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Nueva galería de base colectiva reúne 15 artistas nordestinos

“El punto de ojo no es lo mismo que ver "pone de relieve una producción brasileña que dialoga entre sí a través de un punto de vista regionalista y un lenguaje contemporáneo

El Galería Base inaugura “El punto de ojo no es lo mismo que ver”, Por compuesto 32 trabaja - collage, gráficos, grabados, fotografías y pinturas – de Abraham Palatnik, Almandrade, Antonio Dias, cristiano Cravo, emanoel Araújo, Falves Silva, José Cláudio, José Rufino, Macaparana, Marcelo Silveira, Márcio Almeida, Marco Ribeiro, Mario Cravo Neto, Magno de Montez y Sérvulo Esmeraldo, bajo la curaduría de Paul Azeco. La prensa se ha referido al concepto de Hipermodernidad propuesto por el filósofo francés Gilles Lipovetsky, y subvertir cualquier idea regionalista, frunces 15 artistas del noreste de diferentes generaciones, quien, cada uno en su propio camino, Tienen un arte global, contemporánea y contextualizada.

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En este nuevo colectivo de galería de Base, Se destaca una producción brasileña que dialoga entre sí a través de un lenguaje contemporáneo, que representa un arte universal y coherente con su tiempo. Las obras creadas a partir de las raíces de estos artistas, y que hace que una imagen visual refinado y distintivo. "Si a principios del siglo pasado, en respuesta a la Semana de Arte Moderno (1922), tuvimos la 'Fase Heroica' con los Movimientos PauBrasil (1924), verdeamarelo (1926) y Antropofágico (1928), resultado de las dos primera ecuación, 90 años más tarde la producción artística brasileña fluye naturalmente manera simbiótica. Se puede decir que, siempre basado en la imaginación popular, es una de las regiones donde la estética fuerza es tal vez el más fuerte provino de su influencia regional sin ser intrínseca, necesariamente, regionalista", Comentarios Paul Azeco.

"El punto de ojo no es lo mismo que ver"Se refiere a una mirada eurocéntrica que prevaleció en nuestro país desde hace varias generaciones, inspirado por la cultura europea y se centró en la producción de élite artística concentrada en el Sudeste, y durante años no ha visto o jugado por la gran cantidad de artistas en el noreste de Brasil – región de procedencia algunos de los nombres más reconocidos, como Antonio Dias, Marcelo Silveira y Sérvulo Esmeraldo.

Tomando Hipermodernidad como una mejora de la cultura moderna, la nueva medios de comunicación, y especialmente la idea errónea estando conectado cada vez, mientras que la soledad sigue siendo el sentimiento más grande, observamos que la producción de estos artistas noreste de Brasil está en línea con este concepto. En este sentido, lo más destacado curador: "Muchos de los artistas de la exposición tienen fuertes carreras internacionales, lo que demuestra que la comunicación de masas y el pueblo mundial de hecho puede ser de gran valor en la producción artística. sin embargo, Es importante tener en cuenta que esto es válido cuando el ojo se fija en ti mismo antes de ver el mundo y, lo, los nombres de dicha exposición hicieron con maestría. Una exposición de compañeros artistas abrazar un mundo".

Exposición: “El punto de ojo no es lo mismo que ver”
Artistas: Abraham Palatnik, Almandrade, Antonio Dias, cristiano Cravo, emanoel Araújo, Falves Silva, José Cláudio, José Rufino, Macaparana, Marcelo Silveira, Márcio Almeida, Marco Ribeiro, Mario Cravo Neto, Montez Magno y Sérvulo Esmeraldo
Curadoria: Paul Azeco
Coordinación: Fernando Ferreira de Araujo y Daniel Maranhão
Inauguración: 20 de outubro de 2018, sábado, de las 15 às 18h
Período: 22 Octubre a 23 de noviembre de 2018
Local: galería de Base – www.galeriabase.com/
Dirección: Av. 9 Julio, 5593/11 – Jardim Paulista – São Paulo/SP
Teléfono: (11) 3071-3614
Horarios: Martes al viernes, de las 14 às 19h; Sábados, sólo con cita previa - contato@galeriabase.com.br
Número de obras: 32
Técnicas: Collages, gráficos, grabados, fotografías y pinturas
Dimensiones: variado
Precio: de R$ 8.000,00 los r$ 350.000,00

