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Arte contemporáneo, Arte Óptico – Op Art, por Rosângela Vig

También se puede escuchar este artículo en su propia voz artista Rosangela Vig:

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Rosângela Vig es Artista Visual y Profesora de Historia del Arte.

El vulgar cree que es fácil escapar de la realidad, cuando es lo mas dificil del mundo. Es fácil decir o pintar algo que no tiene ningún sentido., que es inteligible o nulo: bastará con poner en cola palabras sin sentido, o dibujar peligros al azar. Sin embargo, poder constituir algo que no sea una copia del material y que, no obstante, tener alguna sustantividad, implica el regalo más sublime. (GASSET, 2005, p. 43)

El arte despierta la imaginación., estimula lo cognitivo y abre el camino a infinitas formas de lenguaje. Curioso, el ojo es atraído por los colores, por formas y movimiento; y deambula interesado por el objeto artístico, develando los códigos que expuso el artista. Con cada nueva mirada, un nuevo mensaje puede ser revelado, se puede decodificar. Quizás esta sea la mayor propiedad del arte.. Tu entendimiento, sin embargo, no siempre es responsable de reflejar la realidad.. Al desprenderse del mundo de las cosas conocidas, El Arte se acerca a lo que se puede decir de un Arte puro, espiritualizado, sin involucrarse con los problemas del mundo real. Así se amplían los límites, si el artista así lo decide, si la imaginación está de acuerdo con eso.

Para entregarse a tal viaje, basta contemplar el infinito que habita el interior del alma., del pensamiento y perderse indefinidamente por los caminos que conducen a estas paradas. Lo que la imaginación permite será solo una representación de lo que el verdadero yo se atreve. Sólo así emerge el Arte superior, vívido, en el movimiento, desvinculado de patrones. Así anduvo la estética de la modernidad, cada vez más alejado de la realidad, engendrando nuevos moldes y abriendo campo a la estética contemporánea de la segunda mitad del siglo XX.

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Arte contemporáneo

Aunque no hay consenso sobre el inicio del Arte Contemporáneo, fue después de la segunda guerra mundial, alrededor de los años 50 que hubo una ruptura con el Arte Moderno, cuando surgieron los nuevos estilos acompañando a un mundo rebosante de innovaciones tecnológicas y científicas. la carrera espacial, la idea de la reconstrucción de la sociedad en la posguerra y la búsqueda del inconsciente fueron temas que inspiraron a los artistas. El campo se ha expandido a nuevos idiomas., a partir de preguntas al estilo dictado por el Cine y la Televisión. Desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días, El Arte Contemporáneo siguió el pensamiento, innovaciones y cambios mundiales.

También llamado posmoderno., El arte estuvo acompañado de cambios en la pintura., para Escultura y Arquitectura. Entre los diferentes estilos que guiaron las producciones de la época, eran Pop Art y Op Art.

Arte abstracto

El movimiento que surgió en 1965, en Nova York, Estados Unidos y Europa, Op Art fue acuñado, forma abreviada de arte óptico. La primera exposición tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno. (MoMA) y se tituló "El ojo receptivo". El nombre se puede traducir como el "ojo sensible", o el “ojo que responde”, probablemente refiriéndose a las imágenes de obras de este estilo, que envuelven el ojo con la idea de movimientos continuos de formas geométricas.

Fomentar la reflexión y estimular la mirada sobre el objeto artístico, Op Art fue considerado una variación del Expresionismo abstracto; acercándose al campo de las sensaciones, formas disociadoras, colores y patrones. En el objeto artístico hay triángulos, círculos y cuadrados que se cierran, abierto en espirales, dividir en fractales, desvincularse y volver a unirse. El ojo es atraído, busca la imagen y se pierde en ella, buscando donde empieza y donde acaba la obra. Como una forma de ilusión, El arte parece estar vivo y en constante cambio., como si matices y líneas hicieran vibrar las cuerdas en forma de música. A esto se suma el uso de colores contrastantes., que en cierto modo acentúa los movimientos. Tal vez esta sea la mejor descripción para el estilo Op Art o tal vez no haya forma de definirlo., sin mirarla.

Entre los nombres que representaron el estilo está el del artista húngaro Víctor Vasarely (1908-1997), precursor del movimiento; y los nombres de Alexander Calder (1898-1976); Luis Sacilotto (1924-2003); Adolfo Federico Reinhardt (1913-1967); Jesús-Raphael Soto (1923-2005); Kenneth Noland (1924-2010); y ricardo allen (1933-1999).

Víctor Vasarely1 estudió arte en budapest, en Hungría, País de nacimiento; tuvo contacto e influencia del movimiento Bauhaus; y recibió inspiración de las obras de Kandinsky. Desde 1930 fue a París donde trabajó para empresas de publicidad. Llegó a trabajar con el arte figurativo., pero optó por un estilo cuyo protagonista era la geometría. Sus líneas se asociaron con movimientos monocromáticos y adquirieron gradualmente y ondulaciones.. Elementos ligados a la profundidad estuvieron presentes en su obra., a la multidimensionalidad y, sobre todo al dinamismo, como si todo el universo de su obra se expandiera ahora, ahora retirar. células hechas, galaxias y mundos poco ortodoxos, El Arte de Vasarely palpita con cada cambio de mirada.

