Art contemporain, Pop Art par Rosangela Vig

Vous pouvez également entendre cet article dans sa propre voix artiste Rosangela Vig:

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Vig est Rosângela plasticienne et enseignante Histoire de l'art.

j'ai eu comme ça, au fil de la vie, beaucoup de contacts avec beaucoup de personnes sérieuses. J'ai beaucoup vécu parmi les grands. je les ai vus de très près. Ça ne s'est pas amélioré, autrement, mon ancien avis.
Quand j'en ai trouvé un qui semblait un peu lucide, Je l'ai utilisée pour faire l'expérience de mon dessin numéro un, que j'ai toujours gardé avec moi. Je me demandais si elle comprenait vraiment. Mais j'ai toujours répondu "c'est un chapeau". Alors je ne t'ai même pas parlé de boa constrictors, ni de forêts vierges, pas même des étoiles. Mettez-moi à portée de main. Je lui ai parlé du pont, du golf, Politique, de cravates. Et la grande personne était ravie de rencontrer un homme aussi raisonnable. (SAINT-EXUPÉRY, 1977, p.11)

Le Petit Prince inspire depuis longtemps et fait ressortir cette simplicité enfantine que le monde trépidant d'aujourd'hui a oublié.. Souvent, nous ne remarquons même pas les gens., amis ou même prêter attention à nos propres émotions, au milieu du rush quotidien. à l'humain, il faut s'arrêter pour observer cette simplicité et s'éveiller au côté sensible, qui nous amène au bien-être et à une sensation de plénitude. Et le Art c'est un bon moyen de développer une prise de conscience à cet égard.

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Profiter de l'art, c'est voir l'œuvre comme un enfant, ouvert d'esprit, livre, extraire de grandes émotions d'elle, ceux qui touchent l'âme, qui errent à travers les sensations. Peut-être alors l'intelligence pourra-t-elle errer dans le même champ où l'artiste a semé ses idées.. Peut-être les hommes contemporains ont-ils perdu ce fil ténu qui relie la vie réelle et les jugements les plus divins et les plus inspirateurs.. Peut-être que l'humanité retrouvera encore ce vrai chemin et verra moins les chiffres et plus les Belo qui entoure le monde et les manifestations artistiques. Jouer avec sensibilité de manière légère est un moyen d'élever l'esprit pour de bonnes impressions. Est-ce le jeu artistique.

Et les démos d'art ne se sont jamais rapprochées de ce jeu, comme les années 1950, quand la vie quotidienne a commencé à être vue comme un jeu et à intégrer les mouvements de manière joyeuse et détendue. Toute la technologie de l'époque, le voyage sur la lune, publicité, dans la culture de masse, le Cinéma et ses célébrités et l'American way of life ont été vus avec l'œil attentif de l'artiste, comme une blague, jeu. Puis vint le Pop Art., avec des couleurs vives et des designs simplifiés. L'art redevient figuratif, mais d'une manière inhabituelle. En même temps que les symboles du consumérisme commençaient à être moqués et critiqués, les artistes ont brisé la barrière entre les savants et les populaires, faire entrer l'art dans une catégorie innovante et unique.

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Pop Art

Le terme Pop Art a commencé en 1952, vient de l'anglais et signifie art populaire, parce que la base était la culture de masse, mais ce style n'a en aucun cas été qualifié de populaire. Le nom a été créé par le critique d'art Laurent Alloway (1926-1990), à Londres, lors d'une rencontre d'artistes, le Groupe Indépendant (Groupe Indépendant), pas Institut des Arts Contemporains (I CA), Institut d'art contemporain. Les artistes avaient l'habitude de tenir des débats sur l'effet des progrès de la science et de la technologie sur l'art, et c'est à l'une de ces réunions que les membres ont suscité l'intérêt pour la culture de masse.. Composé de Richard Hamilton (1922-2011), Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005) et Pierre Blake (1932-), le groupe a commencé un style qui a duré jusqu'à la 1960 et culminé à New York, venant aussi au Brésil. In The United States, mis en évidence les noms de Andy Warhol (1928-1987); Roy Lichtenstein (1923-1997); Claes Oldenbourg (1929-2022); James Rosenquist (1933-2017); Tom Wesselman (1931-2004); Wayne Thiébaud (1920-2021); et Jasper Johns (1930). Au Brésil, les artistes se sont fait connaître Antonio Dias (1944-2018); Rubens Gerchman (1942-2008); et Claudio Tozzi (1944).

Influencer les designs liés à la mode et le monde du design, Le Pop Art s'est largement inspiré de la bande dessinée, à condition d'utiliser la sérigraphie et les reproductions en série du même thème. Le Pop Art nourri de l'industrie culturelle, tout en ironisant sur le consumérisme exacerbé de l'époque et le capitalisme.

