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Exposition de Pablo Picasso: Main classique, Oeil sauvage Ucie par Vig

Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig est Rosângela plasticienne et enseignante Histoire de l'art.

Avec le design et les couleurs toujours voulaient pénétrer ' un peu plus conscience du monde et des hommes, pour cette compréhension dans la version un peu plus chaque jour. (Picasso à MARQUÉS, 2007, p. 48)

Avec la pensée juste et révolutionnaire, l’espagnol Pablo Picasso (1881-1973) Il n’a pas hésité à exprimer, à travers l’art, vos sentiments sur une période troublée, marquée par des conflits comme la guerre civile espagnole, l’occupation de la France, les troupes allemandes, et les guerres mondiales. Son talent inné, qui s’est déjà dans l’enfance, clairement le champ et la perspicacité sur les couleurs et les formes, qui transformerait Picasso dans l’un des plus grands interprètes du XXe siècle. Son génie allait changer pour toujours les paradigmes de l’art moderne.

Après sept ans, Picasso a commencé dans le monde de la peinture, Grâce à son père. À 14, Il a eu des travaux académiques et, la qualité de votre travail s’imposant tout d’abord à seize ans, avec une mention honorable à l’exposition nationale des beaux-arts et une médaille d’or, dans votre ville, Malaga.

Leur art, toutes les, offert le desassossegos de votre temps et votre vie; a évolué dans le temps et la couleur, jusqu'à ce que vous obtenez à l’Art pur, modèles gratuits et l’exactitude du formulaire. Jusqu'à l’adolescence, On peut dire que son travail est resté figuratif. Entre 1901 et 1904 (Figue. 1), Phase bleue, ont été clairement les sentiments d’abandon, la solitude et la pauvreté, Grâce à l’utilisation de la couleur et des expressions des personnages représentés. À ce stade, faits avec attributs qui marqueraient pour toujours la vie de l’artiste: la perte de sa soeur de huit ans, Concepción et le suicide de son ami Art. De 1904 et 1906, la passion pour Fernande Olivier amené pour inaugurer la phase Rose. L’utilisation abondante de rouge et rose, le portrait des personnages de cirque, comme des acrobates, Arlequins et danseurs ont été les plus remarquables caractéristiques de cette phase. Pendant cette période,, déjà installé à Paris, Picasso a travaillé sans relâche; et a rencontré un groupe d’intellectuels, Parmi eux, André Breton (1896-1966), l’écrivain Gertrude Stein (1874-1946) et Guillaume Apollinaire (1880-1918).

Mais l’évolution de son travail subissent encore l’influence d’un voyage qu’il avait faites à Andorre et le contact qu’il avait avec l’art grec, Ibérique et africain. La période africaine ou Protocubismo, Comment s’appelait leur production, entre 1907 et 1909 (Figue. 2), Champ libre pour une nouvelle forme de représentation. Cette phase, une des œuvres plus importantes de Picasso, Les Demoiselles D’Avignon 1, de 1907, montre claire les influences des masques africains, sur le visage des deux femmes dépeint. L’indifférence avec la forme a déjà émergé au format rectiligne du corps féminin. Enveloppé dans une sorte de voile, Prostituées de la rue de Paris faire des poses sexy, avec leur corps svelte, dans les tons de rose et semblent se déplacer lentement.

Mais les lignes droites et les formes allongées de Les Demoiselles D’Avignon Si stressé et cubisme est arrivée à échéance. À côté de Picasso, Georges Braque (1882-1963) se détachait dans le style, Cela impliqué plus tard autres noms comme Juan Gris (1887-1927), Fernand Léger (1881-1955), Jean Metzinger (1883-1956), Marcel Duchamp (1887-1968), Robert Delaunay (1885-1941) et Sonia Delaunay (1885-1979). La commune Desvencilhada, l’art de Picasso disturbed, en excluant une réalité qui a été de déformer les images connues. En regardant la stimulation par le travail, Vous pouvez voir l’abandon de la perspective classique pour les plans ouverts, en même temps ventilés, disposés en lignes droites, comme si les diverses dimensions pour être diffusés en même temps.

