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Figue. 13 -La ferme en Provence, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.
Figue. 13 -La ferme en Provence, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Premières traces de l’art-post-impressionnisme moderne par Rosangela Vig

Vous pouvez également entendre cet article dans sa propre voix artiste Rosangela Vig:

Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig est Rosângela plasticienne et enseignante Histoire de l'art.

Pour le parfait flâneur, pour l’observateur passionné, C' est une immense joie réside dans les nombreuses, en ondulant, la bougeotte, l’insaisissable et à l’infini. Être loin de la maison et, Toutefois à l’aise partout où vous voyez le monde, au centre du monde et rester caché au monde, Voici quelques-uns des petits plaisirs de ces esprits indépendants, Amoureux, impartial, cette langue ne peut pas définir autrement grossièrement. L’observateur est un Prince qui utilisent partout le fait être incognito. (BAUDELAIRE, 2007, p.21)

Charles Baudelaire (1821-1867) était critique de l'art français du XIXe siècle, précurseur du symbolisme et le fondateur de la tradition moderne dans la poésie. Le théoricien était poète Bohème et votre poésie était le résultat d’un esprit sensible sur la métropole. Sa poésie est plein d’éléments de la vie quotidienne sans subjectivité exagérée, pour lequel l’auteur a eu une aversion. Pour ele, l’artiste est comme un flâneur, un observateur du monde. Est celui qui marche à travers la foule, le buzz des rues et la traînée des étapes. Perception de vive, Il sent la vie palpitante dans votre frénésie. Au milieu de la foule, l’artiste est juste un étranger solitaire, mais votre regard est intense, Ma sorcière bien aimée. Comme un incognito Walker, a l’énergie d’un enfant ébloui, photos de dégustation, Appréciez les moments du cluster.

Et rien n’aurait pu être plus attrayante de cet explorateur que le décor élégant de la capitale Français, entre la fin du XIXe siècle et début du XXe siècle. Ce contexte, ont participé à l’exposition universelle de 1889, Paris, un hommage au centenaire de la révolution Français. L’événement a été l’inauguration de la Tour Eiffel, et 31 Mars de la même année. Ont été également partie de l’exposition montre l’Extrême-Orient, in the Middle East, Afrique du Nord, Afrique centrale et la Polynésie. Temples ont été soumises, mosquées, Maisons de danses chinoises et javanais. Conçu par Gustave Eiffel (1832-1923), la Tour Eiffel, le centre de l’événement, Il faisait partie du secteur dédié à Paris.

Lors de l’exposition universelle, entre 6 peut le 31 Octobre, étaient présents autour de 50 million de visiteurs, y compris, des célébrités de l’époque comme écrivains; les inventeurs de Nikola Tesla (1856-1943) et Thomas Edison (1847-1931); le Prince de Galles avec ta femme; et des artistes tels que Edvard Munch (1863-1944), Paul Gauguin (1848-1903), Vincent Van Gogh (1853-1890), Rosa Bonheur (1822-1899) et James McNeill Whistler (1834-1903).

Les dernières années du XIXe siècle ont été marquées par une Culture cosmopolite. A Belle époque, comme la période a été appelée, a été caractérisée par l’épanouissement de la beauté Art, musique et théâtre. Dans la capitale Français, les riches jouissent de la vie culturelle, les restaurants, voyage et la mode, Bien que ceux-ci n’étaient pas accessibles à tous les plaisirs et le luxe, souvent, Il a été considéré comme décadent.

La capitale animée de la fin du 19e siècle en France, a ouvert le célèbre cabaret Moulin Rouge à 1889, année où il a été également publié le magazine La Revue Blanche, sur Art, Littérature et la politique, qui stimulent l’art d’avant-garde. Et encore la France est devenue un pionnier dans la production d’automobiles, de fabrication 30 mille voitures, plus de la moitié de la production mondiale, à 1903.

Dans votre effervescence, le Paris de l’époque était pure inspiration pour Explorateur solitaire et passionné que Baudelaire nous dit. Le talent serait difficile à transformer en art, tant d’images de la vie en ébullition. Mais contrairement à ce qui s’est produite dans les autres périodes, les artistes de l’impressionnisme de Post n’a pas suivi un modèle esthétique unique. Vu l’héritage des impressionnistes comme point de départ, et Art Maintenant, si ramifiées dichotomiquement. Scènes du quotidien ont été explorés; ont été étudiées les techniques nouvelles; la couleur est venu à être utilisé avec plus d’emphase; Il y avait une émancipation de la forme; mais les artistes explore, particulièrement, liberté. Il en résulte un mouvement d’avant-garde qui a commencé en 1885 et il est resté jusqu’au 1907, avec l’apparition du cubisme.

