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Feige. 13 - Edward Munch: Vampiro II, 1895-1902, Lithographie, 380-387 x 550-560 mm. Munch Museum, Oslo. Foto © Munch-Museum.
Feige. 13 - Edward Munch: Vampiro II, 1895-1902, Lithographie, 380-387 x 550-560 mm. Munch Museum, Oslo. Foto © Munch-Museum.

Erste Spuren der modernen Kunst - Symbolismus von Rosangela Vig

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Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig ist Rosângela Bildender Künstler und Lehrer Kunstgeschichte.

Wenn Ismalia mad,
Er legte den Turm bis zu träumen…
Wir sahen einen Mond am Himmel,
Wir sahen einen weiteren Mond im Meer.

Im Traum, das verloren war,
Alle in Mondlicht getaucht…
Ich wollte in den Himmel aufzusteigen,
Ich wollte auf das Meer gehen…

UND, in seinem Wahnsinn,
Der Turm begann zu singen…
War in der Nähe zum Himmel,
Es war weit weg vom Meer…

Und wie ein Engel hing
Flügel zum Fliegen…
Ich wollte den Mond vom Himmel,
Ich wollte den Mond Meer…

Die Flügel, die ihm Gott gegeben hat
Paar Ruflaram paar…
Seine Seele aufgefahren in den Himmel,
Sein Körper fiel über Bord…
(Alphonsus de Guimaraens mit MOSES, 2000, pp.331-332)

Ismalia ist eines der schönsten Gedichte von Alphonsus de Guimaraens (1870-1921), der große Dichter der brasilianischen Symbolismus. Der Text beinhaltet Emotionen und nähert sich die Sinne. Die Bilder sind Traum, Tod ist das Thema und Sprache, sehr nah an der Musik, es ist fließend, mit Alliterationen gefüllt. Na Literatura, Symbolismus entstand im späten neunzehnten Jahrhundert, Frankreich, ideal inspiriert Romantik; im Gegensatz zu Realismus und Naturalismus und die Stimmungen gebracht. Zu den wichtigsten Namen, Stéphane Mallarmé ist der Französisch Dichter (1841-1898); und auch Charles Baudelaire (1821-1867) dass, obwohl es nicht mehr am Leben war, als Symbolismus in Frankreich konsolidierte, Es wurde als Pre-symbolistische und vor allem Bewegung gesetzt.

So war es in der Literatur, so war es in der Kunst. Der Stil hat sich die künstlerischen Manifestationen durchdrungen, zwischen 1880 und 1910, mehr Reize und Geschichten für Kunst zu bringen. In diesem Feld, die Phantasie des Architekten lief jenseits des Sichtbaren, Er sondiert das Unterbewusstsein und die Traumwelt, die Arbeit Thema Traumdeutung, de Sigmund Freud (1856-1939), der Schöpfer der Psychoanalyse. Das Buch, veröffentlicht in 1899, Er löste Interesse in ganz Europa und hallte in der Kunst.

A Jugendstil, die brachte mehr Schönheit zu Architektur und Design, irgendwie auch als Inspiration für die Symbolisten serviert, obwohl sie für den Wohlstand und Fülle entgegengesetzt waren, dass der neue Stil vorgeschlagen.

Architektur und Design

Jugendstil

Wir wollen ohne Dampf reisen und ohne Segel!
Haben die Langeweile Gefängnis zu bezwingen
Für unsere Seele Pass, steif als Bildschirm,
Liebe Horizonte, unsere Erinnerungen.
(BAUDELAIRE, S.151, 2006)

