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Nouvelle galerie de base collective fronces 15 artistes nordestinos

“Le point d'oeil est pas la même chose que de voir « met en évidence une production brésilienne qui dialogue entre eux par un point de vue régionalistes et un langage contemporain

A Galerie Base inaugure “Le point d'oeil est pas la même chose que de voir”, por composé 32 oeuvres - collages, graphique, Prints, photographies et peintures – de Abraham Palatnik, Almandrade, Antonio Dias, Christian Cravo, Emanoel Araújo, Falves Silva, José Cláudio, José Rufino, Macaparana, Marcelo Silveira, Márcio Almeida, Marco Ribeiro, Mario Cravo Neto, Montez Magno et Sérvulo Esmeraldo, sous le Commissariat de Paul Azeco. La presse a fait référence au concept de hypermodernité proposé par le philosophe français Gilles Lipovetsky, et subvertir toute notion régionaliste, fronces 15 artistes du Nord-Est de différentes générations, qui, chacun à sa manière, Ils ont un art mondial, contemporain et contextualisée.

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Dans ce nouveau collectif de galerie de base, Il se distingue par une production brésilienne qui dialogue entre eux par un langage contemporain, représentant un art universel et compatible avec votre temps. Les œuvres créées à partir des racines de ces artistes, et cela fait une imagerie visuelle raffinée et distinctive. "Si au début du siècle dernier, en réponse à la Semaine d'Art Moderne (1922), nous avons eu la « phase héroïque » avec les mouvements de PauBrasil (1924), VerdeAmarelo (1926) et Antropofágico (1928), résultat de la première équation deux, 90 ans plus tard, les flux de production artistique brésilienne façon naturelle symbiotique. On peut dire que, toujours basé sur l'imagination populaire, il est l'une des régions où la force esthétique est peut-être la plus forte étaient venus avec son influence régionale sans être intrinsèque, nécessairement, régional", Commentaires Paul Azeco.

"Le point d'oeil est pas la même chose que de voir« Fait référence à un regard eurocentrique qui a prévalu dans notre pays depuis plusieurs générations, inspiré par la culture européenne et axée sur la production de l'élite artistique concentrée dans le sud-est, et pendant des années, il n'a pas vu ou joué sur la richesse des artistes dans le nord du Brésil – région d'où est venu quelques-uns des noms les plus largement reconnus, comme Antonio Dias, Marcelo Silveira et Sérvulo Esmeraldo.

Prendre hypermodernité comme une amélioration de la culture moderne, les nouveaux médias de masse, et surtout l'idée fausse de plus en plus connecté, tandis que la solitude reste le plus grand sentiment, nous notons que la production de ces artistes nord-est du Brésil est conforme à ce concept. En ce sens, le conservateur met en évidence: "Un grand nombre d'artistes de l'exposition ont de fortes carrières internationales, prouvant que la communication de masse et le village mondial peut en effet être d'une grande valeur dans la production artistique. cependant, Il est important de noter que ceci est valable lorsque l'œil accorde une attention à vous avant de voir le monde et, elle, les noms de cette exposition ont magistralement. Une exposition d'artistes autres embrassant un monde".

Exposition: “Le point d'oeil est pas la même chose que de voir”
Artistes: Abraham Palatnik, Almandrade, Antonio Dias, Christian Cravo, Emanoel Araújo, Falves Silva, José Cláudio, José Rufino, Macaparana, Marcelo Silveira, Márcio Almeida, Marco Ribeiro, Mario Cravo Neto, Montez Magno et Sérvulo Esmeraldo
Curatelle: Paul Azeco
Coordination: Fernando Ferreira de Araujo et Daniel Maranhão
Ouverture: 20 Octobre 2018, Samedi, la 15 às 18h
Période: 22 Octobre à 23 Novembre 2018
Local: galerie de base – www.galeriabase.com/
Adresse: Av. 9 Juillet, 5593/11 - Jardim Paulista – São Paulo/SP
Téléphone: (11) 3071-3614
Horaires: Mardi au vendredi, la 14 às 19h; Samedi, sur rendez-vous - contato@galeriabase.com.br
Nombre d'œuvres: 32
Techniques: Collages, graphique, Prints, photographies et peintures
Dimensões: varié
Prix: de R$ 8.000,00 le R $ 350.000,00

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Bureau de presse – balady Communication - Silvia Balady / Zeca Florentino
Téléphone: (11) 3814.3382 - contato@balady.com.br

Abraham Palatnik (Natal, Rio Grande do Norte, 1928)

