Arte contemporáneo, Pop Art de Rosangela Vig

También se puede escuchar este artículo en su propia voz artista Rosangela Vig:

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Rosângela Vig es Artista Visual y Profesora de Historia del Arte.

yo tenia asi, en el correr de la vida, muchos contactos con mucha gente seria. viví mucho entre la gente grande. los vi muy cerca. no mejoró, de algún modo, mi vieja opinion.
Cuando encontré uno que parecía un poco lúcido, La usé para experimentar mi dibujo número uno., que siempre he guardado conmigo. Me preguntaba si ella realmente entendía. Pero yo siempre respondía "es un sombrero". Así que ni siquiera te hablé de las boa constrictoras, ni de bosques vírgenes, ni siquiera estrellas. Ponme a tu alcance. le hablé del puente, de golf, de política, de lazos. Y la gran persona estaba encantada de conocer a un hombre tan razonable.. (SAINT-EXUPÉRY, 1977, p.11)

El Principito lleva mucho tiempo inspirando y saca a relucir esa sencillez infantil que el agitado mundo de hoy ha olvidado.. A menudo ni siquiera notamos a las personas., amigos o incluso prestar atención a nuestras propias emociones, en medio del ajetreo diario. a humano, necesitamos detenernos a observar esta sencillez y despertar al lado sensible, que nos conduce al bienestar y a una sensación de plenitud. Y de la Arte es una buena manera de desarrollar la conciencia en este sentido.

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Disfrutar del Arte es ver la obra como un niño, mente abierta, libre, sacando grandes emociones de ella, los que tocan el alma, que deambulan por las sensaciones. Quizás entonces la inteligencia pueda deambular por el mismo campo donde el artista sembró sus ideas.. Quizás los hombres contemporáneos hayan perdido ese tenue hilo que une la vida real y los juicios más divinos e inspiradores.. Quizás la humanidad aún redescubra este verdadero camino y vea menos los números y más la Bello que rodea al mundo y las manifestaciones artísticas. Jugar con la sensibilidad de forma ligera es una forma de levantar el ánimo para las buenas impresiones. ¿Es ese el juego de arte.

Y las demostraciones de arte nunca se han acercado a este juego., como en años 1950, cuando la vida cotidiana comenzó a ser vista como un juego y a integrar los movimientos de una manera alegre y relajada. Toda la tecnología de la época, el viaje a la luna, la publicidad, en Cultura de Massa, el Cine y sus celebridades y el American way of life fueron vistos con la atenta mirada del artista, Como una broma, juego. Luego vino el arte pop., con colores vibrantes y diseños simplificados. El arte volvió a ser figurativo, pero de una manera inusual. Al mismo tiempo que los símbolos del consumismo comenzaron a ser objeto de burlas y críticas, los artistas rompieron la barrera entre lo erudito y lo popular, llevando el Arte a una categoría innovadora y única.

Arte pop

El término Pop Art comenzó en 1952, viene del inglés y significa arte popular, porque la base era la Cultura de Masas, pero de ninguna manera este estilo se caracterizó como popular. El nombre fue creado por el crítico de arte. Lawrence Alloway (1926-1990), en Londres, durante un encuentro de artistas, el Grupo Independiente (Grupo Independiente), en Instituto de Arte Contemporáneo (ICA), Instituto de Arte Contemporáneo. Los artistas solían realizar debates sobre el efecto de los avances de la Ciencia y la Tecnología en el Arte, y fue en uno de estos encuentros cuando los integrantes despertaron el interés por la cultura de masas.. Compuesto por ricardo hamilton (1922-2011), Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005) y pedro blake (1932-), el grupo inició un estilo que perduró hasta el 1960 y alcanzó su punto máximo en Nueva York, también viene a Brasil. En los Estados Unidos, destacó los nombres de Andy Warhol (1928-1987); Roy Lichtenstein (1923-1997); Claes Oldemburgo (1929-2022); James Rosenquist (1933-2017); tom wesselmann (1931-2004); Wayne Thiebaud (1920-2021); y jaspe johns (1930). En Brasil, los artistas se dieron a conocer Antonio Dias (1944-2018); Rubens Gerchman (1942-2008); y Claudio Tozzi (1944).