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Oficina de Prensa – Comunicación balady - Silvia Balady / Zeca Florentino
Tel.: (11) 3814.3382 – contato@balady.com.br

Abraham Palatnik (Natal, Rio Grande do Norte, 1928)

Artista cinético, pintor, dibujante. En 1932, se trasladó con su familia a la región donde, Actualmente, se localiza o Estado de Israel. De 1942 a 1945, Los estudios técnicos en la Escuela de Montefiori en Tel Aviv y se especializa en motores de combustión interna. Inicia sus estudios de arte en el estudio del pintor Haaron Avni (1906-1951) y escultor Sternshus y la estética que estudian con Shor. Frecuenta el Instituto Municipal de Arte de Tel Aviv, entre 1943 y 1947. Vuelve a Brasil 1948, y se estableció en Río de Janeiro. Coexiste con artistas Ivan Serpa (1923-1973), Hiroshige (1925) y Almir Mavignier (1925). Con este último asiste a la casa de Mario Pedrosa crítico de arte (1900-1981) y sabe el trabajo del Dr. Nise da Silveira (1905-1999), Hospital psiquiátrico de Engenho de Dentro. El contacto con los artistas y las discusiones conceptuales con Mário Pedrosa hacer Palatnik ruptura con los criterios convencionales de composición, dejar el cepillo y lo figurativo e ir a por más relaciones libres entre forma y color. Por volta de 1949, comienza estudios en el campo de la luz y el movimiento, resultante en un aparato de cinechromatics, establece en 1951 la primera Bienal Internacional de Sao Paulo, donde recibió mención del jurado internacional. En 1954, Grupo integra delantero, junto con Ivan Serpa, Ferreira Gullar (1930), Mário Pedrosa, Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988) y otra. se desarrolla a partir 1964 los objetos cinéticos, un despliegue de kinechromatic, que muestra el mecanismo interno de funcionamiento y la supresión de la proyección de luz. El rigor matemático es una constante en su obra, actuando como un importante espacio de características de clasificación. Se considera internacionalmente como uno de los pioneros del arte cinético.

Almandrade (San Felipe, BA, 1953)

Vive y trabaja en Salvador, Bahia. Artista plástico, arquitecto, en master diseño urbano, poeta y profesor de teoría del arte de los talleres de arte del Museo de Arte Moderno de Bahía y Palacio de las Artes. Ha participado en varias exposiciones colectivas, entre ellas: XII, XIII y XVI Bienal; "En busca de la esencia" - show especial XIX Bienal; IV Salón Nacional; Universo Fútbol (MAM / Rio); Feria Nacional (S.Paulo); II Salón Paulista, Primera Exposición Internacional de Escultura Efímera (Fortaleza); I Salón Baiano; II Salón Nacional; Mención de honor en el Salón del Estudiante I 1972. Poemas visuales colectivos integrados, proyectos multimedia e instalaciones en Brasil y en el extranjero. Se llevó a cabo una treintena de exposiciones individuales en varios estados. Tiene obras en varias colecciones privadas y públicas, como: Bahía Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Belas Artes (Rio de Janeiro), Museo de la ciudad (Salvador) y Pinacoteca Municipal de Sao Paulo, Museo africano (São Paulo), Museo de Rio Grande do Sul, Arte y Brasil Arte Godlen.

Antonio Dias (Campina Grande, PB, 1944 – Rio de Janeiro, RJ, 2018)