Architecture

Le plus un art est abstrait et idéal, meilleur révèle le caractère de votre temps. Si nous voulons comprendre une nation pour votre Art, étudier votre architecture et votre musique. (WILD, 1994, p. 55)

Les dernières décennies du XIXe siècle à gauche derrière la Renaissance et de l’éclectisme, les grandes marques de l’esthétique romantique, dans l'architecture. Bien qu’il n’a ne pas mis en évidence le post-impressionnisme dans un style architectural, Il a été entendu une rançon de praticité, la fonctionnalité et la simplicité.

L’utilisation du fer dans les structures des bâtiments a été une caractéristique de l’époque, en raison de l’industrialisation qui a eu lieu en Europe. Beaucoup de familles ont migré vers les grands centres industriels, la recherche d’un emploi, prenant ces endroits une forte croissance. Étant donné qu’il était nécessaire d’abriter ces gens, la solution miracle serait de construire des bâtiments. Avec ce, les motifs ont reçu une valeur élevée, Que faire d’une manière, finalement encourager l’intégration verticale de la Villa. L’utilisation du fer dans la structure rendu possible la construction de bâtiments plus hauts, plus robuste et plus "BOLD", avec couvre plus spacieuse et plus rapide d’exécution. Ajoutez à cela le fait que le fer soit plus résistant au feu. Et le matériel a été utilisé dans la construction des ponts, chemins de fer, industries et stations. Mais le fer peut être moulé, permettant l’utilisation de ce matériel comme un élément décoratif, dans l'architecture, donnant lieu à la Art Nouveau, Il mérite un chapitre.

Construit entre 1838 et 1850, Paris, la bibliothèque Sainte Geneviève, l’ingénieur Henri Labrouste et architecte Français (1801-1875), Il fut le premier bâtiment à utiliser le fer à repasser dans la structure et comme élément décoratif. À Londres, le Palais de cristal, de Joseph Paxton (1803-1865), construit entre 1850 et 1851, reçu de fer et de verre dans votre structure.

La Tour Eiffel (Chiffres 1, 2 et 3), plus haute construction de ville Français, Il a été érigé entre 1887 et 1889, dans le style Nouveau et ne devient pas seulement le symbole de la France, mais aussi une icône de l’architecture moderne, avec votre poutrelle, orné de fer apparent. Pendant de nombreuses années, il a été jugé plus haut bâtiment du monde. Dans votre intérieur de restaurants, boutiques, cinéma et il est encore possible pour le visiteur, Profitez de la vue panoramique sur la ville de Paris, ou rencontrer l’appartement privé de Gustave Eiffel, Situé en haut de l’immeuble.

Sculpture

Aucun grand artiste ne voit les choses comme elles sont vraiment. Et si cela devait arriver à lui, Il ne serait pas un artiste. (WILD, 1994, p. 55)

À Oscar Wilde (1854-1900), Poète et écrivain irlandais, l’art est une interprétation de la vie, n’est pas la vie elle-même; est le fruit de l’aspect raffiné de l’artiste et de ses impressions. Peut-être que c’est le plus grand attribut de la Belo de chaque saison. Et la forte probabilité de l’esthétique de la période en question était en raison de cette interprétation de l’artificier, sur la vie dans une frénésie. La liberté esthétique élargi qui ressemblent et autorisé la sculpture s’écouler un équilibre patché avec l’environnement, la grande tendance de la période.

Aristide Maillol 1 (1861-1944) a été le clou dans ce domaine. Préoccupé par la façon dont a été le résultat d’admiration pour Sculpture grecque. Influencé le principe, par Rodin d’impressionniste (1840-1917), l’artiste puis, suivi de votre propre parcours. Est aussi l’inspiration du sculpteur de lumière, dans son contemporain Paul Gauguin (1848-1903) et Maurice Denis (1870-1943). Maillol est venu à utiliser pour la peinture, Tapisserie de croisés et de la gravure sur bois, mas personnes 40 ans qu'il se consacre entièrement à la sculpture. Ambroise Vollard (1866-1939), connu Marchand de la saison, a été chargé pour la première montre le sculpteur, à 1902.