Influir en los diseños relacionados con la moda y el mundo del diseño., El arte pop se inspiró en gran medida en los cómics., siempre que se utilice serigrafía y reproducciones seriadas del mismo tema. El Pop Art se alimenta de la industria cultural, mientras ironizaba el consumismo exacerbado de la época y el capitalismo.

Repleto de envases seductores, los supermercados eran un tema común del Pop Art, llevar obras como las de Andy Warhol a galerías y museos. La sopa enlatada Campbell's fue la inspiración para esta serie del artista., de 1962, que alcanzó un total de 32 telas (Fig. 1)1, cada uno por un sabor de la comida ampliamente consumida en ese momento. Aunque Campbell llegó a enviar a un abogado para impugnar el uso de la marca, la empresa acabó aceptando y apoyando al artista, asociarse e incluso patrocinar una exposición de las obras de Andy Warhol en el Museo Metropolitano de Arte. La repetición de la imagen remite a la idea de una estantería de supermercado organizada, con varias latas de diferentes sabores. En honor al vigésimo aniversario de la muerte de Andy Warhol, la entrada de la Real Academia Escocesa (Real Academia Escocesa) fue decorado con imágenes de la conocida obra de Warhol (Fig. 4). En 1976 a obra Skulls (calaveras) (Fig. 2) siguió la idea de la producción en masa y el artista utilizó la técnica de la serigrafía para realizar seis lienzos con el mismo diseño, cada uno con colores diferentes y vibrantes. El mismo principio de color se utilizó en otras obras como Marilyn. (Fig. 3), en la que la famosa estrella de cine aparece en pantalla con una sensual sonrisa y maquillaje a puro color. La serie de imágenes de los artistas del cine resaltó la frivolidad de estos famosos.

Roy Lichtenstein2 parece haber dado un paseo por los coloridos quioscos. La colección del artista incluye personajes de cómic en momentos insólitos o en el clímax de sus narraciones. La acción y el dinamismo están presentes en sus obras., como si el tiempo se detuviera para conservar solo un segundo. En la figura 6, la imagen de un avión cayendo se narra en dos secuencias, cuando el pico del movimiento repentino se intensifica y la confirmación de la caída es confirmada por la onomatopeya, título de la obra. El color amarillo y rojo intensifican el fuego por la caída. En la figura aparece el beso de una pareja claramente apasionada 7. Ella, entre lagrimas y el con los ojos cerrados recuerdan juntos no solo los comics, pero también las grandes narrativas del cine, tema constante del arte pop.

Arte Pop en Brasil

En Brasil, la estética del Pop Art adquirió un tono político y se centró en la crítica al sistema de la época.. El artista y arquitecto Claudio Tozzi se adhirió a este modelo hasta 1969 cuando pasó de la crítica social a la investigación de las formas. Tal pensamiento lo llevó a producir su serie Astronautas., Abrazaderas y Tornillos. En la figura 10, el protagonista es el Astronauta visto de frente y de espaldas, en dos imagenes, un díptico, Inspirado en el aterrizaje del hombre en la luna, lo que ocurrió en 1969. El artista trabajó con el uso del blanco y negro., con líneas nítidas para los contornos, ¿Qué te recuerda a los héroes de los cómics?. Rico en detalles, tu personaje tiene expresión y parece cobrar vida bajo su túnica. El monocromo permitió que los detalles se destacaran a la vista y se destacaran con efectos de luz y sombra, lo que acerca la obra a la idea de realidad.

Desde 1970 el artista desarrolló una investigación con el color y como resultado de esta etapa, destaca el panel Zebra (Fig. 12), de 1972, que trajo arte y color al centro de São Paulo, en la Plaza de la República. El animal monocromático contrasta con el azul del cielo y el marrón de la tierra batida, por donde caminas. La imagen del arte de Claudio Tozzi, en medio de los edificios entristecidos es como un soplo de aire fresco, de una ciudad que no quiere parar. Es como si la visión descansara un rato, olvidando el cielo nublado, el alboroto de los coches y los pasos. Quizás esta sea la mejor razón para que el Arte exista..

hizo un juego, el ojo recorre las obras en busca de un respiro, de un vigor para retomar la carrera de nuevo.

