo, con armas y caballos. En el tercer plan, el suelo pedregoso conduce a un castillo, al final de la escena. La imagen está completa con el uso del color impecable, en el cielo azul, la ropa roja y blanca de caracteres, contrastando con los tonos pastel del suelo y de la montaña.

Fig. 16 – A Última Ceia, William Blake, 1799. National Gallery of Art, Washington. Rosenwald Coleção.

Fig. 16 -La última cena, William Blake, 1799. National Gallery of Art, Washington. Colección Rosenwald.

Considerado el precursor del impresionismo, Turner representa muy bien el romanticismo. Su forma de trabajar con color, en las manchas, Recuerda fotos borrosas, nubes en movimiento, Anunciación de tormentas y, sobre todo, pequeñez humana ante la grandeza de la naturaleza. En la figura 11, el mar y el cielo parecen conspirar contra los barcos en movimiento. El desorden de las nubes y la agitación del agua son precursores de las colosales fuerzas de la naturaleza. Barrido son, en Venecia en Turner (Fig. 12) la corrección del azul del cielo y su reflejo en el mar. Ahí es donde el espíritu de trabajo; eso es lo que conduce la mirada en la escena e invita a realizar incluso el calor que irradia el sol, en su intento de exponer, en medio de las nubes malditas. La escena de los marineros llevan carbón (Fig. 13) es borrosa y la protagonista es la luna. Su luz es poco a poco, absorbe, poco a poco, el paisaje, convergiendo en el centro. El mar es sólo un espejo de la claridad, los barcos y la vida. Realiza sin problemas mediante las técnicas de perspectiva y punto de fuga. La inexactitud de las imágenes, la intensidad del color, las líneas sinuosas y los efectos de la luz natural, son los rasgos distintivos de Turner, fueron explotados más adelante por impresionistas.

Fig. 17 – Don Antonio Noriega, Francisco de Goya, 1801. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress Coleção.

Fig. 17 -Don Antonio Noriega, Francisco de Goya, 1801. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Colección KRESS.

Y podría haber sido más impactante imágenes Goya del romanticismo. La libertad estética dejó en claro la indignación del artista, en las injusticias y la opresión, Cuando España fue invadida por las tropas de Napoleón, que envió a los rebeldes dispararon, en 1808. Su rebelión contra los opresores le llevó a producir las tres funcionen 1808 2 (Fig. 20), el tema fue inspirado por Picasso, en Guernica, de 1937. En la obra de Goya, fue impreso el horror y el miedo de los civiles, atrapados, en medio de la oscuridad de la noche, al lado de cuerpos apilados. Intensificar el carácter expresivo de la obra, el out que de sangre en el hombre de la tierra y desarmado, al centro de, con los brazos abiertos, aterrorizado. A través del drama, el artista dejó en claro su estado de ánimo y su aversión a la tiranía. Goya trabajó con efectos de luz, con intensidad cromática, y con el color en manchas; emociones pero especialmente valoradas y exaltadas, personaje principal del romanticismo.

No veo líneas o detalles, No hay razón para
mi cepillo ver más I.
(GOYA en BUGLER, 2014, p. 245)

Consideraciones finales

Por qué cosas tienen que ser de esta manera, y lo que hace la felicidad del hombre que se convierten también en su desgracia de fuente.
Completo y cálido de mi corazón para la sensibilidad con la naturaleza de la vida, Inundó muchas golosinas, el punto de hacer el mundo a mi alrededor se convirtió en paraíso, ahora se convirtió en, para mí, un insoportable carrasco, un torturador de genius, me sigue por todas partes. (GOETHE, 2009, 79 PP., 80)

Fig. 18 – Jovem usando mantilha e basquina, Francisco de Goya, 1800-1805. National Gallery of Art, Washington. Presente de Mrs. P.H.B. Frelinghuysen.

Fig. 18 -Joven con tocado y basquina, Francisco de Goya, 1800-1805. National Gallery of Art, Washington. Regalo de la señora. B P.H.. Frelinghuysen.