Sans la charge émotionnelle de l’impressionnisme, les figures féminines nues de Maillol sont arrondies, testing, fondée sur des modèles vivants; sont seuls maintenant, maintenant dans les groupes, interaction, la façon naturelle. La préoccupation du sculpteur avec la forme et la symétrie est évident dans le travail de nuit, sur l'affichage à Metropolitan Museum, em Nova York. Dans l'image, coulé dans le bronze, Vous pouvez dire la recherche accentuée par le figuratif, vestige de l’antiquité classique. La sculpture peut retenir une femelle peintures de Gauguin, compte tenu de la spontanéité de votre position. Assis, avec son visage caché entre les bras, sur les jambes repliées, la femme est présentée de façon naturelle, sans prétention. Il y a équilibre dans vos émotions, Une fois que le sculpteur fait un point d’une distanciation psychologique. L’épouse de Maillol était le modèle pour cela et pour plusieurs de ses œuvres.

Peinture

Toute la création artistique est absolument subjective. (…) Je crois que même si, plus nous croyons objective création, plus elle est vraiment, subjective. (WILD, 1994, p. 147)

Cette subjectivité qui nous dit Wilde, est liée à la façon dont l’artiste voit les choses qui l’entourent, votre enthousiasme et vos émotions. Coule pour le travail de votre interprétation particulière du monde et votre sort par nature. Pour Wilde, Étant donné que c’est subjectif, l’art est vérité sans compromis, se distancie, à cause de son, Une fois que l’artiste assimile les choses et les orientent leurs valeurs et leurs impressions.

Un tel raisonnement a un lien avec la pensée de Platon 2, tout le monde des idées. Pour le philosophe de l’antiquité, Il existe une réalité permanente, pour chaque personne; y a-t-il une autre façon de comprendre les choses, pour chaque. Dans le domaine de l’art, même si un travail est lié aux codes de la réalité, Elle sera une simple imitation de l’idée originale de l’artificier ou la réalité elle-même. Dans il y a imprimé la compréhension et la langue de celui qui l’a créé.

De telles considérations reflètent l’esprit de la peinture de la période. Le rejet du figuratif, inauguré avec l’impressionnisme, prorogé par et a été étendu aux formes qui ont commencé à se distancier de la réalité. La tâche du peintre interpréterait le monde, Laissez vos émotions s’écouler librement et sans compromis. Et le créateur de génie a grande variété de stimuli, intentée par l’effervescence parisienne et de la diversité des cultures de l’exposition universelle. Les impressionnistes sont devenus plus larges, agrandi en forme, à couleur et en lumière. L’art traverse une grande transformation, qui devaient culminer en esthétique effectués tout au long du XXe siècle.

Ce que vous avez vu dans la période a été un groupe hétérogène, de divers styles. Pour artistes, Il était courant pour la pertinence du côté émotionnel; l’indifférence avec la forme; l’application de la lumière à des scènes de la vie quotidienne; l’utilisation de la technique du fauvisme, en d'autres termes, l’intensification de la couleur.

Et ce fut le point de couleur qui se démarque de Paul Gauguin (1848-1903). L’artiste est né en France, mais passé votre enfance au Pérou, pays d’origine de votre mère. Vinrent s’installer au Danemark, mais revient en France, où il a rencontré l’impressionniste Camille Pissarro, qui a grandement influencé votre Art. Sont arrivés pour participer à des expositions en 1876, mais seulement en 1885, a continué à se consacrer entièrement à la peinture. À partir de 1891, jusqu'à votre mort, Gauguin a vécu en Polynésie Français (Tahiti et les îles Marquises).

Dans votre travail, il y a un mélange d’exotisme, de poésie et de couleurs, de la vie quotidienne des lieux où il a passé les dernières années de votre vie. Ce goût pour insolite est claire sur la Figure 4. Dans l'image, deux Tahitiennes sont de retour, sauter à la mer. Au bas de l’image sont les vêtements de l’un d'entre eux; l’autre est en enlevant votre pareô. Avec des gestes lents et sensuels, Ils ne semblent ne pas se soucient du pêcheur à venir. Les particularités du style de l’artiste est la simplification de la forme et l’utilisation des surfaces planes de couleurs, avec des lignes délimitées en noir, caractéristiques des estampes japonaises. L’utilisation de la couleur intense et forte accentue exubérance léger et tropical de l’endroit où s’est passé de Gauguin. Son travail montre clairement la rupture avec le style réaliste et se tourne vers votre imagination et vos émotions.