Fin de tarde.
en el cielo plomizo
la luna opaca
muy cosmograficamente
Satélite.

desmetaforizado,
desmitificado,
Despojado del viejo secreto de la melancolía,
No es ahora el golfo de los cismas,
La estrella de los locos y los enamorados,
pero sólo
Satélite.
(BANDERA, 2008, p.136)

Consideraciones finales

El objeto del impulso lúdico, representado en un esquema general, se puede llamar en vivo, un concepto que sirve para designar todas las cualidades estéticas de los fenómenos, todo lo que en definitiva entendemos en el sentido más amplio por belleza. (…) Sólo cuando su forma vive en nuestra sensibilidad y su vida toma forma en nuestro entendimiento, el hombre es una forma viva., y así será siempre cuando juzguemos lo bello. (SCHILLER, 2002, páginas 77 y 78)

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Inspirado en la iluminación, el pensamiento del gran filósofo alemán sugiere que el ideal de belleza está ligado a un impulso lúdico. El arte encaja en este contexto., jugando con la sensibilidad a través de la juego de colores y de maneras, estimulando el impulso sensitivo.

El Arte Contemporáneo rompió definitivamente con las vanguardias del Arte Moderno. Tal ruptura que comenzó en los años 50 se mantuvo al día con las nuevas tecnologías que estaban dando grandes pasos. la carrera espacial, la ciencia, el Cine, la televisión, la forma de vida y el consumismo inspiraron a los artistas para delinear un nuevo campo de visión, abriendo los brazos del Arte a nuevas dimensiones. La estética adquirió este tono lúdico, asumiendo las formas de la realidad en curso, pero aún dejando claro, por parte dos artistas, la crítica al consumismo de masas y al capitalismo fomentada por la publicidad. Las obras transitaron de la Cultura de Masas a la Cultura Erudita utilizando símbolos cotidianos. Al mismo tiempo, como en un juego, las obras estimularon la vista y permitieron que la simbología de una época se extendiera a través de la Cultura. A continuación, se compartieron nuevas perspectivas y nuevos puntos de vista a través del juego de colores y formas., tomando el ojo para deleitar.

En el llano los bailarines
Vete como peregrinos
En la mansión de albergues grises
Por pueblos sin iglesia
Y los niños van por delante
Los otros siguen indolentes
Los árboles se conforman
cuando de lejos saludan
Tienen pesos redondos cuadrados
tambores de arco dorado
Oso o mono no salvaje
Pide dinero en tu billete.
(APOLLINAIRE, 2005, pág.63)

Oh París, míranos bebidas vivas
Las ciudades varoniles donde gritan y cantan
Los santos metálicos de nuestras santas fábricas
Nuestras chimeneas impregnan nubes negras
Como lo hizo una vez el mecánico Ixion
y nuestras innumerables manos
plantas de fabricación fábricas manos
Donde a los trabajadores desnudos les gustan los dedos
Fabrican lo real a tanto por hora
te damos todo eso.
(APOLLINAIRE, 2005, p.112)

1 Vídeo de la obra Latas de Sopa Campbells, de Andy Warhol:
youtu.be/HqvELc2FSfE

2 Fundación Roy Lichtenstein:
fundaciónlichtenstein.org

Referencias:

  1. ANDRADE, Mário. poemas completos. São Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
  2. BANDERA, Manuel. Bandera de bolsillo. Porto Alegre: L&PM Pocket, 2008.
  3. BAYER, Raimundo.História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
  4. BILAC, Olav.Antología poética.Porto Alegre: Ed. L & PM Pocket, 2007.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
  6. FARTHING, Esteban.Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
  7. GASSET, José Ortega y.El arte de la humanización. 5 a. Edição. São Paulo: Ed.Cortez, 2005.
  8. GOMBRICH, EHA História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  9. GUILLAUME, Apollinaire. Alcoholes y otros poemas. São Paulo: Editorial Martin Claret, 2005.
  10. HAUSER, Arnoldo.História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
  11. MOISÉS, Massaud. Literatura brasileña a través de textos. São Paulo: Editora Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
  12. MATHEW, Vinícius. Antologia Poética. São Paulo: Companhia das Letras, 2009.
  13. NIETO, João Cabral de Melo. Museo de todo. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
  14. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.
  15. SAINT-EXUPÉRY, Antoine de. El Principito. Rio de Janeiro: Editorial la ley, 1977. SCHILLER, Friedrich. La educación estética del hombre. São Paulo: Miniaturas de editor, 2002.

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ROSÂNGELA VIG
Sorocaba  São Paulo
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