Es la libertad que el arte del siglo XIX, pero sobre todo el idealismo y los valores éticos, porque trajo hacia fuera las emociones, valores y principios. Para Schiller (1759-1805), la libertad estética sería capaz de promover una mejora de la ética y la moral. El escritor alemán cree,

En el estado físico del hombre sufre el poder de la naturaleza; saltos libres de esta energía en el estado estético; y domina en el estado moral. Es el hombre antes de que la belleza despiertan el placer libre y tranquilamente retardando su fauna? Uniforme eternamente en sus propósitos, alternando eternamente en sus juicios, egoísta pero a sí mismo, exento sin ser libre, esclavo sin que sirve una regla. (SCHILLER, 2002, p. 119)

Y Schiller tenía razón. Para ele, la educación sería una forma de equilibrio de la sociedad y la forma en arte y estética. Eso es porque la contemplación de una obra nos pone en contacto con los sentimientos del pozo y suaviza el salvaje. Por Bello, el espíritu es conducido a la libertad, y por lo tanto, el Estado ético.

Fig. 19 – Senhora Sabasa Garcia, Francisco de Goya, 1806-1811. National Gallery of Art, Washington. Andrew W. Mellon Coleção.

Fig. 19 – Sra. Sabasa García, Francisco de Goya, 1806-1811. National Gallery of Art, Washington. Andrew W. Colección Mellon.

Romanticismo todavía dejó su huella en la literatura y, en 1774, Goethe (1749-1832) sacudió a la sociedad alemana, con las penas del joven Werther. El amor platónico, la pasión devastadora y la profunda tristeza de Werther pueden haber inspirado suicidios ocurridos en Alemania, en el momento. En Inglaterra, Lord Byron (1788-1824) producido el poema Don Juan (1818-1823); y Horace Walpole (1717-1797) comenzó con la novela gótica, el castillo de Otranto (1764). En Francia, La bella y la bestia, la versión más antigua de la bella y la bestia fue en 1756, por Jeanne-Marie LePrince de Beaumont (171-1780) Adapté el tradicional cuento de hadas de Gabrielle-Suzanne Barbot (1695-1755). Todavía en Francia, Victor Hugo (1802-1885) reparto, en 1831, El Jorobado de Notre-Dame y en 1862, Les Misérables, Tenía 7000 copias vendidas en 24 horas. En los Estados Unidos, Edgar Allan Poe se convirtió en uno de los mayores representantes del Romanticismo oscuro, a través de la melancolía y la irracionalidad.

Pero en medio de tanta riqueza de este periodo, el principal legado fue el espíritu libre y enamorado de la verdad y el bien. El arte del siglo XIX se convirtió en un medio de exposición de los ideales, dejando estampado cuestiones éticas y morales. Tales condiciones han dejado huellas que cambiaría para siempre el sentido de la estética y que culminaría finalmente en el arte moderno, en el siglo XX.

Fig. 20 – Os Fuzilamentos de 3 de maio, Francisco de Goya, 1814. Museo del Prado.

Fig. 20 -Los disparos de 3 de mayo, Francisco de Goya, 1814. Museo del Prado.

Y Edgar Allan Poe el poema que termina este texto.

En una noche salvaje, Cuando leí el, lento y triste,
Vagos, antiguos tomos de ciencia curiosa,
Y casi caigo dormido, Oí lo que sonaba
El sonido de alguien tocando suavemente a la puerta de mi cuarto.
“Una visita”, Me dijo, “es golpear a la puerta de mi cuarto.
Es sólo por esta, y nada más.”

¡Ah!, que recuerde! Fue en el frío diciembre,
Y el fuego, muerte negro, urdia sombras desiguales.
Cómo me gustaría el amanecer, toda la noche los libros dados
A olvidar (en vano!) el amado, hoy entre los ejércitos celestiales –
Este cuyo nombre se saben los ejércitos celestiales,
Pero ningún nombre aquí siempre!

Como, temblando de frío y suelta, cada púrpura de pantalla
Me llenó, urdia extraño horrores nunca antes tal!
Pero, me infunde fuerza, Iba a repetir,
“Es una visita pidiendo entrada aquí en la puerta de mi cuarto;
Una visita tarde pide entrada en la puerta de mi cuarto.
Es sólo por esta, y nada más”.
(POE, 2008, p. 45)

Es cierto en cualquier caso, que en este mundo no hay nada más necesario al hombre que el amor. (GOETHE, 2009, p. 78)

1 Victor Hugo fue escritor y sirvió en la política. Sus obras más famosas, El Jorobado de Notre Dame (1831) y los Miserables (1862).