L’utilisation de couleurs pures a également eu une tendance dans le œuvre de Paul Cézanne (1839-1906). L’artiste a été en contact avec les impressionnistes, qui est venu d’exposer, mais n’était pas content avec votre propre style et compris qu’il doit interpréter ce qu’il voit et non pas simplement des scènes de Registre. À partir de 1880, Cézanne a commencé à peindre des paysages sur la montagne de Provence Sainte-Victoire. Na figura 8, Vous pouvez voir que Cézanne a gardé les effets de la lumière naturelle, déjà utilisé par les impressionnistes et l’utilisation de couleurs pures. Quant à la façon, les éléments naturels de la scène, Accueil, les rochers et la végétation sont représentés par des cônes et cylindres, aspect principal de votre peinture, fonctionnalité qui est devenu le précurseur de l’art moderne et d’un pont au cubisme.

Georges-Pierre Seurat (1859-1891) avait une préférence pour la peinture de la banlieue parisienne. Sa personnalité était un contrepoint entre l’extrême sensibilité et mathématiques de précision. Depuis ses études de théorie des couleurs et l’optique, à 1880, se mit à faire une utilisation scientifique des couleurs, créant ainsi le Divisive ou style pointilliste. Seurat est venu assister à la dernière exposition impressionniste dans 1886 et de tumulte causé par votre travail un dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte. Sa technique était suivi plus tard par Paul Signac (1863-1935) et Théo van Rysselberghe (1862-1926). Au phare à Honfleur (Figue. 9), est la lumière naturelle qui illumine les maisons, le bateau et le phare. Ne mélangent pas les couleurs; ils sont des petits points de teintes différentes qui se chevauchent, provoquant un effet d’optique du mélange de couleurs, à la fin.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) 3 s'installe à Paris, Il fréquente les bordels, les cafés, les cabarets, entre Ls, le Moulin Rouge. Son apparence étrange, en raison des jambes très courtes et staturale, Faites votre âme sensible et peut-être, pour cette raison, a réussi à capturer la fragilité des artistes et des prostituées comme aucun autre peintre. Ses œuvres étaient un portrait de la vie de Bohème et de l’artiste sont venus faire des affiches pour les cabarets et les salles qui ont participé à. Le Virginia Reel dans Moulin Rouge (Figue. 11) regorge d’éléments avec lesquels Lautrec vécut. Il y a des gens danser et s’amuser dans une grande salle éclairée. Les couleurs vives accentuent la dynamique et l’effervescence du moment. Les contours simplifiés et le manque d’ombre reste clairement l’intention de l’artiste de mettre l’accent sur l’expressivité des personnages, votre tranquillité d’esprit avec l’anatomie et la réalité.

Vincent van Gogh (1853-1890) Parmi les artistes les plus remarquables de la période et la dernière fois. Né aux Pays-Bas, le peintre s’installé à Paris, où votre frère Theo était un Marchand. Il a été présenté le Paul Signac, Èmile Bernard, Paul Gauguin et Lautrec, Outre les principaux artistes impressionnistes. Comme beaucoup de votre temps, était en amour avec les estampes japonaises. Essentiellement autodidacte commence à peindre dans le style pointilliste, mais modifié votre tableau de bord, au fil du temps. Sa reconnaissance a eu lieu qu’après votre décès. Dans la vie, juste une photo avait vendu. Sa vie est très bien documentée dans les lettres échangées avec son frère Théo, qui a reçu beaucoup d’aide. Le peintre a souffert de crises de folie et de la dépression et, Après une dispute avec Gauguin, est venu de couper votre propre oreille. Il reprit la peinture après lui et contrôle la dépression. Votre tableau de bord a ensuite évolué et les courses courtes devient longue et sinueuse. En 27 Juillet 1890, plus en proie à une crise de dépression, Van Gogh tiré contre sa propre poitrine. Est mort le jour suivant, avec seulement 37 ans, dans les bras de ton frère.

