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Arte Moderno - Abstracción por Rosangela Vig

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Rosângela Vig es Artista Visual y Profesora de Historia del Arte.

Alumbramento
Vi los cielos! Vi los cielos!

Ah esta blancura angelical
No hay pejos triste y sin velos!

Ni una nube de amargura
Viene el alma unsettle.
Y me siento hermosa… y sentir la pura…

Eu no vi! Eu no vi!
Oh, cristalización de la niebla
A amortalhar, parpadear!
(BANDERA, 2008, p.51)

Tal vez cuando el artista cierra la mirada del arte penetra en lo más profundo de su alma. Fue entonces cuando su mente se distrae. A continuación, desencadena un enfrentamiento entre el mundo real, la de desalientos, melancolía y áspera; y el mundo de comprazimento y el éxtasis que sólo el sueño es conocida. Arte puro tal vez entonces que nace, articulaciones libres de la vida real y el tiempo y las tormentas que insisten laico en nuestras almas. Sólo el arte puro conduce el espíritu en un frenesí, un acantilado de emociones o un aumento de impresiones que a menudo se oculta en el alma. El artista es el que descubre el camino para estas paradas secretas. El espíritu libre flota por estos rebajes y se deleita en las emociones y la alegría. Quizás este sea el papel más importante de la Arte.

Esta pureza de ideas puede ser en la forma o el color; bajo representaciones realistas, surrealistas o abstractos y presenta la realidad bajo la mirada del artista. El arte abstracto pasa a través de estos caminos, allá de lo real, a la realidad de los ojos del alma y de los significados intrínsecos. Esta forma de expresión desrealiza del mundo conocido; flota libremente en los campos de la forma y el color, cómo tocar las notas de una canción; como si fuera a estar en una pantalla de la madrugada las formas y colores en estado puro. Ali surgen matices, se mezclan, desvanecerse como los pétalos de las flores que florecen, una broma infinita e interesante.

Dentro del contexto del arte moderno, a principios del siglo XX del arte abstracto tomó forma y continuó hasta la actualidad, como un estilo revolucionario y transformador. Antes de la Primera Guerra Mundial, los albores de la abstracción en varios países, como una forma de explorar todo el potencial del color y la forma, de la realidad.

episodios históricos importantes marcaron la primera mitad del siglo XX. Europa vio el nacimiento de la Unión Soviética comunista; el mundo sufría de la Primera y Segunda Guerra Mundial; el desplome de la Bolsa de Nueva York, en 1929, Se llevó a la Gran Depresión. Entre los cambios del período, la sociedad europea ha llegado a depender en gran escala con las mujeres en el mercado laboral, para sustituir a los hombres que fueron llamados a la guerra. El sistema de la familia durante tantos años era difícil y modificado, incluso después de la guerra, las mujeres continuaron trabajando. El Arte Se ha adaptado a este nuevo estilo de vida y de pie en el avance de la modernidad.

Arquitectura

Nuestro tiempo requiere su propio
forma… su propia manifestación.
(Gerrit Rietveld en Glancey, 2012, p. 177)

El Strode Moderno y innovaciones introducidas en la arquitectura, para la década 30. Tras la sociedad de la época fueron los cambios más significativos debido a la búsqueda de la simplicidad, por la funcionalidad y por un destacamento de la ornamentación. La geometría y la abstracción que se aplica a la pintura llegaron a ser de gran interés en la decoración de interiores, con formas simples y líneas rectas.

Sin embargo, estos nuevos modelos arquitectónicos eran accesibles sólo para clientes ricos. las masas, incluso antes de la Segunda Guerra Mundial, Ellos tienden a ser más conservadores. Pero el hecho es que la destrucción incalculable en toda Europa, durante las guerras, Esto condujo a la necesidad de construir casas en cantidad, rápida y eficiente. Arquitectos todavía caben el desafío de construir viviendas para los trabajadores, que la calidad de la vida ofrecida, con jardines y sol.

Los nuevos conceptos de diseño y arquitectura también se han generalizado en la revista De Stijl (El estilo de), fundada en 1917, por Theo van Doesburg (1833-1931); Piet Mondrian (1872-1944); e Georges Vantongerloo (1886-1965). El objetivo de la revista era difundir una estética que se acercó a la perfección y la armonía espiritual; además de promover el uso de nuevas formas y colores primarios para el día a día los objetos.