artista visual y multimedia. Pasa su infancia en ciudades de noreste de Brasil y aprender técnicas de dibujo con el abuelo. En 1958, se trasladó a Río de Janeiro y trabaja como diseñador y artista gráfico. Su primera exposición individual tiene lugar en 1962, en Sobradinho Galería, Rio de Janeiro. Participa en la vista shows 65, la aparición en marzo del nuevo realismo en las artes. En el mismo año, colectores y el crítico francés Pierre Restany (1930-2003) organizar un día individual en la 4ª Bienal de París. Durante este período, produce trabajos en video, distribuido por el Archivo Histórico de la Bienal de Venecia. En 1968, Se contrató por Studio Marconi, en Milán, donde se reúnen el arte povera1. En 1972, recibe una beca Guggenheim, en Nova York. De vuelta en Europa, Es invitado por el artista alemán Joseph Beuys (1921-1986) para coordinar la sección latinoamericana de la Universidad Libre Internacional (UIF). En 1974, Produce una gran instalación en el Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro (MAM/RJ). Al año siguiente, PARTICIPA hacer Festival of Media Ampliado, en Belgrado, Serbia, com La Ilustración de arte: Economía. En 1977, viaja a Nepal técnicas de producción y trabajo de investigación, resultando en serie de obras de gran formato y de la Trama publicación álbum. En 1978, realiza entornos con técnicas cinematográficas en el Palazzo Reale de Milán y exposiciones de arte & Cine, Venecia. Volver a Brasil, coordina el Centro de Arte Contemporáneo de la Universidad Federal de Paraíba (NAC / UFPB), junto al crítico de Paulo Sergio Duarte (1946). Regresa a Milán 1981 y se aproxima a la transvanguardia movimiento. En 1988, é Servicio bolsista hacer Alemán de Intercambio Académico (DAAD), en Berlín. En 1992, profesor torna-se da Academia Internacional de Verano de Bellas Artes, en Salzburgo, Austria. Al año siguiente, Academia de Bellas Artes Estado leciona na, en Karlsruhe, Alemania, y, en 1997, en el programa de postgrado de Ateliers Arnhem, en los Países Bajos. En 2010, Se trasladó a Río de Janeiro, donde procede la producción intensa.

cristiano Cravo (Salvador, BA, 1974)

madre danesa y padre brasileño, Fue creado en un ambiente artístico en Salvador, Bahia. Se introdujo en el arte desde una edad temprana. Sin embargo, acaba de comenzar sus experimentos con la técnica fotográfica de once años de edad, mientras que viven en Dinamarca, donde pasó toda su adolescencia. En 1993, interrumpe su investigación fotográfica a realizar el servicio militar en la Defensa de Dinamarca. Con veintidós años, de regreso a su país natal, Brasil, cuando se empieza a estar profundamente mezclada con la cámara. Durante los últimos veinte años, Cristiano pudo ver reconocido su trabajo, no sólo a nivel nacional, sino también a nivel internacional, a través de exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Bahía, en Throckmorton Fine Art en Nueva York, Billedhusets en Galeri en Copenhague, el Ministerio de Cultura en Brasilia, Instituto Tomie Ohtake y Museo Afro Brasil, tanto en Sao Paulo y en exposiciones colectivas como la Galería Witkin en Nueva York, S.F. Galería cámara funciona na Califórnia, la bienal Fotofest en Houston y en el Palais de Tokio en París. Recibió premios de la Bahía Museo de Arte Moderno, e Realice Fondo Internacional de la Madre Jones de Fotografia Documental. Además de las becas de investigación de la Fundación Vitae y la Fundación John Simon Guggenheim por su investigación sobre el agua y la fe. En 2016 Fue premiado por la APCA (Asociación Paulista de Críticos de Arte) la mejor exposición fotográfica 2015. Ha sido nominado para los premios internacionales como Paul Huff (Holanda 2007) e o Prix Pictet (Suiza / Reino Unido, 2008 y 2015 y 2016). Su primer libro “Irredentos” Fue publicado en 2000 y 2005 y su segundo libro “negro roma, ciudad mestizos” Fue publicado en París, En caso contrario por. Otros libros de su autoría son: “En los jardines del Edén” 2010, “Exú Iluminado” 2012, “CLAVEL CHRISTIAN”, editado por la prestigiosa editorial Cosac & Naify en 2014 y “MARIANA” 2016. Actualmente vive en Sao Paulo, Está casado y padre de tres hijas.

emanoel Araújo (Santo Amaro da Purificación, BA, 1940)