Die Richtigkeit der obigen Worte kann mit Recht ein Herz Künstler entwirren. Es ist durchaus möglich, dass das kreative Genie Trüben navigieren, freistehend, lose, Kreuzung unbekannte Richtungen. Und die Staat Seele des Arbeiters in Angriff genommen auf diesen Strecken unruhig, mehr Reize auf die endgültige Architektur des neunzehnten Jahrhunderts zu bringen. Es zeigte sich,, zum Zeitpunkt, ein Bruch mit der Vergangenheit und ein Erwachen an den neuen. Der Trend, dass die frische Luft gebracht näherte die Welt der Träume und Verzauberung. Frankreich sah die Geburt Jugendstil, Stil, der für andere europäische Länder schließlich gefolgt, in der Tat aus 1880 und 1920. O Exotismus Nouveau Er modernisierte das Design und förderte ein Aufblühen der dekorativen Kunst und Architektur. Der Stil begleitet Moderne, Industrialisierung und das Wachstum der Bourgeoisie, Herstellung Verwendung von Materialien wie beispielsweise Eisen, Glas und Zement. Wie, als Inspirationsquelle gedient, die Natur, Blumen und Tiere.

Im Gegensatz zu bisher nichts gesehen worden, der neue Stil, weitgehend, Sie hatte ihren Ursprung in der Graphic Arts. Aber wir müssen auch den Einfluss der Kunst und der japanischen Objekte erinnern; und die Linien der englischen Bewegung Kunst und Handwerk de William Morris 1 (1834-1896).

Ein Meilenstein für die Jugendstil die Öffnung war, in 1895, Geschäft House of Art Nouveau (House of Art Nouveau), die Sammler und Kunsthändler, Siegfried Bing (1838-1905). Das Bing Haus-Projekt wurde auf der Weltausstellung vorgestellt 1889. Der Laden hatte sein Inneres von dem Architekten Henry van de Velde entworfen (1863-1957). Unter den raffinierten Umgebungen, berühmter Designer, es waren Gemälde und Poster von bedeutenden Künstlern wie Toulouse-Lautrec (1864-1901), Paul Signac (1863-1935) e Edvard Munch (1863-1944); Gewebe entworfen von William Morris; neben Louis Comfort Tiffany-Objekte (1848-1933), Künstler und Designer für seine Arbeit mit Glasmalerei bekannt. Sie erhielten den Stil Nouveau Einträge für Stationen Place de La Bastille und Place de L'Etoile, gezeichnet in 1899, der große Architekt der Zeit, Hector Guimard (1867-1942).

Das Nouveau-Modell ist die Tischlampen von Louis Comfort Tiffany (Zahlen 1 und 2). Stellvertretend für eine Anlage, die Originalität der Leuchte (Feige. 1) Tiffany verwendet, um die Bronze für die Wurzel und der Stamm. Die Blütenblätter der Blüten und Blätter sind bunt hängende Kristalle. Mehr als nur dekorative, das Objekt eine Feinheit Kunst, erinnert die Farben und Stil von Morris Design, eine japanische Art. Die Pflanze ist Wasserwasserlilie, in den Gärten und auf den Bildschirmen des impressionistischen Malers Claude Monet (1840-1926).

Der große Beitrag Nouveau Er blieb für Möbel Konto. Na figura 3, der Stil der Linien scheint die Natur mitten in der Umgebung, um anzuzeigen,, die Objekte der Verwendung von Tag zu Tag. Die geschwungenen Linien in der Dekoration von Möbeln sind Zweige und Blätter sprießen, oder blühende Blumen. Die Natur integriert die Umwelt, oder die Umwelt integriert mit der Natur, durch unregelmäßige und gewundene Formen der Möbel, Das Museum Hector Guimard Umgebungen. Der letzte Eindruck ist, dass alles bewegt sich langsam.

Auf der Außenseite des Museums (Feige. 4), Decken Details, Geländer des Balkons oder Treppe zu runden führt, unregelmäßig, winklig, wie sind die Elemente der Natur selbst wächst. Es ist, als ob der Wald seine Zweige auszugießen. Das Museum Fassade (Feige. 5), Balkone und Fenster erscheinen Erweiterungen des inneren Milieus sein. Die geschwungenen Linien Hunch traurig auf dem kalten Gehsteig.