El arquitecto y diseñador holandés Gerrit Rietveld (1888-1964), Fundador del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, Llegamos a ser parte de la revista para la que llegó a escribir 1928 y fue el primero en aplicar los principios de la revista en su estilo. Su preocupación se volvió hacia lo social, con una producción medio accesible, estandarizado, que hace uso de nuevos materiales. Un ejemplo de flexibilidad en espacios domésticos es Casa Rietveld Schröder 1 (Figuras 1 y 2), arquitecto, construido en 1924, en la ciudad de Utrecht, Holanda, de acuerdo con los conceptos de movimiento De Stijl. La construcción, icono del modernismo en la arquitectura, Recibió en 2000, estado del patrimonio de la humanidad por la UNESCO.

Puede ser que la fachada de la casa se parece inicialmente una obra de arte o una pintura de Mondrian, con sus líneas rectas, cuadrados y rectángulos superpuestos, en gris y blanco, líneas rectas de los que se asientan en negro y rojo. La mitigación de la geometría de la construcción, las plantas parecen complementar esta fusión de colores, la medida correcta. Hecho un cubo, dos pisos, a casa se destaca, entre la otra calle. Y si el exterior de la casa se asemeja a una obra de arte, Su interior no es diferente. Los colores y la geometría están presentes en todos los ambientes y es el uso notable de cada espacio y cada rincón, bastante, la medida correcta.

La obra más conocida es la de Rietveld silla Roja y Azul, la "Silla roja-azul" 2 en exhibición en el MOMA, en la ciudad de Nueva York. El objeto decorativo propone el uso de líneas rectas, líneas y colores también en los muebles. Con asiento azul y rojo hacia atrás, la silla tiene la estructura y los brazos pintados de negro vigas de madera fina. El uso racional de la vida azul y rojo en contraste con la gravedad de las líneas estructurales, que de alguna manera mejora la conexión con la modernidad y el arte.

me Viena, entre 1919 y 1933, Fueron construidos 66.000 viviendas, bajo la dirección del arquitecto Karl Ehn (1884-1959). Muchas de estas casas eran pequeños, construida en los suburbios con jardín, traído el modelo de Inglaterra. Con propuestas más audaces, ciudades holandesas de Amsterdam y Rotterdam también se unieron a los programas de vivienda de masas.

En el campo de la arquitectura todavía es importante recordar el concepto de simplificación y algunos detalles, das obras de Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969); la preocupación por la luz de Le Corbusier (1887-1965); o la funcionalidad de la obra de Walter Gropius (1883-1969), fundador de la Bauhaus 3 y pionero de la arquitectura moderna.

La disimilitud exterior más grande se convierte en la mayor similitud dentro de.
(KANDINSKY, 1991, p. 125)

Escultura

gran libertad, ilimitada en los ojos de algunos, que nos permite oír la voz del espíritu, vemos manifiesta en las cosas con una fuerza particular, que utilizará gradualmente, y ya utiliza todos los dominios espirituales como sus instrumentos (…).
(KANDINSKY, p. 125, 1991)

La eliminación de realismo fue la marca clave de resumen estética. En el campo de la escultura, ilimitado y la libertad también se asociaron con líneas simples, racionalismo, las formas orgánicas y el uso de diferentes materiales.

Estaban entre los grandes nombres de la época, los escultores Constantin Brancusi (1876-1957), Henry Moore (1898-1986) e Jorge Oteiza 4 (1908-2003).

Con obras en varios países, Británico Henry Moore obras producidas en grandes y llegó a ser influenciados por diversos aspectos del arte moderno, A principios del siglo XX y Constantin Brancusi. Moore's Abstract recibió avances realistas, modificada por distorsiones, como si las imágenes eran orgánicos, abierto, con los movimientos, gestos y ondulaciones. La ligereza de su trabajo proviene de la inspiración en las formas de la naturaleza y el cuidado de la adaptación a los entornos en los que formaban parte. Su estilo estaba impreso en sus figuras reclinables. 5, conocido por la forma en que el artista esbozó el cuerpo, sin ellos detalles de impresión. Las obras parecen silencio, con gestos lentos, que se apoye en cualquier superficie imaginaria.