Escultor, dibujante, ilustrador, Diseñadora de vestuario, grabador, Escenógrafo, pintor, curador y museólogo. Aprender la carpintería con el maestro Eufrásio Vargas y trabaja con archivos de texto linotipia y en la prensa oficial, en Santo Amaro da Purificación, Bahia. Realiza su primera exposición individual en 1959. En 1960, se trasladó a Salvador y entró en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Bahía (UFBA), donde estudió grabado con Henrique Oswald (1918-1965). En 1972, Se concedió la medalla de oro en la tercera Bienal de Florencia gráfico, Itália. recibe, al año siguiente, el premio al mejor escritor, y, en 1983, el mejor escultor, Asociación Paulista de Críticos de Arte (APCA). Entre 1981 y 1983, instala y ejecuta el Museo de Arte de Bahía (MAB), en el Salvador, y expone individualmente en el Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriand (MASP). En 1988, Usted está invitado a enseñar las artes gráficas y escultura en la Escuela de Artes, na la City University de Nueva York. De 1992 a 2002, Ocupa el cargo de director de la Pinacoteca del Estado de São Paulo (pesp) y es responsable de la revitalización de la institución. Lo, entre 1995 y 1996, miembro invitado de la Comisión de Museos y el Consejo Federal de Política Cultural, creado por el Ministerio de Cultura. Desde 2004, Es curador y director del Museo Afro-Brasil, en São Paulo, con obras de su colección.

Falves Silva (Cacimbas, PB, 1943)

Es uno de los precursores del movimiento de artistas Poema / Proceso, junto con nombres como Moacyr Cirne, Días Wlademir Pin, Alvaro de Sa Sa y Neide, participar en 1967 su manifiesto inaugural. En 1981 participa en la XVI Bienal de Sao Paulo, comisariada por Walter Zanini. Desde el 1980, Se asocia con la red internacional de arte correo, manteniendo un diálogo intenso y fructífero con artistas de diferentes generaciones y nacionalidades, entre los que Jota Medeiros, Ivald Granato, Leonhard Frank Duch, Paulo Bruscky, Hudinilson Jr, Clemente Padín, Edgardo Antonio Vigo, Ulises Carrión y Horacio Zabala. Han mostrado su trabajo en la exposición internacional de arte correo, Tokio, Japón, en 1984, and Mail Bienal de Arte II, España, en 1999. Más recientemente, el artista tuvo una exposición individual "Circle Time", retrospectiva de su carrera, presentado en el Centro Cultural de Sao Paulo. La producción Falves Silva puede ser pensado como una convergencia de dos de los ejes principales del arte brasileño: concreto y movimientos del arte conceptual. El artista habla con la literatura, el cine y el cómic; la manipulación de las estructuras comunicativas y las imágenes de la historia del arte y la comunicación de masas, Falves Silva crea su obra mediante la diversificación del enfoque y el tratamiento de los materiales que eligieron.

José Cláudio (Ipojuca, PB, 1932)

Pintor, dibujante, grabador, escultor, crítico de arte y escritor. En 1952, José Cláudio, Abelardo lado del Tiempo (1924-2014), Gilvan femenina (1928-2013) e Wellington Virgolino (1929-1988), entre otros, fundó el Taller Colectivo de la Sociedad de Arte Moderno de Recife (fusiones). Posteriormente, en el Salvador, José Cláudio es conducido por Mario Cravo Júnior (1923), Carybé (1911-1997) e Jenner Augusto (1924-2003). Viaja a São Paulo en 1955, que en un principio trabaja con Di Cavalcanti (1897-1976), También el estudio de grabado con Livio Abramo (1903-1992) el Museo de Arte Moderno Escuela de Oficios en Sao Paulo (MAM / SP). Realiza pinturas figurativas de carácter, retratar escenas regionales y paisajes del Nordeste; evitar, sin embargo, el carácter pintoresco para resaltar el diálogo con la abstracción, simplificación formal, y el uso gratuito de la pincelada. Poem integra el movimiento / proceso (1967-1972) con su serie "Sellos". En 1975, el artista participa en la importante expedición al Amazonas, promovido por el Museo de Zoología de la Universidad de Sao Paulo (MZ / USP), grabar en varios diseños diferentes de petróleo aspectos regionales que dieron como resultado el libro "100 pantallas, 60 días y un diario de viaje ". Las principales exposiciones del artista: Salón Paulista de Arte Moderno (1956) | Bienal Internacional de São Paulo (1957) | Bienal Internacional de São Paulo (1959) | Bienal Internacional de São Paulo (1961) | Bienal Internacional de São Paulo (1963) | Panorama del Arte Brasileño – MAM (1969) | Panorama del Arte Brasileño – MAM (1983) | Bienal Internacional de São Paulo (1985) | Panorama del Arte Brasileño – MAM (1993) | Exposición retrospectiva - MEPE (2009) | Pernambuco Experimental - MAR (2015) | exposición de sellos, José Cláudio - MAMAM (2017) Sellos - José Cláudio - Directorio de Proyectos, galería de Base, SP-Arte (2018).