Der Stil Nouveau noch wanderte von Barcelona, Spanien, Verlassen surreal und unvergessliche Marken in bemerkenswerten Werke von Antoni Gaudí (1852-1926). Unter den verschiedenen Reifestadien der Arbeit des katalanischen Architekten, Es war eindeutig der Einfluss der Neugotik, inspiriert von Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879). Der Architekt hat auch die Schirmherrschaft der Phase des Unternehmers Eusebi Güell (1846-1918). Gaudí war unter den Künstlern, die die Reichen und kultiviert Unternehmer begrüßt und die die Schirmherrschaft und enger Freund. Gaudí auch mehrere Aufträge Guell empfangen und, diese Phase, kontaktiert die Jugendstil, die beeinflusst seine Arbeit, obwohl seine Karriere einzigartiges Merkmal erworben.

Zu den bekanntesten Werken von Gaudí sind die katholische Kirche die Heilige Familie 2, im gotischen Stil, in gestartet 1882 noch nicht fertig; Park Guell 3, eröffnet 1922, deren Hauptidee war ein Luxus-Wohn zu sein, aber schließlich wurde ein Park; milah Hause, bekannt als La Pedrera, zwischen gebaut 1905 und 1907; und nach Hause Batllo 4 (Zahlen 6 und 7) zwischen gebaut 1904 und 1906.

Als ein Werk von Gaudí dünn, im Hause organische und gewundenen Formen von Fenstern und Türen Batlló ähneln sehr die Burg Ra-Tim-Bum, Brasilianische Kinderserie. Schärfer als die Fassade des Museums Guimard, Gaudí Linien scheinen lebendig und bewegen sich langsam zu kommen, wie die Wärme der Sonne strecken. In einer Art und Weise, in Ihrer Stärke, die Wände sind zart und kann nicht gestoppt werden. Die Glasfenster und Mosaike mit einem verzauberten Wald gefärbt konsistent, durch ein Dach voller Schuppen bedeckt, nicht weniger bunt als die Wände. Die surrealen und magische Gebäude sehen große Pause von in einem Baum, Öffnen sie Risse, seine Zweige und Schwellen Leben und Farbe weg.

Skulptur

Nichts in der Kunst ist nur durch den Willen getan,
alles wird durch fügsam Unterwerfung unter das Unterbewusstsein getan.
(Odilon Redon mit TROMPETER, 2014, S.299)

die Linien Jugendstil Sie haben eine Quelle der Inspiration für Bildhauer geworden. In diesem Feld, die Wellenlinien erworben gewisse Sinnlichkeit und Bewegung. Die organische Ornamentik kommt Umgebungen führendes Licht und einen dekorativen Sinn.

Émile Antoine Bourdelle 5 (1861-1929) Er stand als die bemerkenswerteste Belle Époque und der Vorläufer des zwanzigsten Jahrhunderts Skulptur. In seinen Eigenschaften sind erkennbar Linien der Romantik und die Formen und Wasserbewegungen.

Emmanuel Villanis (1858-1914), Französisch Bildhauer, Er wurde für seine kleine Gegenstände am besten bekannt, Bronze, dass gemischt, um eine Art von Neoklassizismus zu den eleganten Linien der Jugendstil. In seinen Themen waren häufig Mythology (Zahlen 8 und 9) und floralen Elementen. Waren gemeinsame Büsten, Frauenfiguren, die Nackten und eine Neigung zur Sinnlichkeit und Erotik. Die Thais und Lucretia Skulpturen entsprechen zwei Frauen aus der römischen Antike. in beiden, die erkennbare Schönheit der Frauen mit verführerischen Look abgeschlossen. Villanis gehörte zu den produktivsten Bildhauer seiner Zeit und seine Werke wurden in viele Länder exportiert worden.

Malerei

Die Kunst ist im Wesentlichen idealistischen: die Träume mehr
tief haben die meisten persönliche Interpretation.
(Fernand Khnopff mit TROMPETER, 2014, S. 309)

Worte sind die Künstler Fernand Khnopff (1858-1921) und fassen die Hauptattribut Symbolik. Die neuen abstrakten Formen waren näher an der geistigen Wirklichkeit, entgegen Kunst Vertreter der realistischen oder. Die Themen wanderte durch die Welt der Träume und Visionen. Gegenläufige zum Impressionismus, die Symbolisten bevorzugt, den Vorschlag der Ideen, durch Symbole. In der Malerei, Es wurde Relevanz für den Weg gegeben, die Farben, die Zeilen und, insbesondere Subjektivität. Khnopff führte die Bewegung in Belgien und wurde von vielen Künstlern bewundert, einschließlich Edvard Munch (1863-1944) e Gustav Klimt (1862-1918).

