Accueil / Art / Art contemporain, Art optique – Op Art, par Rosângela Vig

Art contemporain, Art optique – Op Art, par Rosângela Vig

Vous pouvez également entendre cet article dans sa propre voix artiste Rosangela Vig:

Rosangela_Vig_Perfil_2

Vig est Rosângela plasticienne et enseignante Histoire de l'art.

Le vulgaire croit qu'il est facile d'échapper à la réalité, quand c'est le plus dur du monde. Il est facile de dire ou de peindre quelque chose qui n'a aucun sens., qui est intelligible ou nul: il suffira de mettre en file d'attente les mots qui n'ont pas de sens, ou tirer des dangers au hasard. Cependant, le fait de pouvoir constituer quelque chose qui n'est pas une copie du matériel et qui, toutefois, avoir une certaine substantivité, implique le don le plus sublime. (GASSET, 2005, p. 43)

L'art stimule l'imagination, stimule le cognitif et ouvre la voie à des formes infinies de langage. Curieuse, l'oeil est attiré par les couleurs, par les formes et le mouvement; et déambule intéressé par l'objet artistique, dévoilant les codes que l'artiste a exposés. A chaque nouveau look, un nouveau message peut être révélé, peut être décodé. C'est peut-être la plus grande propriété de l'art.. Votre compréhension, cependant, il n'est pas toujours responsable de refléter la réalité.. En se détachant du monde des choses connues, L'Art aborde ce qu'on peut dire d'un Art pur, spiritualisé, sans l'implication avec les malheurs du monde réel. Ainsi les limites sont étendues, si l'artiste le souhaite, si l'imagination est d'accord avec ça.

Pour s'abandonner à un tel voyage, il suffit de contempler l'infini qui habite l'intérieur de l'âme., de pensée et se perdre indéfiniment le long des chemins qui mènent à ces arrêts. Ce que l'imagination permet ne sera qu'une représentation de ce que le vrai moi ose. Ce n'est qu'ainsi que l'Art devient supérieur, vif, en plein mouvement, découplé des modèles. Ainsi marchait l'esthétique de la modernité, de plus en plus détaché de la réalité, engendrant de nouveaux moules et ouvrant un champ à l'esthétique contemporaine de la seconde moitié du XXe siècle.

Recevez des nouvelles des expositions et des événements en général dans notre groupe Whatsapp!
*Seulement nous publions dans le groupe, il n'y a donc pas de spam! Vous pouvez venir sereinement.

Art contemporain

Bien qu'il n'y ait pas de consensus sur les débuts de l'art contemporain, c'était après la seconde guerre mondiale, au fil des ans 50 qu'il y avait une rupture avec l'Art Moderne, quand les nouveaux styles ont émergé accompagnant un monde bouillonnant d'innovations technologiques et scientifiques. la course à l'espace, l'idée de reconstruction de la société après-guerre et la recherche de l'inconscient étaient des thèmes qui ont inspiré les artistes. Le domaine s'est étendu à de nouvelles langues, à partir de questions dans le style dicté par le Cinéma et la Télévision. De la seconde moitié du XXe siècle à nos jours, L'art contemporain a suivi la pensée, innovations et changements mondiaux.

Aussi appelé postmoderne, L'art s'est accompagné de changements dans la peinture, pour la sculpture et l'architecture. Parmi les différents styles qui ont guidé les productions de l'époque, étaient le Pop Art et l'Op Art.

Op Art

Le mouvement né en 1965, em Nova York, États-Unis et Europe, L'Op Art a été inventé, forme abrégée pour l'art optique. La première exposition a eu lieu au Musée d'Art Moderne (MoMA) et s'intitulait "L'œil réactif". Le nom peut être traduit par "l'œil sensible", ou "l'œil qui répond", faisant probablement référence aux images d'oeuvres de ce style, qui impliquent l'œil avec l'idée de mouvements continus de formes géométriques.