Autodidacta, Jorge Oteiza (1908-2003) se inició en la escultura, bajo la influencia del expresionismo, pero su estilo adquirió redadas abstractas en los años 50, después del contacto con la obra de Henry Moore. La inspiración de los pintores abstractos llevó a la idea de Oteiza formas geométricas vacías. Su serie "cajas vacías" surgió en este contexto, entre los años 1957 y 1958. Entre los premios del artista, uno era en Sao Paulo Bienal, en 1957. Mantener la precisión del volumen, el artista esbozó las formas conocidas, reduciéndolos a sus líneas externas, como si fueran hueco.

La popularidad de ESCULTURES y distribuidores de vino con la ocupación de los espacios públicos, tales como parques y aceras, como elemento decorativo similar a lo que ocurrió en el Renacimiento.

Pittura

Azul, la rosa azul, se levantó y cayó.
El sostenido, o hasta que sibilou y Fes-si intruso, pero no perforado.
Resonaban en cada rincón y grieta en lo.
El marrón grueso fue suspendido, al parecer para todos eternidad
Al parecer. Al parecer.
(KANDINSKY, 1991, p. 163)

No hay nada más embriagador que el momento en que se genera la obra. Este entusiasmo se nota en la cita Kandinsky (1866-1944) y muestra que, además de la pintura, el artista era también experto con palabras. Sus obras revelan una fuerte conexión con la música, de donde viene gran parte de su inspiración. Para los colores de Kandinsky y el movimiento de una obra está vinculada a la música. melodía que mirar hecho, sus pinturas se distanciaron de lo figurativo como lo demuestra la consistencia y madurez artística. Y el campo de la abstracción era donde Kandinsky Arte-Música instaló.

La idea de la realidad distanciamiento que estaba siendo experimentado por los artistas desde finales del siglo XIX, con el fauvismo y el expresionismo, Se consolidó con Cubismo, que abrió las puertas al arte abstracto. La pintura llegó a ser una representación subjetiva de la idea de que el artista tenía de las cosas y el mundo. Las primeras obras surgieron de 1910 y, para este día, el arte abstracto desafía la mirada, a su vez hacia adentro y al campo de sensaciones.

Todavía bajo la influencia del expresionismo, en las primeras décadas del siglo XX, surgió en Alemania movimientos importantes que culminaron en el arte abstracto. Incluyendo el puente (el puente), en 1905; y El Caballero Azul (Der Blaue Reiter) en 1911, que era parte Wassily Kandinsky (1866-1944), juntamente com Alexej von Jawlensky (1864-1941, Franz Marc (1880-1916), August Macke (1887-1914), Paul Klee (1879-1940), e Marianne De Werefkin (1860-1938). Bajo la influencia del expresionismo y el grupo El jinete azul, nació el deseo de un arte que se acercó campo alma y sensaciones del artista. La abstracción lírica o informal luego se echó, influenciado por el expresionismo, por el fauvismo y tener Kandinsky como su más representativo. fuerte inspiración en el rigor matemático y la racionalidad del cubismo y el futurismo, También se forma un segundo grupo, o Abstracionismo Geométrico. Siguiendo el pensamiento racional, el grupo ramificado a cabo en todo el mundo en varios aspectos, incluyendo el suprematismo con el ruso Kazimir Malevich (1879-1935); o Neoplasticismo, Revista conectado a De Stijl, como Piet Mondrian (1872-1944) e Theo van Doesburg (1833-1931), en los Países Bajos; constructivismo, También en Rusia; o Concretismo, con el suizo Max Bill (1908-1994); y Neoconcretismo, en Brasil, con Hélio Oiticica (1937-1980) y Lygia Clark (1920-1988).

No es difícil para conectarse a Kandinsky de la Música. En la figura 5, Se puede percibir el sonido de las notas musicales de su colorido orquesta, el centro de una etapa imaginaria. Iluminada por focos, las líneas negras cruzan el espacio, curl en círculos coloreados, translúcidos, que también transposición. La escena parece delicada cuestión ruidos, cada movimiento. Es comprensible que su arte se acercan a un contenido más internalizada, frente al espíritu, a una comprensión más profunda.

Con una paleta de colores más pequeños, la tarjeta para la exposición de la Bauhaus (Fig. 6) También se presenta con líneas rectas en lugar de círculos de colores. De sus articulaciones, emerger nuevas formas llenas o vacías, cada uno se yuxtapone a la otra. En su complacencia, la imagen viene a la vida y sonidos que emanan de las campanas están alineados con el tiempo y el movimiento.