José Rufino (João Pessoa, PB, 1965)

Vive y trabaja en Singapur. Desarrolló su recorrido artístico por la poesía por la poesía visual y, entonces, para el arte de postal y dibujos, en los años 80. El universo de la disminución de las plantaciones de caña de azúcar en Brasil llevó a cabo su trabajo inicial sobre dibujos e instalaciones con muebles y documentos familiares e institucional. Hijo de activistas políticos detenidos por la dictadura del régimen militar de Brasil en los años 60, el artista también es bien conocido por sus impresionantes obras de carácter político. últimamente, Se ha hecho incursiones en el lenguaje cinematográfico y se desarrolla cada vez más una conjuntas monotipos / muebles / objetos e instalaciones que trabajan. El diálogo dicotómica entre la memoria y el olvido contamina su trabajo en conjunto. En 2012 participación en SP-Arte, Una separación de las aguas na sala Contemporânea, el CCBB / Río de Janeiro; En 2011, expuesta la obra 28.01.79 Arena en el 12º Festival, Arena-PB; fuera de la separación de las aguas, como un premio Energisa artista invitado de Artes Visuales, en João Pessoa-PB; En 2010, Aenigma expuesto en la Galería de Milán en Sao Paulo; Las transferencias & invenciones, sin Museo Andy Warhol, en Pittsburgh, EUA; e Fausto, el Palacio de Aclamación, en el Salvador. Participó en la 25 Bienal Internacional de Sao Paulo y exposiciones colectivas como las rutas contemporáneas, en el Palacio Imperial (Rio de Janeiro), Ambas me 2002; ARCO - Feria Internacional de Arte Contemporáneo, en Madrid, España, en 2001; e del arte en el mundo, no Pont Alexandre III, París, en 2000. Él llevó a cabo exposiciones individuales en la galería de Virgilio en Sao Paulo, en el año 2008; la Galería Amparo 60 y el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) Niterói, en 2005; Museo del valle, Vila Velha - SE, en 2003; Adriana Penteado en el arte contemporáneo, São Paulo, en 1998; y la Cultura Sérgio Porto, Rio de Janeiro, en 1996. Las últimas investigaciones de la operación artista con el fracaso irreversible del cuerpo y recuerdos.

Macaparana (José de Souza Oliveira Filho, Macaparana, PE, 1952)

Pintor, diseñador y escultor. Autodidacta, Empezó su carrera como pintor figurativo. Realiza su primera exposición individual en Recife, en 1970, la Galería de Pernambuco Compañía de Turismo (Empetur). En 1972, se trasladó a Río de Janeiro y 1973 para Sao Paulo, donde se instaló definitivamente. Durante cerca de 10 años expuestos en las dos ciudades funcionan tematizar el exvoto. En 1983, en contacto con Willys de Castro (1926-1988), exponente de Neoconcretismo y decisivo para el cambio en su trabajo. Participa en la 21 Bienal Internacional de Sao Paulo en 1991. sus exposiciones, individuales y colectivas, Ellos han estado en Sao Paulo, Rio de Janeiro, Recife, Brasilia, México, Japón, Nueva York y Londres. En 2009 realiza exposición individual de esculturas, pinturas y dibujos en la Galería Cayón, en Madrid, y participa en la Materia Gris colectiva, en la misma galería.

Marcelo Silveira (Gravesend, PE, 1962)

Escultor. Crece en los padres de la granja, Engenho Amora Grande, y se trasladó a Recife, en 1979. Asiste Guaianases Taller, Olinda, entre 1982 y 1985, donde comenzó su formación artística. Estudió la educación artística en la Universidad Federal de Pernambuco – UFPE, entre 1985 y 1990. Durante este período, abre estudio en Gravesend, su ciudad natal, y desarrolla actividades con los niños en la región. En 1990, Silveira realiza exposiciones en solitario Engenho objetos, en Itaugaleria de Belo Horizonte, y visitar una exposición Arthur Bispo do Rosario (1911 – 1989), el Museo de Pampulha, que se convierte en una referencia importante en su obra. Vive en Barcelona desde hace tres meses 1992, y asiste a la Escuela Massana de Artes. En los años 1995 y 1996, reanuda su actividad como educador de arte, iniciada con el estudio de Gravesend, trabajar con la creación de tres dimensiones en las universidades y centros culturales. En 2000, Silveira abre las Correcaminhos proyecto, con el que transfiere su estudio a diferentes ciudades de Pernambuco interior y el intercambio de conocimientos con los artesanos que encuentra. Participa, en 2005, el Año de Brasil en Francia y 5ª Bienal del Mercosur, en Porto Alegre.