Son style est incomparable, avec des couleurs fortes, sinueuse et expressive des lignes qui, pour de nombreux, trie de l’artiste comme pré-expressionista ou expressionniste. Que la nature est le trait le plus frappant d’un de ses 40 Autoportraits (Figue. 15). Les extrémités de coups de pinceaux qui coule autour de la figure de l’artiste, dans vos cheveux et vos vêtements suggèrent l’impression mouvement et l’intensité. Le bleu et le fond de la scène contraste avec la couleur claire du visage de l’artiste. Il est à noter la pâleur et le profil attristé à cause de ses problèmes émotionnels. Pour l'artiste,

Il est possible qu’il y a un grand feu dans notre âme, Bien que n’importe qui peut réchauffer avec lui et les passants regarder un peu de fumée. (Vincent Van Gogh à WATTS, 2002, p.41)

L’indifférence avec la forme, avec le point de vue et l’utilisation de couleurs vives sont aussi présents dans les œuvres de Henri Rousseau (1844-1910). Son style séduit de nombreux artistes de l’époque, y compris Pablo Picasso et devint l’un des plus grands représentants de la Arte Naïf 4. Dans la forêt de pluie de Rousseau (Figue. 17) Il y a des contours noir et blancs; les différentes nuances de vert sont forts et ne se mélangent pas. La simplicité de la forme reflète l’idée de l’innocence et la joie. Sans doute Rousseau est jamais sorti de France, mais beaucoup de ses tableaux sont des forêts.

La diversité de la saison, toujours ajouter les noms de Bertrand-Jean Redon, connu comme Odilon Redon (1840-1916); Henri-Edmond Cross (1856-1910); et Théo van Rysselberghe (1862-1926). Beaucoup d’artistes, représentée par bon marchands, ils pourraient devenir riches avec art. Des autres ont progressé beaucoup dans votre style, ils n’avaient aucune représentation et appartient à une classe plus pauvre que s’est efforcé d’affirmer.

L’Explorateur des masses que Baudelaire nous dit, Rien n’est plus charmant que les images d’une ville en délire. Le Paris de la fin du XIXe siècle aurait suffisamment d’éléments pour l’artiste, chambre de charme, Imaginez l’art, Selon votre esprit fécond. À Oscar Wilde (1994, p.54),

L’art est développé uniquement dans leurs propres rangs, ne symbolisent pas n’importe quel moment, mais, À la différence, a dans ses symboles.

L’art a ensuite entrepris de nouvelles façons, prendre direction propre, dégagée de l’exactitude de forme et devint encore plus charmante et divers.

Final Thoughts

L’art commence avec décoration abstraite, avec une œuvre purement imaginative et agréable, ne s’applique pas si pas l’irréel, le non existant. (WILD, 1994, p. 39)

Le désir de se libérer de la bourse d’études initiée par les impressionnistes semble avoir produit de bons fruits. Les artistes ont commencé à étudier de nouveaux moyens d’expression, explore que la créativité et à jamais changé l’art Panel. Le post-impressionnisme a continué jusqu’aux premières décennies du XXe siècle, Quand les avant-gardes ont repris le scénario.

D’une importance fondamentale à cette photo est le contact avec l’exotisme de régions éloignées, lors de l’Expo de six mois qui a inspiré des artistes à développer votre style comme Gauguin, séduit par l’art Oriental. Tour de Gustave Eiffel et l’excitation des nombreux peintres parisiens de l’époque a inspiré. Beaucoup d’artistes était à la recherche pour les endroits plus loin de la France à vivre, comme Provence, La Grande-Bretagne et le Languedoc; ou encore, comme ce fut le cas avec Gauguin, Je vivais en Polynésie Français.

L’émotion l’emporte sur la façon dont, est devenue souveraine et, désinvolture s’installe, prenant ares nouvelles esthétique. L’observateur s’enthousiasme, le flâneur, le début de ce texte, tout ce qu’il fallait, c’était le coeur battant, enchanté par les images qui offert chaud. Et l’art peut être même de façon insensée et délirante de voir les choses. Pour l’écrivain irlandais, Savage, charmes d’art en soi, Il est agréable à regarder et elle a aussi appris à admirer la beauté de la nature.

“Il est dit qu’art nous fait aimer encore plus la nature, dévoile ses secrets (…)” (WILD, 1994, p. 25)

Au cours de la banlieue en ce que, la toiture à la Mansart,
Stores courent salauds luxuriante voile,
Quand le soleil goutte, imposant, ses dagues
Sur la ville et la campagne, les plafonds et les champs de maïs,
J’ai mis le train dans mon escrime étrange,
Reniflant autour de toutes les chances de la rime,
En une phrase la pointe, Que diriez-vous les trottoirs,
Ou vérifier les images ont longtemps rêvé de.
(BAUDELAIRE, 2006, p. 96)

Notes:

1 Vidéos sur le travail du sculpteur Aristide Maillol:
www.youtube.com / watch?v = LxR0j4b1TNE
www.youtube.com / watch?v = WZ-8GAqpsTY
www.youtube.com / watch?v = SHt17_Gyqeg

2 Un peu plus sur la théorie du monde de Platon des idées peut être vu dans l’article le compagnon Art lien:
www.obrasdarte.com/a-Arte-incompreendida-por-Rosangela-VIG

3 Henri de Toulouse-Lautrec:
www.obrasdarte.com/exposicao-Toulouse-Lautrec-em-Vermelho-por-Rosangela-VIG

4 Arte Naïf:
www.obrasdarte.com/a-Arte-Naif-Arte-ingenua-por-Rosangela-VIG

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Références:

  1. BROOME, Peter; CLAUDE, Graham. Une anthologie de la poésie moderne Français. New York: Cambridge University Press, 2003.
  2. BAUDELAIRE, Charles. Sur la modernité. Sao Paulo: Editeur paix et de la Terre, 2007.
  3. BAUDELAIRE, Charles. Les fleurs du mal. Sao Paulo: Martin Claret, 2006.
  4. BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  6. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  7. Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  8. HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  9. PLATO. Crátilo. 2ª. Édition. Lisbonne: Livraria Sá Costa, 1994, Définition de Pe. Palm jours.
  10. POE, Edgar Allan. La philosophie de Composition. Rio de Janeiro: 7 Courrier, 2008. Translation: Léa Viveiros de Castro.
  11. PROENÇA, Gratuit. Découvrir l'histoire de l'art. Sao Paulo: Routledge, 2005.
  12. VANNUCCHI, Juliana. La pertinence du mensonge comme composante artistique à Oscar Wilde. Sorocaba: Collection philosophique, 2016. Disponible dans: www.acervofilosofico.com/a-relevancia-da-Mentira-como-Componente-artistico-no-Pensamento-de-Oscar-Wilde dernière consultation le novembre, 2017.
  13. VERLAINE, Paul. Cent un poèmes de Paul Verlaine. Chicago: The University of Chicago Press, 1999. Traduit par Norman r. Shapiro.
  14. VIG, Rosangela Araujo Pires. L'ART COMME UNE COMMUNICATION A LA COMMUNICATION AS ART. Communication, Culture et médias, UNISO, Sorocaba: 2010. Disponible dans: comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf dernière consultation le novembre, 2017.
  15. WATTS, Franklin. Vincent van Gogh. Sao Paulo: Routledge, 2002.
  16. WILD, Oscar. La désintégration de mentir et autres essais. Rio de Janeiro, Imago Editora Ltda., 1994.

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Comme figuras:

Figue. 1 - Tour Eiffel, Francis Bernard, 2016.

Figue. 2 - Tour Eiffel, Francis Bernard, 2016.

Figue. 3 - Tour Eiffel, Conceição Matos, huile sur toile, 50 x 40 cm, 2011.

Figue. 4 - Fatata te Miti (Près de la mer), Paul Gauguin, 1892. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 5 - Te Pape Nave Nave (Eau délicieuse), Paul Gauguin, 1898. National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. Paul Mellon.

Figue. 6 - Le Musée du Prado, Alfred Sisley, 1875. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Figue. 7 - La bataille de l’amour, Paul Cézanne, 1880. National Gallery of Art, Washington. Don de W. Averell Harriman Fondation à la mémoire de Marie N. Harriman.

Figue. 8 - Maisons en Provence, la vallée de Riaux près de L'estaque, Paul Cézanne, 1880. National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. Paul Mellon.

Figue. 9 - Phare à Honfleur, Georges Seurat, 1886. National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. Paul Mellon.

Figue. 10 - Un coin au Moulin de La Galette, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 11 - Danse au Moulin Rouge, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 12 - La pomme de terre mangeurs, Vincent Van Gogh, 1885. National Gallery of Art, Washington. Collection Rosenwald.

Figue. 13 - Ferme en Provence, Vincent Van Gogh, 1888. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Figue. 14 - Nature morte d’oranges et de citrons avec gants bleus, Vincent Van Gogh, 1889. National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. Paul Mellon.

Figue. 15 - Self-Portrait, Vincent Van Gogh, 1889. National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. John Hay Whitney.

Figue. 16 - Champs de blé vert, Vincent Van Gogh, 1890. National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. Paul Mellon.

Figue. 17 - La forêt tropicale, Henri Rousseau, 1909. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

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