Alexander Calder2 nacido en pensilvania, Estados Unidos y se dio a conocer por sus móviles y por sus inmensas esculturas, además de imágenes de alambre. Desde muy joven, el artista ya mostraba interés por crear, llegar a hacer sus propios juguetes, un niño. Se mudó a París en 1926, donde tuvo contacto con los artistas de la Surrealismo. más que esculturas, tus obras son arte en movimiento. tamaño completo, sus obras se exhiben en varios países y sacan a la luz la idea de un arte puro, vinculado al uso de colores y formas en movimiento, lo que se nota en tu Red Disk Folding (Fig. 1), de 1973, en exhibición en la plaza Schlossplatz, en stuttgart, una de las ciudades más grandes de alemania. Em metal, su construcción gigante adquiere una ligereza increíble con el movimiento sutil y delicado. como pájaros alzando el vuelo, sus formas coloridas alegran la monocromía de la ciudad, al mismo tiempo que parecen ser parte del espacio. Cuando el espectador cambia de perspectiva, el trabajo del artista (Figuras 2, 3, 4) adquiere nuevos matices a través del juego de luces y sombras; y se reorganiza en nuevas formas, con nuevas figuras.

Nacido en Santo André, São Paulo, Luiz Sacilotto estudió Dibujo en el Centro Universitario de Bellas Artes; trabajaba como publicista; dibujos hechos para arquitectura. En el campo del arte, Sacilotto participó de exposiciones y Bienales en Brasil y exposiciones en el exterior; y fue considerado uno de los mayores representantes de la generación del hormigón en Brasil. Su obra tiene contrastes., simetría y tiene movimiento. tu inmensa pintura (Fig. 7) en el vestíbulo del bloque B, de la Universidade Federal do ABC seduce el ojo en primer plano por el color intenso. Esta atracción aumenta a medida que se intensifica el movimiento de la obra., cuando los ojos corren de un lado a otro, o de arriba a abajo. Las formas parecen hacer una especie de movimiento convexo., a donde va toda la imagen infinitamente. El espectador, la impresión es que él mismo converge con la obra y se adentra en esta inmensidad de formas yendo y viniendo.

En la figura 8, Sacilotto juega con la forma geométrica y la divide, formando dos nuevos triángulos que parecen estirarse en el espacio, como si estiraran cada uno de sus extremos. el material es aluminio, también se utiliza en el trabajo de la Fig. 10. Esto, junto con la madera, engaña la mirada, que ahora percibe el interior de una pirámide, ahora tu afuera. Recordando los colores de fauvismo, las lineas verdes destacan superpuestas a la naranja, en figura 11. Líneas de tamaño idéntico, dibujado uno arriba, otros debajo, dar la impresión de ser más grande o más pequeño. La ilusión óptica se sigue completando con la idea de que la obra se mueve de arriba hacia abajo o de abajo hacia arriba.. Este artista brasileño dominó como ningún otro la habilidad de transformar el Arte en un juego de colores., de formas e ilusión de la mirada. Ver tu trabajo es como notar campos en movimiento, formas que se expanden y se contraen.

Consideraciones finales

Entonces, solo esta pintura
De colores hacia fuera ruidosamente,
Colores recta,
Desnudo, colores calientes.

Su pintura sólo luz,
Construcción de clara,
Esta versión del curso de
Hecho de no.

Pintura que enseñaste
La moraleja a la vista
(dejando la muñeca suave
dale mas tension a la vida).

Esta pintura puede,
Con su chorro frío,
Estremecen el alma marchita,
De indiferencia o acídia.
(NIETO, 1975, p.19)

Los itinerarios de la Arte. Su historia ha demostrado que no basta con ser un objeto sobre el que el observador encantado descanse su atención., sino algo que te llame la atención invitándote a participar como un juego infinito; que te da nuevas perspectivas, nuevos puntos de vista, hizo una broma. De hecho, los efectos ópticos y visuales de Op Art, con formas y lineas, con colores vibrantes y contrastantes permiten una especie de paseo por la tridimensionalidad en movimiento como si la obra estuviera viva, pulsando.

Es agradable viajar a través del objeto artístico como parte integral del mismo., disfruta de todo tu espacio, pasar por el, desde todos los ángulos posibles. Cuanto se entrega el alma a tal fruición, el espíritu toma vuelo en éxtasis. Tal encantamiento permite un deleite duradero en ser.

1 Vídeo da obra de Victor Vasarely
youtu.be/G_gOS_xwSiw

2 Vídeo de la obra de Alexander Calder
youtu.be/fI5PRaTSMUI

Referencias:

  1. ANDRADE, Mário. poemas completos. São Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
  2. BANDERA, Manuel. Bandera de bolsillo. Porto Alegre: L&PM Pocket, 2008.
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  4. BILAC, Olavo. Antologia Poética. Porto Alegre: Ed. L & PM Pocket, 2007.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
  6. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
  7. GASSET, José Ortega y. El arte de la humanización. 5 a. Edição. São Paulo: Ed. Cortez, 2005.
  8. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  9. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
  10. MOISÉS, Massaud. Literatura brasileña a través de textos. São Paulo: Editora Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
  11. MATHEW, Vinícius. Antologia Poética. São Paulo: Companhia das Letras, 2009.
  12. NIETO, João Cabral de Melo. Museo de todo. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
  13. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.

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