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Bourré d'emballages séduisants, les supermarchés étaient un thème commun du Pop Art, emmener des œuvres comme Andy Warhol dans des galeries et des musées. La soupe en conserve de Campbell a inspiré cette série de l'artiste., de 1962, qui atteint un total de 32 écrans (Figue. 1)1, chacun pour une saveur de la nourriture largement consommée à l'époque. Bien que Campbell soit allé jusqu'à envoyer un avocat contestant l'utilisation de la marque, l'entreprise a fini par accepter et soutenir l'artiste, nouer un partenariat et même parrainer une exposition d'œuvres d'Andy Warhol au Metropolitan Museum of Art. La répétition de l'image renvoie à l'idée d'un rayon de supermarché organisé, avec plusieurs canettes de différentes saveurs. En l'honneur du vingtième anniversaire de la mort d'Andy Warhol, l'entrée de la Royal Scottish Academy (Académie royale écossaise) était décoré d'images de l'œuvre bien connue de Warhol (Figue. 4). En 1976 travailler des crânes (crânes) (Figue. 2) a suivi l'idée de la production de masse et l'artiste a utilisé la technique de la sérigraphie pour réaliser six toiles avec le même dessin, chacun avec des couleurs différentes et vibrantes. Le même principe de couleur a été utilisé dans d'autres œuvres telles que Marilyn (Figue. 3), dans lequel la célèbre star de cinéma apparaît à l'écran avec un sourire sensuel et un maquillage aux couleurs pures. La série d'images d'artistes du cinéma a mis en lumière la frivolité de ces célébrités.

Roy Lichtenstein2 semble avoir fait le tour des kiosques à journaux colorés. La collection de l'artiste comprend des personnages de bandes dessinées dans des moments insolites ou à l'apogée de leurs récits. L'action et le dynamisme sont présents dans ses œuvres., comme si le temps s'arrêtait pour ne conserver qu'une seconde. Na figura 6, l'image d'un avion qui tombe est racontée en deux séquences, lorsque le pic du mouvement brusque s'intensifie et que la confirmation de la chute est confirmée par onomatopée, titre de le œuvre. Les couleurs jaune et rouge intensifient le feu dû à la chute. Le baiser d'un couple clairement passionné apparaît dans la figure 7. Elle, entre les larmes et lui, les yeux fermés, souvenez-vous ensemble non seulement des bandes dessinées, mais aussi les grands récits du cinéma, thème constant du pop art.

Pop Art au Brésil

Au Brésil, l'esthétique du Pop Art a acquis une tonalité politique et s'est concentrée sur la critique du système de l'époque.. L'artiste et architecte Claudio Tozzi a adhéré à ce modèle jusqu'à 1969 quand il est passé de la critique sociale à la recherche des formes. Une telle réflexion l'a amené à produire sa série Astronautes, Pinces et Vis. Na figura 10, le protagoniste est l'astronaute vu de face et de dos, en deux images, un diptyque, Inspiré de l'atterrissage de l'homme sur la lune, ce qui est arrivé à 1969. L'artiste a travaillé avec l'utilisation du noir et blanc, avec des lignes nettes pour les contours, ce qui vous rappelle les héros de BD. Riche en détails, votre personnage a de l'expression et semble prendre vie sous ses robes. Le monochrome a permis aux détails de se démarquer à l'œil et de se démarquer avec effets d'ombre et de lumière, ce qui rapproche l'oeuvre de l'idée de réalité.

À partir de 1970 l'artiste a développé une recherche avec la couleur et à la suite de cette phase, le panneau Zebra se démarque (Figue. 12), de 1972, qui a apporté l'art et la couleur au centre de São Paulo, à Praça da República. L'animal monochrome contraste avec le bleu du ciel et le brun de la terre battue, où marches-tu. L'image de l'art par Claudio Tozzi, au milieu des bâtiments tristes, c'est comme un souffle à regarder, d'une ville qui ne veut pas s'arrêter. C'est comme si la vision se reposait pendant un moment, oublier le ciel nuageux, le tumulte des voitures et des pas. C'est peut-être la meilleure raison pour que l'art existe..

fait un jeu, le regard parcourt les oeuvres à la recherche d'un souffle, d'une vigueur pour reprendre la course à nouveau.

Tard dans l'après-midi.
Dans le ciel de plomb
la lune terne
très cosmographique
Satellite.