Melancholie ist in der öden Landschaft der Arbeit von Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), in Abbildung 12. Das Stocken und traurig aussehende Mann ist einsam, als ob reflektieren etwas. Die Farben der Natur sind gemischt und diskrete, Sie kontrastieren mit dem Protagonisten der Szene. Rund um den Sohn, 1 Tag war unverschämt, Schweine-Feed, das bekannte Gleichnis erinnert symbolisiert Erlösung. So wie große Künstler seiner Zeit, Chavannes hat in einer Bewegung nicht passen, Er starb durch Impressionismus, von Post-Impressionismus und die Symbolik. Die Verwendung von moderaten Farben, nicht rein, Es ist auch charakteristisch für zwei seiner Werke 1863 (Zahlen 10 und 11). Sie können einen Verweis auf den Zeitraum sehen klassisch, in der form, in Perspektive und Schatten.

Der Kontakt mit dem Französisch Symbolismus, in der Halle des Rosenkreuzes, in 1892, Er nahm den Schweizer Künstler Ferdinand Hodler (1853-1918) ihren Stil zu einem metaphysischen Sinne zurückzukehren. Die Stimmungen sind in Ihrer Arbeit Nacht 6, die schockierten die Gesellschaft der Zeit. Ihr, die Darstellung des Schlafes nähert sich dem Gedanken an den Tod. Einige Leute offenbar schlafend, nackt, Ton schlafend, einsam, Umarmt was darauf hindeutet, gewisse Erotik. Man wird plötzlich durch den Tod erwacht. Unter den Menschen,, zwei waren seine Frauen, und der Künstler selbst in der Szene dargestellt.

Erotik war auch in mehreren Werken von Gustav Klimt (1862-1918) die kam von Pornografie zu beschuldigt. Sein vielfältiger Stil, Jedoch zusammengebauten Elemente der Symbolik, Impressionismus und Kunst Nouveau. Ein paar vereinen in sanfter und intensiven Umarmung ist die bekannteste Thema Klimt Arbeit, der Kuss, VON 1907. In dem Gewebe rund um das Paar, Sie können die Einflüsse erkennen Nouveau und byzantinischer, die geometrischen Linien und florale Muster Motiv. Unter den beiden gibt es bunte Sträucher, Blumen und Zweige und goldenen Bändern auf Frau die Beine fallen, auf der rechten Seite der Arbeit. Die abgerundeten Formen davon kontrastieren mit der Winkel- und Whittle es geradeaus. Unter dem Goldmantel, die beide scheinen nackt und vollständig in Eingriff miteinander zu sein,. Der Hintergrund der Szene ist fast nicht wahrnehmbar für das Auge, da es ein Highlight für die Protagonisten. Das Gemälde war Teil des goldenen Zeitalters Klimts Leben, das kam in mehreren seiner Gemälde aus dieser Zeit Blattgold zu verwenden.

Der norwegische Künstler, Edward Munch, einer der Vorläufer des Expressionismus sowie andere Maler seiner Zeit, auch transited den Symbolismus. In 1896, als er in Paris, Wir kamen unter Ihrem Freundeskreis haben, Französisch Dichter Stéphane Mallarmé. Ein großer Teil des Lebens von Munch, voller Tragödien, stellte sich heraus, in seinen Werken zu sein, die Traurigkeit zu Melancholie und üblich waren. Unter den Lithografien nach 1896, die Arbeit Vampire (Feige. 13) Es kam Liebe und Schmerz durch Künstler genannt werden. Im Bild trostlos, ein Mann in den Armen einer Frau eingewickelt ihren Hals küssen. bekümmert, er scheint von der Umarmung mitgerissen und wahrscheinlich den Tod zu erhalten.