Encourager la réflexion et stimuler le regard sur l'objet artistique, L'Op Art était considéré comme une variante du Expressionisme abstrait; approcher le domaine des sensations, formes dissociées, couleurs et motifs. Dans l'objet artistique il y a des triangles, cercles et carrés qui se ferment, ouvert en spirales, diviser en fractales, dissocier et rejoindre. L'oeil est attiré, cherche l'image et s'y perd, cherche où le travail commence et où il se termine. Comme une forme d'illusion, L'art semble être vivant et en constante évolution, comme si les nuances et les lignes faisaient vibrer les cordes sous forme de musique. A cela s'ajoute l'utilisation de couleurs contrastées., qui accentue en quelque sorte les mouvements. C'est peut-être la meilleure description du style Op Art ou peut-être qu'il n'y a aucun moyen de le définir, sans la regarder.

Parmi les noms qui ont représenté le style est celui de l'artiste hongrois Victor Vasarely (1908-1997), précurseur du mouvement; et les noms de Alexander Calder (1898-1976); Luiz Sacilotto (1924-2003); Adolf Frederick Reinhardt (1913-1967); Jésus-Raphaël Soto (1923-2005); Kenneth Noland (1924-2010); et Richard Allen (1933-1999).

Victor Vasarely1 a étudié l'art à Budapest, Hongrie, pays de naissance; eu des contacts et une influence du mouvement Bauhaus; et s'est inspiré des œuvres de Kandinsky. À partir de 1930 est allé à Paris où il a travaillé pour des agences de publicité. Venu travailler avec l'art figuratif, mais a opté pour un style dont le protagoniste était la géométrie. Ses lignes s'associent à des mouvements et ondulations monochromatiques et progressivement acquis.. Des éléments liés à la profondeur sont présents dans son travail., à la multidimensionnalité et, surtout au dynamisme, comme si l'univers entier de son travail s'étendait maintenant, maintenant retirer. cellules faites, galaxies et mondes non orthodoxes, L'art de Vasarely vibre à chaque changement de regard.

Alexander Calder2 né en pennsylvanie, États-Unis et s'est fait connaître pour ses mobiles et pour ses immenses sculptures, en plus des images filaires. Dès son plus jeune âge, l'artiste s'intéressait déjà à la création, apprendre à fabriquer ses propres jouets, un enfant. S'installe à Paris en 1926, où il a eu des contacts avec les artistes de la Surréalisme. plus que des sculptures, vos oeuvres sont de l'art en mouvement. taille réelle, ses oeuvres sont exposées dans plusieurs pays et mettent en lumière l'idée d'un art pur, lié à l'utilisation des couleurs et des formes en mouvement, ce qui se remarque dans votre Red Disk Folding (Figue. 1), de 1973, exposée sur la place Schlossplatz, à Stuttgart, l'une des plus grandes villes d'allemagne. Em métal, sa construction géante acquiert une incroyable légèreté avec le mouvement subtil et délicat. Comme des oiseaux qui s'envolent, ses formes colorées égayent le monochrome de la ville, en même temps qu'ils semblent faire partie de l'espace. Quand le spectateur change de perspective, le travail de l'artiste (Chiffres 2, 3, 4) acquiert de nouvelles nuances à travers le jeu de la lumière et de l'ombre; et se réorganise de nouvelles manières, avec de nouveaux chiffres.

Né à Santo André, Sao Paulo, Luiz Sacilotto a étudié Dessin au Centre Universitaire des Beaux-Arts; a travaillé comme publiciste; fait des dessins pour l'architecture. Dans le domaine de l’art, Sacilotto a participé à des expositions et biennales au Brésil et à des expositions à l'étranger; et était considéré comme l'un des plus grands représentants de la génération concrète au Brésil. Son travail a des contrastes., symétrie et mouvement. Ton immense tableau (Figue. 7) dans le hall du bloc B, de l'Universidade Federal do ABC séduit l'œil au premier plan par la couleur intense. Cette attraction augmente à mesure que le mouvement de l'œuvre s'intensifie., quand les yeux courent d'un côté à l'autre, ou de haut en bas. Les formes semblent faire une sorte de mouvement convexe, où va toute l'image à l'infini. Le spectateur, l'impression est qu'il converge lui-même avec l'oeuvre et pénètre dans cette immensité de formes qui vont et viennent.