2 Video sobre la ejecución de 3 de mayo, Francisco de Goya, el Museo del Prado: www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-3-de-mayo-en-Madrid-o-los-fusilamientos/5e177409-2993-4240-97fb-847a02c6496c

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Referencias:

  1. BAUDELAIRE, Charles. Sobre a Modernidade. São Paulo: Editora Paz e Terra, 1997.
  2. BAYER, Raymond. História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
  3. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
  4. COSTA, Da de Cláudio Manuel. Poemas seleccionados. Rio de Janeiro: Editora Saraiva, 2014.
  5. EAGLETON, Terry. A Idéia de Cultura. São Paulo: Editora UNESP, 2005.
  6. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
  7. GOETHE, Johann Wolfgang. Las penas del joven Werther. Porto Alegre: Ed. L & horas. 2009.
  8. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  9. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. Martins Fontes, São Paulo, 2003.
  10. Massaud, Moisés. La literatura brasileña a través de Textos. Sao Paulo Ed.Cultrix, 2000.
  11. PERSONA, Fernando. Mensaje – obra poética I. Porto Alegre: Ed. L & horas. 2006.
  12. POE, Edgar Allan. La filosofía de la composición. Rio de Janeiro: 7 Letras, 2008. Traducción: LEA Viveiros de Castro.
  13. POE, Edgar Allan. Poemas y ensayos. São Paulo: Editora Globo, 1999.
  14. POE, Edgar Allan. La poesía completa. Nueva York: Penguin Group, 2008.
  15. SCHILLER, Friedrich Von. La educación estética del hombre. São Paulo: Ed. Iluminuras, 2002.
  16. SCHILLER, Friedrich Von. Fragmentos das Preleções sobre Estética. Belo Horizonte: Ed. UFMG – Departamento de Filosofia, 2004.
  17. VIG, Rosangela Araujo Pires. ARTE COMO COMUNICACIÓN A LA COMUNICACIÓN COMO ARTE. Comunicación, Cultura y Medios de Comunicación, Uniso, Sorocaba: 2010. Disponible en:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf

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Las figuras:

Fig. 1 – Iglesia de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

Fig. 2 – Iglesia de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

Fig. 3 – Iglesia de Saint Patrick, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

Fig. 4 – Interior de la iglesia de San Patricio, Nova York, Estados Unidos, Miguel Vig Son.

Fig. 5 – El águila con las alas y el pico abierto, Antoine-Louis Barye, Modelo desconocido, se fusionó después 1862, en bronce. National Gallery of Art, Washington. Regalo de Elizabeth L. Klee.

Fig. 6 – Dromedario en Argelia, Antoine-Louis Barye, Modelo desconocido, probablemente quemado después de 1862, Bronce. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 7 – Muchacha con un cucharón, Jean-Baptiste Carpeaux, tallado entre 1863 y 1867, en mármol. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Colección KRESS.

Fig. 8 – Árabes luchan en las montañas, Eugène Delacroix, 1863. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale fondo.

Fig. 9 – Guerrero desnudo con lanza, Théodore Géricault, 1816. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 10 – Paisaje de primavera en el norte, Caspar David Friedrich, 1825. National Gallery of Art, Washington. Patrocinadores’ Fondo Permanente.

Fig. 11 – El ferry a Rotterdam, Joseph Mallord William Turner, 1833. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

Fig. 12 – Venecia: Costumbres y San Giorgio Maggiore, Joseph Mallord William Turner, 1834. National Gallery of Art, Washington. Colección Widener.

Fig. 13 – Marineros con carbón en luz de la luna, Joseph Mallord William Turner, 1835. National Gallery of Art, Washington. Colección Widener.

Fig. 14 – El rapto de Proserpina, Joseph Mallord William Turner, 1839. National Gallery of Art, Washington. Regalo de la señora. Watson B. Dickerman.

Fig. 15 – Costumbres y Santa María de la salud, Venecia, Joseph Mallord William Turner, 1843. National Gallery of Art, Washington. En memoria del gobernador Alvan T. Fuller por la Fundación más completa, Inc.

Fig. 16 – La última cena, William Blake, 1799. National Gallery of Art, Washington. Colección Rosenwald.

Fig. 17 – Don Antonio Noriega, Francisco de Goya, 1801. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Colección KRESS.

Fig. 18 – Hombre joven con tocado y basquina, Francisco de Goya, 1800-1805. National Gallery of Art, Washington. Regalo de la señora. B P.H.. Frelinghuysen.

Fig. 19 – La señora Sabasa Garcia, Francisco de Goya, 1806-1811. National Gallery of Art, Washington. Andrew W. Colección Mellon.

Fig. 20 – Las ejecuciones de 3 de mayo, Francisco de Goya, 1814. Museo del Prado.

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