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Arte moderno - Expresionismo abstracto de Rosângela Vig

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Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Rosângela Vig es Artista Visual y Profesora de Historia del Arte.

Ya habrá escuchado estas expresiones o incluso las ha aplicado.: 'Oh, que pintura glacial!’, tienes la impresión de que el aire glacial entra por una ventana abierta en invierno. Y todo nuestro cuerpo tiembla. Pero una aplicación correcta de "tonos" y "sonidos" "cálidos" ofrece al pintor y compositor la hermosa posibilidad de crear obras cálidas. (KANDINSKY, 1970, p. 73)

El arte es un viaje delirante a través del mundo de sensaciones placenteras causadas por la apreciación de los colores y las formas.. Es como si el ojo jugara en una deliciosa búsqueda persiguiendo líneas, encontrar puntos, escondiéndose bajo superficies densas y delgadas. En este viaje, el observador se distancia del mundo real., penetra en las dimensiones etéreas y conduce su espíritu curioso a través de ellas, tu ávida mirada y tu mente creativa. Así debe ser la contemplación del arte, así debería ser el disfrute.

Y tal vez este acto de disfrutar es muy intenso en Arte Abstracta, porque la mente está libre del objeto real y viaja espontáneamente a través de estas dimensiones. True Art permite al alma hacer estas peregrinaciones disponibles para otros tiempos, para otros espacios posibles. Depende del observador despertar esta esencia interior y permitir que la mente viaje a través de los tonos cálidos o fríos de una pintura.; por la cara lisa, escultura gruesa o rugosa; o simplemente deja que el alma se emborrache con las notas de una canción, como nos dices Kandinsky, en tu cita. Y debe recordarse que el escritor también fue el mayor representante del arte abstracto y su trabajo tenía una fuerte conexión con la música..

El abstraccionismo de Kandinsky, principios del siglo XX cruzó fronteras y llegó a Nueva York, nos Estados Unidos durante a década de 30, cuando los primeros artistas se unieron al estilo de allá. Durante este período, el país sufrió la gran depresión y las dos guerras mundiales, lo que llevó a muchos a adherirse al realismo social en la pintura, con temas centrados en el sufrimiento. Muchos de ellos sobrevivieron gracias a un programa de ayuda gubernamental dirigido al arte.. En los años 1940, Estos artistas comenzaron su viaje a través de un estilo que se distanció de los problemas políticos., frente a la libertad estética. A esto se suma el hecho de que muchos artistas e intelectuales europeos famosos se han mudado a los Estados Unidos., huyendo de la segunda guerra mundial (1939-1945), Incluyendo Salvador Dalí (1904-1989), Piet Mondrian (1872-1944) y Fernand Léger (1881-1955). Y Nueva York fue también el escenario de exhibición para muchos representantes del modernismo europeo, que proporcionó inspiración para los artistas estadounidenses que buscan innovar su idioma.

Surgiendo después de la Segunda Guerra Mundial como un gran poder, Estados Unidos ahora tenía una gran fuerza laboral, debido a la inmigración; gran riqueza en recursos naturales; y economía estable. París fue reemplazado por Nueva York como el centro del arte moderno.

En medio de este contexto fructífero, se abrió espacio para un nuevo estilo que surgió en 1946, con temas cargados de emoción, con la valorización de la individualidad, de libre expresión e improvisación. La escuela de Nueva York, como se llamaba el estilo, por los propios expresionistas abstractos, fue el primer movimiento reconocido internacionalmente en la pintura estadounidense.

No me importa la relación de color o forma, Solo estoy interesado en expresar emociones humanas básicas. (ROTHKO en MACK, 2014, p. 354)

Arquitectura orgánica

La arquitectura de los años. 1940 tuvo a los Estados Unidos como escenario y estuvo bien representado por el organicismo de Frank Lloyd Wright 1 (1867-1959), racionalismo opuesto. La idea principal era integrar la construcción al lugar donde estaba, como si la naturaleza protegiera y abrazara el trabajo, haciendo que se inserte en su medio. La forma final de la construcción fue abstracta., expresivo y lleno de movimientos. Aunque este estilo surgió en los Estados Unidos, terminó influyendo en la arquitectura europea.

Y el museo Guggenheim 2 y 3 en Nueva York fue uno de los edificios de Wright en el que se esculpió el estilo orgánico. Construido en 1959, el edificio emerge con movimiento en medio de la bulliciosa ciudad (Fig. 1), como la cinta que se desenrolla de un carrete enorme. Y, si la fachada parece ser elástica y se mueve, Su interior no es diferente. De dentro, la impresión final es que estás en una gran espiral, donde puedes deslizarte libremente, deleitándose con el arte que se puede ver a su alrededor. Quizás esa fue la intención del arquitecto al diseñar el museo.