in Trennung (Feige. 14), der Protagonist ist auch ein Mann der Schmerzen traurig, eine Beziehung zu beenden. Diese und andere Werke von Munch, wie Der Kuss von seiner eigenen und The Grudge, Sie waren Teil einer Serie Die Frieze of Life Titel, auf Englisch, Die Freize des Lebens, deren Themen reichten von der Liebe, Angst, Eifersucht, Untreue und Tod. Wie Klimt und viele der Zeit, Munch wurde mit der weiblichen Sexualität besessen. Zu diesem Preis Zahlen 14 die Elemente der Sexualität vorhanden sind, der Lust und Verrat. einsam, Mann kann sich nicht zu bewegen scheinen, dies ist seine Mutlosigkeit. Die rote Farbe in der rechten Hand, auf der Brust, Es symbolisiert das Blut aus dem Herzen Gießen. Im Gegensatz zu seinem Bild, die Frau steht in dem Bild heraus und präsentiert schöne. Als ob nicht bemerkt, sie geht weg und kalt, mit langen Haaren im Wind. Die Gestaltung der Haare folgt die geschwungene Linie des Windes zu wehen scheint. Sie können erkennen,, im Bild, Spuren von Jugendstil, gewundenen Linien, die vereinfachten Konturen und die Verwendung von Farben.

Unter den Künstlern, die auch den symbolistischen aktuellen Wert übergeben erwähnt auch die Namen von Paul Gauguin (1848-1903), Gustave Moureau (1826-1898), Arnold Böcklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Odilon Redon (1940-1916) e Fernand Khnopff (1858-1921).

Abschließende Überlegungen

Die Kunst ist in sich selbst Perfektion. nicht
Sie sollten es durch ein externes Modell beurteilen. Es ist mehr
ein Schleier, der ein Spiegel. Es hat Blumen und Vögel
unbekannt in jedem Wald. erfindet und
und zerstört Welten, mit einem Karmesinfaden, Sie können nehmen
Mond des Himmels. (…) Für ihre Natur hat keine Gesetze.
(WILD, 1992, s. 45)

Oscar Wilde (1854-1900) Es war Teil der europäischen Bewegung genannt Ästhetizismus, mit sehr ähnlichen Eigenschaften wie die Symbolik. Für den englischen Schriftsteller, die Messe wäre ein Gegenmittel gegen die Kälte der Industrialisierung sein. Er wurde zum Realismus gegenüber und für die Kunst in der Kunst geglaubt. Seine Worte und seine Gedanken Echo heute. Und es kann sein, dass die Kunst der Straßen die Kälte und Härte der realen Welt mildern.

Der Ingenieur von Formen und Farben können eine neue Welt erzeugen, Architekt Träume, heben Universen und Einblick in Szenen, die nur die Phantasie und Kunst der Lage sind,. A ist es möglich, surreale Welten zu begreifen, so schön wie die Gaudi; im Zuschauer wecken die intensivsten amazements, nas Munch Gemälde; oder fördern unbeschreibliche Gefühle, nas Klimt-Bilder.

Diese Vielfalt, die in den letzten Jahrzehnten des neunzehnten Jahrhunderts gesprochen wird geführt ausreichende Beweise dafür, dass Kunst für sich selbst zu sprechen erlaubt sein, kostenlos Ihre Hände von der Realität, ohne die Verzerrungen des Lebens. Und die Art der Wege sind sehr nah an denen, wo der Weg Poetry. Das Heck ist tief, Erlös aus der Seele in Ekstase. Und die Kunst ist der Balsam der Seele.