Márcio Almeida (Recife, PE, 1963)

Vive y trabaja en Recife. Artista multimedia, Comenzó su carrera a finales 1980 y, desde entonces, desarrolla su trabajo utilizando diversos medios de comunicación: pinturas, gráficos, grabados, objetos, fotografías, vídeos, instalaciones, incluyendo algunas de las intervenciones urbanas. En tu camino, exposiciones individuales y colectivas sostenidas, en museos y galerías en Brasil y en el extranjero. Sus obras figuran en las colecciones de las principales instituciones en Brasil, como: Pinacoteca del Estado de São Paulo, Museo de arte moderno – MAM / SP (Carga y descarga de Grupo) préstamo sin – Museo de Santa Catarina, Museo de Arte Moderno Aluízio Magalhães. MamaMia - Recife / PE, Contemporáneo Museo de Arte de Rio Grande do Sul - MACRG - Porto Alegre / RS, Sea Dragon Museum of Contemporary Art – Fortaleza / CE, Museo de Arte de Río de Janeiro - MAR – Rio de Janeiro/RJ, Centro Cultural Sao Paulo - Sao Paulo / SP.

Marco Ribeiro (Guanambi, BA)

Hay 16 firmado años de residencia en Fortaleza. Ha trabajado como diseñador y director de arte y desde 2015 dedicada exclusivamente a la artesanía artística. Sobre el papel, el artista crea obras de arte en diversas técnicas como el dibujo en tinta y acuarela, la imagen ampliada, la escultura, experimentos con la línea de cemento y algodón. Destacar la serie de escritos de Constancio (2016/2017), Punto de fuga (2016/2017), líneas Projetantes (2017), Escribí cartas a mí (2017) y el proyecto Desconcreto (2015/2016). También se dedica a lo largo de Arquitectura y Urbanismo, elección que interactúa ampliamente con su obra de arte. integrado, en 2015, la exposición grupo Elementa, presentó su serie Mineralia, en Contemporarte Galería, en Fortaleza / CE, en 2017, Conexiones de exposición, la Galería Vicente Leite y XIX Unifor plástico, tanto en la capital de Ceará. En 2016, celebrado dos exposiciones individuales: homónima, na Galeria Karla Osorio (Brasilia / BSB), y estructural, en Contemporarte Galería.

Mario Cravo Neto (Salvador, BA, 1947 - Salvador, BA, 2009)

Fotógrafo, escultor y diseñador. Recibe las primeras directrices en el campo del diseño y de la escultura de su padre, Mario Cravo Júnior. Acompañando a su padre, Que hacer participa Programa Artistas en Residencia, patrocinado por la Fundación Ford, viaja a Berlín 1964. En esta ciudad se mantiene en contacto con el artista italiano Emilio Vedova y el fotógrafo Max Jakob. En 1968, se trasladó a Nueva York y estudió en la Liga de Estudiantes de Arte, con la orientación de Jack Krueger, uno de los arte conceptual de los precursores en la ciudad. Durante este período, realiza una serie de fotografías de los colores de metro y produce sus primeras esculturas de acrílico. Vuelve a Brasil 1970. Sufre un accidente de tráfico en 1975, e interrumpido su actividad profesional por un año. Posteriormente, dedicada a la fotografía de estudio, crea instalaciones y realiza trabajo fotográfico con temas relacionados con el Candomblé y la religiosidad católica. publicar, entre otros, Ex-Votos libros, 1986, Salvador, 1999, LAROYE, 2000, En la tierra bajo mis pies, 2003, El tigre y la Dahomey – A Serpente de Whydah, 2004. Recibe el Premio Nacional de Fotografía de la Fundación Nacional de las Artes – Funarte, en 1996, O Price Waterhouse, el panorama del arte brasileño de Sao Paulo Museo de Arte Moderno – MAM / SP, en 1997; y el mejor fotógrafo de la concesión del año de la Asociación Paulista de Críticos de Arte – APCA, São Paulo, en 1980, 1995 y 2005.