Los tonos verdes de la naturaleza se disputan el espacio en la ciudad de Paul Klee (Fig. 10). Se puede reconocer ramas y copas de los árboles en medio de la urbana, como si los campos de color estaban en un intento vigoroso para extender sus brazos. Sus formas no definidas parecen comprimir sobre el fondo blanco.

Aún más lejos de la realidad del campo, el movimiento de Suprematist exploró las formas geométricas puras, como fue el trabajo de Malevich 6. La lógica en su trabajo consistía en disponer círculos, triángulos, cuadrados y rectángulos en vivo, sobre fondos blancos. A veces superposición, a veces alojados rompecabezas hecho, las formas encajan entre sí de manera coherente en el espacio vacío, adaptarse a él.

Es probable que el alma del artista penetra cada obra y viajes, fingiendo no estar allí. Taciturno y compenetrado, se ajusta a usted personalmente imágenes, sepultura silenciosa. El único sonido que se escucha es el sonido de las formas en contacto con colores.

Consideraciones finales

La libertad se expresa en el espíritu del esfuerzo para liberarse de las formas que ya han cumplido su papel - las viejas formas - y para crear a partir de ellas, nuevas formas, infinitos.
(KANDINSKY, p. 121, 1991)

En el suelo fértil de la pantalla del amanecer, se permite la autonomía del artista para actuar y para que ella tiene lo que era más pura, Arte en el campo. Allí trabajó con los colores y las formas de manera emancipado, madura e inteligente, como nunca antes. La creatividad ha ido en el espacio disponible, permitido hablar por sí misma, volver a montar lo que era más bella de espíritu. El intenso entusiasmo desencadenado en ese momento permitió que el arte adquirió sus propias características. Kandinsky a la "mayor disimilitud externa se convierte en la mayor semejanza interior" (p. 125, 1991).

El resultado de tal libertad, tales búsqueda interior es la exploración de nuevos campos, Es el tráfico de direcciones indefinidas, y, especialmente viajar donde sólo el espíritu determinar, entre los colores que nacen y desvanecimiento; emergentes y faceiras derrame, ahora en retirada, ya sea avanzando, un divertido juego que nunca termina. Debe ser pura de arte; Debe ser puro e iluminado el alma de las explotaciones; y debe estar libre de sabor.

Tratar sucede cuando el objetivo se convierte en espacio de pantalla invitando e insinuando. Ahí es donde el arte habla por sí solo, Se destaca de la realidad inhumana y transita nuevas direcciones. Es posible que en este momento es desencadenar las mismas emociones que el artista sentía el intenso entusiasmo por su creación. Disfrutar de la obra se impregna, ver a su mundo interior que no se imprimió, Siente que huele, disfrutar de su sabor y escuchar sus sonidos haciendo eco.

En el escenario, crepúsculo azul oscuro, a blanquecino principio, después de un intenso azul oscuro. Al poco tiempo, uno comienza a ver en medio de la etapa, una pequeña luz, que se hace más viva cuando el azul oscuro. Al poco tiempo, orquesta de música. pausa.

Detrás de la etapa comienza a escuchar un coro dispuesto de manera que no puede localizar el lugar en el que la esquina tiene. Escuchar las voces de principalmente bajo. El canto es regular, disruptiva indicado por puntos.
(KANDINSKY, p. 145, 1991)

1 Video del exterior y el interior de la Casa Rietveld Schroder:
www.youtube.com/watch?v = r0tvx6rA1os

2 videos de youtube de la silla de Rietveld:
www.youtube.com/watch?v = VocMPhETkdM
www.youtube.com/watch?v = GsyaaG_95bg

3 Enlace en la Bauhaus, Visita la UNESCO, por Yaromir:
visitunescobyyaromir.blogspot.com/2016/06/bauhaus.html

4 Jorge Museo Oteiza:
www.museooteiza.org/

vídeo de Jorge Oteiza:
www.youtube.com/watch?v = vjhgJOJfDYg

5 figura reclinada, Henry Moore, No Museo Tate:
www.tate.org.uk/art/research-publications/henry-moore/henry-moore-om-ch-reclining-figure-r1172012

6 Malevich video sobre la Real Academia de las Artes:
www.youtube.com/watch?v = e3YS6uZ87Ec

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Referencias:

  1. BANDERA, Manuel. Bandera de bolsillo, Una antología poética. Porto Alegre: L&PM Pocket, 2008.
  2. BAYER, Raymond. História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
  3. Bystrina, Ivan. Semiótica de la Cultura Temas, Aulas Yvan Bystrina. PUC - SP,CISC (Centro de Investigación Interdisciplinaria en Semiótica de la Cultura y Medios de Comunicación). São Paulo: PRE-PRINT. La traducción Norval Baitello junior y Sonia B.Castino, 1995.
  4. CALVINO, Italo. Por que ler os clássicos. 2a. edición. São Paulo: Companhia das Letras, 1993. Tradução Nilson Moulin.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
  6. EAGLETON, Terry. A Idéia de Cultura. São Paulo: Editora UNESP, 2005.
  7. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
  8. GASSET, José Ortega y. El arte de la humanización. 5 a. Edição. São Paulo: Ed. Cortez, 2005.
  9. Glancey, Jonathan. La Historia de la Arquitectura. São Paulo: Loyola, 2012.
  10. GOLDING, Juan. Conceptos del arte moderno. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Editor, 1991.
  11. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  12. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
  13. KANDINSKY, Wassily. Olhar sobre o Passado. São Paulo: Librería Martins Fontes Editora Ltda. 1991.
  14. KANT, Immanuel. El Bello y lo Sublime. Pôrto: Librería Education Ltd. 1942.
  15. MEIRELES, Cecília. Espectros de. São Paulo: Global Publisher, 2013.
  16. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.

Las figuras:

Fig. 1 – Casa Rietveld Shroder, Yaro Mir, Visita la UNESCO por Yaromir.

Fig. 2 – Casa Rietveld Shroder, Yaro Mir, Visita la UNESCO por Yaromir.

Fig. 3 – Casa Rietveld Schröder, @holandesando, Sitioweb: holandesando.com/casa-rietveld-schroder/.

Fig. 4 - Vasily Kandinsky, Pequeña pintura con amarillo (improvisación), 1914, óleo sobre lienzo, 31 x 39 5/8 pulgadas (78.7 x 100.6 cm) enmarcado: 32 3/4 x 41 1/2 x 2 1/2 pulgadas (83.2 x 105.4 x 6.4 cm). Philadelphia Museum of Art, El Louise y Walter Arensberg Colección, 1950-134-103.

Fig. 5 - Vasily Kandinsky, Círculos en un círculo, 1923, óleo sobre lienzo, 38 7/8 x 37 5/8 pulgadas (98.7 x 95.6 cm) enmarcado: 44 1/4 × 43 1/8 × 2 3/4 pulgadas (112.4 × 109.5 × 7 cm). Philadelphia Museum of Art, El Louise y Walter Arensberg Colección, 1950-134-104.

Fig. 6 - Vasily Kandinsky, la siguiente referencia: 3, La exposición a la Bauhaus, Weimar, Julio-Septiembre 1923, litografía de color, Imagen: 5 3/8 x 3 3/4 pulgadas (13.7 x 9.5 cm) hoja: 5 15/16 x 4 1/4 pulgadas (15.1 x 10.8 cm). Philadelphia Museum of Art, Presente de Carl Zigrosser, 1974-179-100.

Fig. 7 - Paul Klee, Composición con las Figuras, 1915, Y la pluma acuarela y tinta sobre papel montado sobre cartón, hoja: 10.16 × 12.7 cm (4 × 5 en.) montar: 10.8 × 13.02 cm (4 1/4 × 5 1/8 en.). National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 8 - Paul Klee, Ludwigstrasse, 1912, Pluma y tinta de color negro con lavado en el papel crema, colocado en cartón, General: 9.9 x 19 cm (3 7/8 x 7 1/2 en.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Benjamin y Lillian Hertzberg.

Fig. 9 - Paul Klee, ruiseñores persas, 1917, Gouache, acuarela, pluma y tinta de color negro sobre el grafito en el papel, montado sobre cartón; hoja de bordado en la parte superior con la tira de papel amarillo montado para apoyar, General: 22.8 x 18.1 cm (9 x 7 1/8 en.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Catherine Gamble Curran y Familia, en honor del 50 aniversario de la Galería Nacional de Arte.

Fig. 10 - Paul Klee, Arquitectura árbol – Ritmos, 1920, Óleo sobre papel, General: 27.9 x 38.3 cm (11 x 15 1/16 en.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Benjamin y Lillian Hertzberg.

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