Le critique d’Art Français, de la saison, Louis Vauxcelles (1870-1943) clairement son étrangeté de nouveau modèle, qui réduit tous les « petits cubes » (à MARQUÉS, 2007, p.50). Dont l’origine remonte aux travaux de Paul Cézanne 2, Cubisme a été au-delà de, a évolué, assimilés de nouvelles techniques et nouveaux matériaux. Cette évolution a abouti à trois phases. Dans le premier, à 1909 (Figue. 2), Il y avait toujours claires influences de le œuvre de Cézanne. Dans la seconde, Cubisme analytique, entre 1909 et 1912 (Figue. 3), Vous pouvez voir la décomposition des images et une tendance à monochrome. Dans la troisième, Cubisme synthétique, entre 1912 et 1919, Picasso et Braque ont commencé à utiliser la plus forte des couleurs et des collages, dans le but de rendre les images reconnaissables, dans une sorte de réaction à la fragmentation excessive des images.

Et le œuvre de Pablo Picasso avait encore une période classique, au cours de la 20 (Figue. 4). Picasso a laissé le cubisme et adhéré au style classique, par mesure de prudence, Une fois que la guerre avait fourni un climat de mise en garde contre les étrangers. Dans le 30, le contact avec les surréalistes l’a amené à utiliser la figure du Minotaure dans ses oeuvres. Nombreuses gravures de cette période vedette des scènes érotiques.

Son plus célèbre connu fonctionne bien, était le résultat du sentiment de dégoût de l’artiste en bombardant la ville espagnole de Guernica, à 1936, qui a causé la mort de centaines de personnes. L’indignation de Guernica de Picasso est venu 3, 4, à 1937, un panneau, de 3,5 pour tout 8 mètres, C’est actuellement dans le Musée Reina Sofia. Dans l'image, le sentiment de se désintégrer, de désespoir et de peur, laisser clairement les horreurs d’une guerre. Dans un premier plan, la peinture monochrome peut être comprise comme une icône de l’idée de la tristesse (KANDINSKY, 2008, p. 6), pour kandinsky,

Toute autre couleur, même les cas les plus manifestes, acquérir, Quand sur fond noir, une nouvelle force et vivacité. Le noir représente la plus profonde tristesse, C’est le symbole de la mort. Rien sans possibilités, tué après le dé de soleil, comme un silence éternel, aucun espoir pour l’avenir.

Et le symbole de la mort et la douleur est présent dans l’image, Il y a morts parmi les figures; une femme éclate dans le désespoir, avec un enfant dans vos bras; d’autres semblent crier; un cheval, symbole de la puissance, tortillant; le taureau, symbole de l’Espagne, C’est aussi l’image; vers le bas, la torche et la fumée qui semblent sortir, suggérer l’attaque inattendue. Le chaos de la scène donne l’impression de l’émerveillement, et la macération, Bien que le travail provoque la sensation de l’irrationnel, son contenu a ressemblé à une manifestation pour la défense de la paix. Selon Picasso,

Ce que vous croyez être un artiste? Un fou qui n’a aucuns plus d’yeux, Lorsqu’un peintre; oreilles, Lorsqu’un musicien; ou d’un cri dans toutes les couches du coeur, Si c’est un poète? Très à la différence: Il est à la fois un homme politique. Est un instrument de guerre offensive et défensive contre l’ennemi ». (Picasso à MARQUÉS, 2007, p. 48)

Picasso a osé exposer ses réflexions, excellent moyen. Son unique et irrévérencieux a démontré une prise de conscience du monde rationnel, calculé. La domination sur l’objet artistique était claire. Le résultat a été un travail équilibré, persuasive, Malgré leur tableau de bord sauvage. Pour l'artiste (Picasso à MARQUÉS, 2007, p. 48) C’était le moyen de dire des choses la manière vous sembliez plus naturel. L’âme claire a permis son génie enlever la Messaline, à travers l’art.