Magno de Montez (Timbaúba, PE, 1934)

Pintor, escultor, artista intermedia, escritor e ilustrador. el dibujo y la pintura estudiada, entre 1953 y 1966. En 1957, celebrado su primera exposición individual en el Instituto de Arquitectos de Brasil, en Recife. Desde 1960, publica artículos y arte en la investigación en los periódicos brasileños. Convertirse en un miembro del Instituto de Cultura Hispánica 1963 y 1964, que le permite viajar por varios países de Europa. Con el premio recibido en la Sala I Global del Noreste, viaja a los estudios de Europa y Argelia 1975. Volver a Brasil, enseña escultura en la Universidad Federal de Paraíba. Se ilustra el libro El Diablo en la víspera de Navidad, Osman Lins, y varios libros de su propia.

Sérvulo Esmeraldo (Crato, CE, 1929 – Fortaleza, CE, 2017)

Escultor, grabador, ilustrador, pintor. Al principio de su carrera artística, dedicada a la xilografía. Desde 1947, en Fortaleza, asiste a la Sociedad Cearense de Artes Plásticas (SCAP) y se mantiene en contacto con Paula Inimá (1918-1999), Antonio Flag (1922-1967) Martins y Aldemir (1922-2006). Durante este período tienen clases de pintura con Jean-Pierre Chabloz (1910-1984). En 1951 Se trabaja en el montaje de la primera Bienal Internacional. Tras el cierre de la Bienal, se instala en Sao Paulo, ejerce la función de grabador e ilustrador en Correio Paulistano y tiene contacto con Marcelo Grassmann (1925) y Livio Abramo (1903-1992). En 1956, fundó el Museo del Grabado, en la ciudad de Crato, Ceará. En 1957, individuo realiza en el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo (MAM / SP) y viaja a Europa con la beca del gobierno francés. Em Paris estuda litografia Escuela Nacional de Bellas Artes na [Escuela Nacional de Bellas Artes] y tiene acceso a las obras raras de la Biblioteca Nacional de Francia, que le permite estudiar los grabados de Alberto Durero (1471-1528) durante dos años. Con la guía de Johnny Friedlaender (1912-1992), comienza su trabajo de grabado, publicadas por editoriales europeas. A mediados de los 1960, integra el movimiento del arte cinético, al realizar los trabajos excitables – pinturas y objetos impulsados ​​por electricidad estática. Vuelve a Brasil 1978, fijo en Fortaleza y se dedica al arte público. Idealiza en Fortaleza la Exposición Internacional de escultura efímera, que es curador 1986 y 1991.

Paul Azeco (Goiania, GO, 1983)

Goiás, 35 años, Licenciada en Artes Visuales – Diseño Gráfico de la Universidad Federal de Goiás, con énfasis en la fotografía modernista brasileña. Trabajó con Thomaz Farkas. Especialista en Artes Aplicadas de la École Boulle de París y licenciado en curaduría y museografía. En 2011, desarrolla el proyecto curatorial de Odd Galería, en São Paulo, y 2012 inaugura la Oficina Arte Gris, centrándose en el arte contemporáneo y el intercambio artístico entre Brasil y Bélgica. Trabajó durante diez años en el grupo Micasa, Fue director artístico de Houssein Galería Jarouche. Actúa como comisario independiente.

galería de Base

fundada por Daniel Maranhão y Fernando Ferreira de Araújo en 2016, la galería ha participado en ferias, expandido su sede y, en marzo 2017, abrió su espacio actual. Daniel abrió la GaleriaSete, en 2012, en Recife. Fernando es un coleccionista de arte y artista, También actúa como comerciante de arte desde su traslado a Nueva York, en 2003. Para crear la base de Galería, Tienen el propósito de actuar tanto en el sector primario, con representación de los nuevos artistas y exposiciones que realizan en su espacio, participando en ferias nacionales e internacionales, así como el trabajo con las obras de artistas consagrados, contenida en su colección.

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