Entre los muchos proyectos de Wright todavía hay Casa da Cascata 4 también en los Estados Unidos, en el estado de Pennsylvania, donde se refuerza la idea de construir para adaptarse a la naturaleza y su entorno. La casa emerge de una cascada., donde ella parece estar insertada ella misma. El agua se derrama, como si perteneciera a la obra.

Escultura

Alma contempla la mañana rutilo
Abre esta mezcla de colores alrededor de la parte superior
Inmaterial secreto, pero domesticado
Sensación original de vapor y humedad de fondo
Articulaciones desplazadas por las llamas.
Fricción aplastada de suspiros
Líneas estrelladas que rasgan el abismo
Tejido en espiral que divide los ares.
(KANDINSKY, 1991, p. 67)

Con obras metafóricas y llenas de movimiento e innovaciones en el campo de la estética., grandes escultores se destacaron en el estilo abstracto expresionista estadounidense, entre los cuales Isamu Noguchi (1904-1988); y las notables mujeres que formaban parte del grupo de artistas del estilo., incluyendo a Louise Nevelson (1899-1988), Mary Callery (1903-1977) e Dorothy Dehner (1901-1994).

Como inmensas catedrales, oscuro, inexacto y abstracto, las paredes esculturales (Paredes Esculturales) de Louise Nevelson 5 (Fig. 2) parecerse a edificios góticos; elevarse hacia el cielo, esbelto, circunspectas, monocromo, me tonos austeros, como si rezara en silencio alto. Sus inmensas instalaciones y piezas consisten en cajas de madera., lleno de objetos del mismo material en el interior, todo eliminado y recogido por el artista, a partir de objetos urbanos. Influenciado por Marcel Duchamp, La escultura de Louise Nevelson anticipó la idea de reutilizar materiales desechados en el medio ambiente..

Mary Callery, a su vez, imprimió libertad y movimiento en sus obras.. Se quedó en tu escultura, la fuerte impresión de lo moderno y, en muchas de sus piezas, imprimió la ligereza y el gesto elegante como si los personajes delgados y delgados se movieran delicadamente en un ballet lento. Al mirar cuidadosamente a aquellos que aprecian Arte, puedes ver música clásica haciendo eco en el fondo, como una orquesta silenciosa, en que violines, pianos y director de orquesta alternativo dictando los pasos del baile.

Pittura

Pinto así porque puedo seguir agregando más y más elementos: dramático, dolor, cólera, amor, una figura, un caballo, mis conceptos espaciales. (EL KOON en MACK, 2014, p. 351)

Viniendo de Armenia en 1920, Arshile Gorki (1904-1948) estuvo entre los artistas e intelectuales europeos que emigraron de Europa a los Estados Unidos, guerra huyendo. Estilo expresionista abstracto de Gorki (Fig. 3) sirvió de puente entre los pintores europeos de vanguardia y los estadounidenses, todavía influenciado por la cultura de la época, para literatura, a través del cine de Hollywood y un período de fin de guerras. A esto se agrega la no conformidad con lo tradicional en Estética; un juicio negativo sobre el capitalismo y la tecnología.

El resultado fue la libertad de expresión., improvisación y obras llenas de emociones y temas morales, con la apreciación del individuo. El estilo llevó a una primera generación de artistas estadounidenses a obtener reconocimiento internacional. Entre estos artistas, grandes mujeres estaban emergiendo 6 que, contrario a su tiempo, fue más allá y conquistó su espacio profesional, evidenciando en el campo de la pintura y la escultura. Entre ellos destacaban los pintores. Anne Ryan (1889-1954), Perlas finas (1905-1988), Lee Krasner (1908-1984), Agnes Martin (1912-2004), Mary Abbott (1921-2019), Joan Mitchell (1925-1992) y Helen Frankenthaler (1928-2011). Los nombres de Mark Rothko también fueron de gran importancia. (1903-1970), Adolfo Gottlieb (1903-1974), Arshile Gorki (1904-1948), Todavía Clyfford (1904-1980), Willem de Kooning (1904-1997), Barnet Newman (1905-1970), Jackson Pollock (1912-1956) e Ad Reinhardt (1913-1967).