Il ne fait aucun doute que l’invention de la photographie 5 et sa diffusion, à la fin du XIXe siècle, sont déterminants pour la desvencilhasse de l’art des schémas traditionnels et à aller de l’avant de la manière et sur la créativité. Livres, les artistes pourraient envisager d’autres modes de représentation. Les, apte à enquêter sur nouvelles façons de présenter l’art dans sa forme la plus pure. Picasso est bien compris qu’et, Grâce à son extraordinaire vitalité, son audace et son irrévérence, résigné à la solennelle, changer pour toujours l’histoire de l’art.

L'Exposition

Faire une compilation de ces étapes dans la vie et le œuvre de Pablo Picasso, l’Institut Tomie Ohtake, à São Paulo, apporte 153 pièces des périodes de la vie de l’artiste, Depuis son introduction dans le monde de l’Art, par volta de 1900, leurs influences et la formation, même la scène érotique. Ces œuvres, appartenant au Musée National Picasso, Paris, enregistrements représentent chaque période dans la vie de l’artiste, et comment ils se sont déclarés. Parmi eux, Il y a des peintures, sculptures, impressions et images, En plus de photos de Dora Maar et films sur le processus de production de l’artiste. Les spectacles de l’Institut a également un rapport réalisé par Dora Maar, comme témoin à la réalisation de Guernica. Sur l'affichage, C’est jusqu’au jour 14 Août 2016, à São Paulo, Il est possible d’identifier les phases de votre peinture, à travers un parcours chronologique. Les œuvres appartiennent au Musée National Picasso, l’une des collections plus importantes de le œuvre de l’artiste et l’exposition est un témoignage de sa vie et sa pensée.

Même une partie de la valeur d’un objet. Un tout nouveau réalisme réside dans la façon dont vous considérez un objet ou une de ses parties. (Fernand Léger, dans l’arrêt MACK, 2014, p. 323)
Mes rêves sont votre chevalier formel,
Mon destin brillant pilote de votre belle
En rênes vous aurez tendu conduisant à l’agonie,
Mes versets, les modèles de toute poésie.
(APOLLINAIRE, 1997, p. 31)

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1 Les Demoiselles D’Avignon:
www.pablopicasso.org/Avignon.jsp

2 Paul Cézanne:
www.Paul-Cezanne.org

3 Guernica:
www.sabercultural.com/template/obrasCelebres/Guernica-Pablo-Picasso.html

4 Études sur Guernica:
comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf

5 Invention de la photographie:
www.pointdaarte.webnode.com.br/News/a-History de la photographie

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Références:

APOLLINAIRE, Guillaume. Le Bestiaire ou Parade of Orpheus. Sao Paulo: Miniatures de l’éditeur, 1997. Traduction par Alvaro Faleiros.

BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.

CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Publifolha, S. Paulo, 2014.

FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.

Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.

HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.

MARINS, Vânia; HAUGUENAUER, Cristina. L’étude de l’utilisation des couleurs en jeux éducatifs. Rio de Janeiro: Disponible dans www.Latec.UFRJ.br/projetomuseu/tesegamedesign/colorgame. Accédé 15 Juillet 2016.

MARQUÉS, Maria José But. Picasso, Génies de l’art. Barueri, Sao Paulo: Brésil tournesol Editions Ltd., 2007.

SPENCE, David. Picasso, Enfreindre les règles. Sao Paulo: Améliorations de la CLA de São Paulo, 2005.

VIG, Rosangela Araujo Pires. L'ART COMME UNE COMMUNICATION A LA COMMUNICATION AS ART. Communication, Culture et médias, UNISO, Sorocaba: 2010. Disponible dans comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf Accédé 15 Juillet 2016.

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