Dans la figure 8, Sacilotto joue avec la forme géométrique et la divise, formant deux nouveaux triangles qui semblent s'étirer dans l'espace, comme s'ils étiraient chacune de ses extrémités. Le matériau est de l'aluminium, également utilisé dans les travaux de la Fig. 10. Que, avec le bois, trompe le regard, qui perçoit maintenant l'intérieur d'une pyramide, maintenant ton extérieur. Se souvenir des couleurs de fauvismo, les lignes vertes se superposent à l'orange, sur la figure 11. Lignes de taille identique, dessiné un ci-dessus, d'autres ci-dessous, donne l'impression d'être plus grand ou plus petit. L'illusion d'optique est encore complétée par l'idée que l'œuvre se déplace de haut en bas ou de bas en haut.. Cet artiste brésilien a maîtrisé comme aucun autre la capacité de transformer l'art en un jeu de couleurs, des formes et illusion du regard. Regarder votre travail, c'est comme remarquer des champs en mouvement, formes en expansion et en rétrécissement.

Final Thoughts

Puis, juste ce tableau
Des couleurs à haute voix,
Couleurs à droite,
Nue, couleurs chaudes.

Votre peinture légère,
Construction de Clara,
Cette version du cours
Fait de pas.

La peinture que tu as enseignée
La morale à vue
(laissant le poignet doux
donner plus de tension à la vie).

Cette peinture peut,
Avec leur souffle froid,
Remuer l'âme se dessèche,
D'indifférence ou acídia.
(PETIT-FILS, 1975, p.19)

Les itinéraires de la Art. Son histoire a montré qu'il ne suffit pas d'être un objet sur lequel l'observateur enchanté fixe son attention., mais quelque chose qui attire votre attention vous invitant à participer comme un jeu infini; qui vous donne de nouvelles perspectives, nouveaux points de vue, a fait une blague. En effet les effets optiques et visuels de l'Op Art, avec des formes et des lignes, avec des couleurs vibrantes et contrastées permettent une sorte de promenade à travers la tridimensionnalité en mouvement comme si l'œuvre était vivante, pressage.

Il est agréable de voyager à travers l'objet artistique comme faisant partie intégrante de celui-ci, profitez de tout votre espace, passer par lui, sous tous les angles possibles. Combien l'âme s'abandonne à une telle fructification, l'esprit s'envole en extase. Un tel enchantement permet un plaisir durable d'être.

1 Vidéo du travail de Victor Vasarely
youtu.be/G_gOS_xwSiw

2 Vidéo du travail d'Alexander Calder
youtu.be/fI5PRaTSMUI

Références:

  1. ANDRADE, Mario. poèmes complets. Sao Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
  2. DRAPEAU, Manuel. Drapeau de poche. Porto Alegre: L&PM Pocket, 2008.
  3. BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
  4. BILAC, Olavo. Anthologie poétique. Porto Alegre: Et. L & PM Pocket, 2007.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  6. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  7. GASSET, José Ortega y. L'art de l'humanisation. 5 et. Édition. Sao Paulo: Et. Cortez, 2005.
  8. Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  9. HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  10. MOSES, Massaud. La littérature brésilienne à travers les textes. Sao Paulo: Editeur Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
  11. MATHEW, Vinícius. Anthologie poétique. Sao Paulo: Companhia das Letras, 2009.
  12. PETIT-FILS, João Cabral de Melo. Musée de tout. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
  13. PROENÇA, Gratuit. Découvrir l'histoire de l'art. Sao Paulo: Routledge, 2005.

Vous aimerez aussi:

Laisser une réponse

Votre adresse email ne sera pas publiéeLes champs requis sont surlignés *

*