Das Ziel des Lebens ist Selbstentwicklung.
Perfekt erfüllen die Natur –
das ist der Grund, warum wir hier sind.
(WILD, 1986, S.13)

1 Site Oficial de William Morris Society:
www.morrissociety.org

² Video da Sagrada Família:
www.youtube.com / watch?v = UrKSk4xFVLw

3 Video Gaudis Park Guell:
www.youtube.com / watch?v = HP_bOvoUr90&t = 35s

4 Offizielle website, Casa Batllo:
www.casabatllo.es

Video mit Kommentaren:
www.youtube.com / watch?v = j31eZTrW0Ss

5 Emile Antoine Bourdelle - Site do Museu Bourdelle:
www.bourdelle.paris.fr

6 Videobewertung der Arbeit Nacht Ferdinand Hodler:
www.kunstmuseumbern.ch/en/see/collection/videos-higlights-collection/ferdinand-hodler-the-night-271.html

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Referenzen:

  1. BAUDELAIRE, Charles. Auf der Moderne. Sao Paulo: Verlag Frieden und Erde, 2007.
  2. BAUDELAIRE, Charles. Die Blumen des Bösen. Sao Paulo: Martin-Claret, 2006.
  3. BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
  4. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  5. FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  6. GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  7. HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  8. MOSES, Massaud. Die brasilianische Literatur durch Texte. Sao Paulo Ed.Cultrix, 2000.
  9. PROENÇA, Kostenlose. Entdecken die Geschichte der Kunst. Sao Paulo: Routledge, 2005.
  10. VERLAINE, Paul. Mit einer Gedichte von Paul Verlaine. Chicago: Die University of Chicago Press, 1999. Übersetzt von Norman r. Shapiro.
  11. VIG, Rosangela Araujo Pires. Kunst als Kommunikation an die Kommunikations AS ART. Kommunikation, Kultur und Medien, Uniso, Sorocaba: 2010. Verfügbar in:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf
  12. WILD, Oscar. Der Verfall der Lüge und andere essays. Rio de Janeiro: imago Editora, 1992.
  13. WILD, Oscar. Das Bildnis des Dorian Gray. Sao Paulo: Editora Scipione, 1986.

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Wie figuras:

Feige. 1 - Wasserlilie Tischlampe, Louis Comfort Tiffany, 1904, Kristall und Messing, 67,31 x 48,26 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Foto: Katherine Wetzel. © Virginia Museum of Fine Arts.

Feige. 2 - Begonia Schreibtischlampe, Louis Comfort Tiffany, 1900, Kristall und Messing, 41,9 x 33 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Foto: Katherine Wetzel. © Virginia Museum of Fine Arts.

Feige. 3 - Innen-Museum Hector Guimard, Paris. Fotos: Le Cercle Guimard.

Feige. 4 - Innen- und Decke des Museums Hector Guimard, Paris. Fotos: Le Cercle Guimard.

Feige. 5 - Fassade Museum Hector Guimard, Paris. Fotos: Le Cercle Guimard.

Feige. 6 - Fassade der Casa Batllo, Francis Benavides.

Feige. 7 - Fassade der Casa Batllo, Francis Benavides.

Feige. 8 - Thais, Emmanuel Villanis, 1890, Bronze, 55 cm. Hickmet Kunst ©.

Feige. 9 - Lucrezia, Emmanuel Villanis, 1890, Bronze, 53 cm. Hickmet Kunst ©.

Feige. 10 - Rest, Pierre Puvis, 1863, Öl auf Leinwand, 108,5 x 148 cm. National Gallery of Art, Washington. Widener Sammlung.

Feige. 11 - Arbeiten, Pierre Puvis, 1863, Öl auf Leinwand, 108,5 x 148 cm. National Gallery of Art, Washington. Widener Sammlung.

Feige. 12 - Der verlorene Sohn, Pierre Puvis, wahrscheinlich aus 1879, Leinöl auf, 106,5 x 146,7 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 13 - Edward Munch: Vampiro II, 1895-1902, Lithographie, 380-387 x 550-560 mm. Munch Museum, Oslo. Foto © Munch-Museum.

Feige. 14 - Edward Munch: Trennung, 1896, Öl auf Leinwand, 96,5 x 127 cm. Munch Museum, Oslo. Foto © Munch-Museum.

Feige. 15 - Pandora, Odilon Redon, 1910-1912, Öl auf Leinwand, 143,5 x 62,9 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 16 - San Sebastian, Odilon Redon, 1910-1912, Öl auf Leinwand, 144 x 62,5 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

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Kommentare

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