Démétaphorisé,
Démystifié,
Dépouillé du vieux secret de la mélancolie,
Ce n'est plus maintenant le gouffre des schismes,
La star des fous et des amants,
mais, seulement
Satellite.
(DRAPEAU, 2008, p.136)

Final Thoughts

L'objet de la pulsion ludique, représentés dans un schéma général, peut être appelé en direct, un concept qui sert à désigner toutes les qualités esthétiques des phénomènes, tout ce qu'en somme nous entendons au sens le plus large par beauté. (…) Ce n'est que lorsque sa forme vit dans notre sensibilité et que sa vie prend forme dans notre compréhension que l'homme devient une forme vivante., et ce sera toujours le cas quand on jugera le beau. (SCHILLER, 2002, pages 77 et 78)

Inspiré des Lumières, la pensée du grand philosophe allemand suggère que l'idéal de beauté est lié à une impulsion ludique. L'art s'inscrit dans ce contexte, en jouant avec sensibilité à travers jeu de couleurs et de manière, stimuler l'impulsion sensible.

L'Art Contemporain rompt définitivement avec les avant-gardes de l'Art Moderne. Une telle rupture qui a commencé dans les années 50 suivi les nouvelles technologies qui faisaient de grands pas. la course à l'espace, la science, le Cinéma, la télévision, le mode de vie et le consumérisme ont inspiré les artistes à tracer un nouveau champ de vision, ouvrir les bras de l'Art à de nouvelles dimensions. L'esthétique a acquis ce ton ludique, assumer les formes de la réalité en cours, mais c'est quand même clair, par deux artistes, la critique de la consommation de masse et du capitalisme encouragée par la publicité. Les œuvres sont passées de la culture de masse à la culture savante en utilisant des symboles du quotidien. À la fois, comme dans un jeu, les œuvres ont stimulé l'œil et ont permis à la symbolique d'une époque de se répandre à travers la Culture. De nouvelles perspectives et de nouveaux points de vue sont alors partagés à travers le jeu des couleurs et des formes., ravir les yeux.

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Dans la plaine les danseurs
Partez comme des pèlerins
Dans le manoir des auberges grises
A travers des villages sans église
Et les enfants avancent
Les autres suivent avec indolence
Les arbres se conforment
Quand de loin ils saluent
Ils ont des poids ronds carrés
tambours à archet d'or
Ours ou singe pas sauvage
Demandez de l'argent sur votre billet.
(APOLLINAIRE, 2005, p.63)

Ô Paris, nous voici vivants breuvages
Les villes viriles où ils crient et chantent
Les saints métalliques de nos saintes fabriques
Nos cheminées s'imprègnent de nuages ​​noirs
Comme le faisait autrefois l'Ixion mécanique
Et nos innombrables mains
usines de fabrication usines mains
Où les travailleurs nus aiment les doigts
Ils fabriquent du vrai à tant à l'heure
on te donne tout ça.
(APOLLINAIRE, 2005, p.112)

1 Vidéo de l'oeuvre Latas de Sopa Campbells, de Andy Warhol:
youtube.be/HqvELc2FSfE

2 Fondation Roy Lichtenstein:
lichtensteinfoundation.org

Références:

  1. ANDRADE, Mario. poèmes complets. Sao Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
  2. DRAPEAU, Manuel. Drapeau de poche. Porto Alegre: L&PM Pocket, 2008.
  3. BAYER, Raymond.Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
  4. BILAC, Olav.Anthologie poétique.Porto Alegre: Et. L & PM Pocket, 2007.
  5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  6. FARTHING, Stéphane.All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  7. GASSET, José Ortega et.L'art de l'humanisation. 5 et. Édition. Sao Paulo: Ed.Cortez, 2005.
  8. Gombrich, E.H.Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  9. GUILLAUME, Apollinaire. Alcools et autres poèmes. Sao Paulo: Editeur de Martin Claret, 2005.
  10. HAUSER, Arnold.Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  11. MOSES, Massaud. La littérature brésilienne à travers les textes. Sao Paulo: Editeur Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
  12. MATHEW, Vinícius. Anthologie poétique. Sao Paulo: Companhia das Letras, 2009.
  13. PETIT-FILS, João Cabral de Melo. Musée de tout. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
  14. PROENÇA, Gratuit. Découvrir l'histoire de l'art. Sao Paulo: Routledge, 2005.
  15. SAINT-EXUPÉRY, Antoine de. Le petit Prince. Rio de Janeiro: Loi sur l’éditeur, 1977. SCHILLER, Friedrich. L’éducation esthétique de l’homme. Sao Paulo: Miniatures de l’éditeur, 2002.

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Rosangela VIG
Sorocaba - Sao Paulo
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Chroniqueur au site Obras de Arte
E-mail: rosangelavig@hotmail.com

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