En el estilo pictórico de Jackson Pollock 7, Se asignó Action Paint o "Pintura de acción" en ingles, por el crítico de arte de la época, Harold Rosenberg (1906-1978). Su técnica diferenciada (Fig. 4) consistió en colocar la pantalla gigante en el piso y, sobre ella, dispara o gotea la pintura al azar, obedecer los movimientos del cuerpo, de los brazos. Es como si el artista adquiriera alas y flotara o volara con un enorme pincel sumergido en tinta sobre la escena imaginaria., en una broma deliciosa, donde solo los colores entrelazados son importantes. El resultado es una hermosa textura en la que el blanco, negro, gris, rojo, amarillo y muchos otros colores alternan, formando un colorido jardín, en el que es posible percibir sombras, fondos, tonos superpuestos y ocultos, como si hubiera una trama en el objeto artístico, similar a una tela en movimiento.

Con un estilo más refinado., Lee Krasner (Fig. 5) recibió gran prominencia en el expresionismo abstracto. Casado con Jackson Pollock, los dos mantuvieron sus estudios 8 en la granja de The Springs 9 donde vivieron, en East Hampton, Nueva York. Mientras Krasner trabajaba en una habitación de la casa., Pollock mantuvo su estudio en el granero.. Incluso siguiendo la línea del expresionismo abstracto, las obras de ambos adquirieron diferentes características. Ella incluso trabajó con collage, muchas de sus obras son vívidas e intensas, con campos de color bien llenos y una notable influencia de Matisse (1869-1954).

También bajo la influencia de Matisse, Mark Rothko 10 (Fig. 6) preocupado por los campos de color, a menudo con matices fuertes, en contraste, en medio de formas geométricas, quien parecía tratar de tomar el espacio del otro. Hizo puertas y ventanas que se cierran y abren, sus colores son borrosos, lo que sugiere niebla sobre el trabajo, como si la nitidez del tono estuviera blanqueada por una niebla suave. El resultado es una escena llena de emoción y espiritualidad., que emergen a los ojos del espectador, en su intento de desvelar el color que está velado por este velo.

De una manera más instintiva e irracional, a obra de De Kooning 11 está más cerca de una realidad deformada, turbulento, acentuado por los gestos violentos del artista en el lienzo, con golpes bruscos y aleatorios. Su estilo, dentro del expresionismo abstracto es explosivo e inesperado, dejar la muestra, quizás la degeneración de la sociedad.

El estilo irreverente de De Kooning tuvo una gran influencia en la obra del artista Jorge Guinle (1947-1987), en Brasil, en tus años de producción 80. Nacido en Nueva York, El artista llegó a Brasil con su familia en el mismo año de su nacimiento.. Regresó a Nueva York, también vivió en París, donde tuvo contacto con Art, fue autodidacta. Hay una clara influencia de Matisse, en el vívido color de su trabajo y Pintura de acción dos Estados Unidos. Hay vigor y energía en tus pinceladas aleatorias, hay deconstrucción de la forma realista, hay sombras, formas ondulantes intercaladas, superposición, que se ve orgánico, vivas.

Aunque hay contradicciones, Algunos críticos consideran que las obras de los artistas brasileños Tomie Ohtake (1913-2015), Manabu Mabe (1924-1997) y Flávio Shiró (1928-) tienen el estilo muy cercano al expresionismo abstracto.

La pintura tiene vida propia. Intento dejar que se vea. (POLLOCK, en MACK, 2014, p. 356)

Consideraciones finales

Cuando algo termina, significa que moriste, no? Creo en la eternidad. Nunca termino una pintura, simplemente dejo de trabajar en ella por un tiempo. (GORKY, en MACK, 2014, p. 352)

Para el artista, el trabajo siempre está en textura, se desarrolla en tu mente creativa; sale al mundo real, se materializa en forma de Arte e incrustar en una pantalla, en una piedra áspera, solo para ser apreciado, por tu belleza, para tu asombro, por su significado. El creador organiza los objetos., los colores, las formas y las arregla cuidadosamente, en un intento inútil de lograr su propia idea inicial. Esto nunca será lo mismo que el pensamiento que idealizaste.. para Platón,

(…) Si todas las cosas no son iguales para todos, al mismo tiempo y siempre, y cada una de ellas no es propia de uno en particular, por lo tanto, resulta con evidencia de que tienen por sí mismos, cierta realidad permanente, que no se relaciona con nosotros y no dependen de nosotros; no deje, así, arrastrar de aquí para allá por nuestra fantasía, pero hay, por supuesto,, por sí mismas y por su propia esencia. (PLATÃO, 1994, p. 16)

El trabajo nunca estará terminado para la mente errante del artista., cuando está dispuesto a viajar a través de la inmensidad de su creatividad, por sus caminos remotos, por sus mundos utópicos. El artista se embarca en este viaje en busca de la perfección inalcanzable que puede comprender la totalidad de su pensamiento y el mundo de sus ideas.. Lo que, el camino nunca será el mismo, cada vez que pasea por estos mundos avergonzados. Encuentra nuevas formas, alternativas que podrían estar en una investigación constante de itinerarios que abarcan completamente su visión inicial. Para el observador, la perfección siempre estará presente, en cada línea, en cada movimiento, en todos los sentidos, en cada color y en la disposición de los elementos de la escena que se creó. Es como si todo tuviera que estar ahí, por destino, no por la mano humana.

El arte recrea las cosas individuales en forma de esencias universales., y al hacerlo ellos mismos hace inimitablemente. durante ese, que convierte la necesidad de contingencia, la libertad de dependencia. Lo que resiste este proceso alquímico se purga como negarse particularista (EAGLETON, 2005, p. 85).

1 Frank Lloyd Wright - El hombre que construyó América
www.youtu.be/1O7ax1KhJNM

2 Museo Guggenheim
www.youtu.be/QvgVKWvb2tI

3 Museo Guggenheim
www.visitenovayork.com.br/guggenheim-museum-em-nova-york

4 Casa da Cascata - Casa Kaufmann - La casa del agua que cae
www.youtu.be/JW040r0LiTc

5 Louise Nevelson
www.macdowell.org/artists/louise-nevelson

6 Mujeres del expresionismo abstracto
www.youtu.be/p7tlfBOjay0

7 Jackson Pollock
www.youtu.be/XFFe35P1c8s
www.youtu.be/1U19VOF4qfs

8 Video de estudio de Pollock-Krasner
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/exhibitions.php

9 The Springs Farm, en East Hampton, Nueva York - Pollock-Krasner Studio
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/housestudio.php

10 Obras de Mark Rothko
www.youtu.be/CtCCCK9QWY8

11 169 obras the Willem de Kooning
www.youtu.be/JlmwV6rNQZQ

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Referencias:

  1. BAYER, Raymond. História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
  2. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
  3. EAGLETON, Terry. A Idéia de Cultura. São Paulo: Editora UNESP, 2005.
  4. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
  5. Glancey, Jonathan. La Historia de la Arquitectura. São Paulo: Loyola, 2001.
  6. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  7. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
  8. KANDINSKY, Wassily. O Futuro da Pintura. Lisboa, Portugal: Edições 70, 1970.
  9. KANDINSKY, Wassily. Olhar sobre o Passado. São Paulo: Ed. Martins Fontes, 1991.
  10. KANT, Immanuel. El Bello y lo Sublime. Pôrto:Librería Education Ltd. 1942.
  11. PLATÃO, Crátilo. 2a. edição. Lisboa: Livraria Sá da Costa, 1994, Tradução de Pe. Dias Palmeira.
  12. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.
  13. WILDE, Oscar. La decadencia de la mentira. Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda, 1994.

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Las figuras:

Fig. 1 - Museo Guggenheim, Nova York, Estados Unidos, fotos de Eric – www.VisiteNovaYork.com.br.

Fig. 2 -Sin título, c.1976, Louise Nevelson, construcción de madera pintada, 94 x 36 x 16 3/4 pulgadas, 238,8 x 91,4 x 42,5 cm. Cortesia de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, Nueva York, EUA.

Fig. 3 -Sin título, (c). 1940, Arshile Gorki, aceite en placa compuesta, 24 x 11 1/4 pulgadas, 61 x 28,6 cm, firmado. Cortesia de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, Nueva York, EUA.

Fig. 4 -Sin título, (c). 1952-1956, Jackson Pollock, tinta sobre papel, 17 1/2 x 22 1/4 pulgadas, 44,5 x 56,5 cm. Cortesia de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, Nueva York, EUA.

Fig. 5 - Jeroglíficos Nº2, 1969, Lee Krasner, Guache sobre papel Howell, 17 x 13 1/2 pulgadas, 43,2 x 34,3 cm, firmado. Cortesia de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, Nueva York, EUA.

Fig. 6 - composición, 1941-42, Mark Rothko, óleo sobre lienzo, 28 1/2 x 24 1/2 pulgadas, 72,4 x 62,2 cm, firmado. Cortesia de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, Nueva York, EUA.

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