artiste cinétique, peintre, concepteur. En 1932, a déménagé avec sa famille dans la région où, actuellement, il est situé ou l'Etat d'Israël. De 1942 et 1945, Les études techniques de l'école Montefiori à Tel-Aviv et se spécialise dans les moteurs à combustion interne. Commence ses études d'art dans l'atelier du peintre Haaron Avni (1906-1951) et sculpteur Sternshus et l'esthétique étudier avec Shor. Fréquente l'Institut Municipal d'Art de Tel-Aviv, entre 1943 et 1947. Revient au Brésil 1948, et se sont installés à Rio de Janeiro. Coexiste avec des artistes Ivan Serpa (1923-1973), Hiroshige (1925) et Almir Mavignier (1925). Avec ce dernier assiste à la maison critique d'art Mario Pedrosa (1900-1981) et connaît les travaux du Dr Nise da Silveira (1905-1999), Hôpital psychiatrique de Engenho de Dentro. Le contact avec les artistes et les discussions conceptuelles avec Mário Pedrosa faire rompre Palatnik avec les critères classiques de composition, laisser la brosse et le figuratif et aller plus de relations libres entre la forme et la couleur. Pour volta de 1949, commence des études dans le domaine de la lumière et le mouvement, résultant dans un appareil de cinechromatics, selon la 1951 la 1ère Biennale Internationale de São Paulo, où il a reçu une mention honorable du jury international. En 1954, Groupe intègre avant, aux côtés de Ivan Serpa, Ferreira Gullar (1930), Mário Pedrosa, Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988) et d'autres. développe de 1964 les objets cinétiques, un déploiement de kinechromatic, montrant le mécanisme interne de fonctionnement et de suppression de la projection de lumière. La rigueur mathématique est une constante dans son travail, agissant comme un important espace fonction de tri. Il est considéré au niveau international l'un des pionniers de l'art cinétique.

Almandrade (St. Philip, BA, 1953)

Vit et travaille à Salvador, Bahia. Artiste, architecte, en master de design urbain, poète et professeur de théorie de l'art des ateliers d'art du Musée d'Art Moderne de Bahia et Palais des Arts. Il a participé à plusieurs expositions de groupe, entre ELAS: XII, Biennale XIII et XVI; « À la recherche de l'Essence » - émission spéciale XIX Biennale; IV National Hall; Univers Football (MAM / Rio); Foire nationale (S. Paulo); II Paulista salle, Première exposition internationale de sculpture éphémère (Forteresse); Je Salon Baiano; National Hall II; Mention honorable dans le Hall I étudiants 1972. Poèmes visuels intégrés collectives, projets et installations multimédias au Brésil et à l'étranger. Il a tenu une trentaine d'expositions individuelles dans plusieurs États. A œuvres dans plusieurs collections privées et publiques, comme: Musée d'Art Moderne Bahia, Museu Nacional de Bellas Artes (Rio de Janeiro), Le Musée de la ville (Sauveur) et municipal Pinacothèque de São Paulo, Musée africain (Sao Paulo), Musée de Rio Grande do Sul Art et le Brésil Godlen Art.

Antonio Dias (Campina Grande, PB, 1944 – Rio de Janeiro, RJ, 2018)

artiste visuel et multimédia. Passe son enfance à des villes du nord-est du Brésil et d'apprendre les techniques de dessin avec grand-père. En 1958, déplacé à Rio de Janeiro et travaille en tant que designer et artiste graphique. Sa première exposition personnelle a lieu en 1962, dans Sobradinho Galerie, Rio de Janeiro. Participe à la vue des spectacles 65, l'émergence en Mars du nouveau réalisme dans les arts. La même année, collectionneurs et le critique français Pierre Restany (1930-2003) organiser personne d'une journée à la 4ème Biennale de Paris. Pendant cette période,, produit des œuvres sur bande vidéo, distribué par les Archives historiques de la Biennale de Venise. En 1968, Il est engagé par Studio Marconi, à Milan, où l'on rencontre l'art povera1. En 1972, reçoit une bourse Guggenheim, em Nova York. De retour en Europe, Il est invité par l'artiste allemand Joseph Beuys (1921-1986) de coordonner la section latino-américaine de l'Université Libre Internationale (CRF). En 1974, Elle produit une grande installation au Musée d'Art Moderne, Rio de Janeiro (MAM/RJ). L’année suivante, partici faire Festival des médias élargi, à Belgrade, Serbie, com L'illustration de l'art: Économie. En 1977, voyages aux techniques de production du Népal et du papier de recherche, résultant en série de grands formats et la publication de l'album Trama. En 1978, effectue des environnements avec des techniques cinématographiques Palazzo Reale à Milan et spectacles Art & Cinéma, Venise. Retour au Brésil, coordonne le Centre d'Art Contemporain de l'Université fédérale de Paraíba (NAC / UFPB), à côté de la critique Paulo Sergio Duarte (1946). Revient à Milan en 1981 et se rapproche le mouvement transvanguardia. En 1988, é bolsista do German Academic Exchange Service (DAAD), à Berlin. En 1992, professeur torna-se da Académie Internationale d'Eté des Beaux-Arts, à Salzbourg, Autriche. L’année suivante, Académie des Beaux-Arts leciona na État, à Karlsruhe, Allemagne, et, à 1997, dans le programme d'études supérieures de Arnhem Ateliers, na Holanda. En 2010, Il a déménagé à Rio de Janeiro, où procède la production intense.

Christian Cravo (Sauveur, BA, 1974)

mère danoise et d'un père brésilien, Il a été créé dans un environnement artistique à Salvador, Bahia. Il a été introduit dans les arts à un âge précoce. Cependant, vient de commencer ses expériences avec la technique photographique à onze ans, tout en vivant au Danemark, où il a passé toute son adolescence. En 1993, interrompt ses recherches photographiques pour effectuer le service militaire dans la défense danoise. Avec vingt-deux ans, Retour à son Brésil natal, quand vous commencez à être profondément mêlé à la caméra. Au cours des vingt dernières années, Christian pouvait voir leur travail reconnu, non seulement au niveau national, mais aussi au niveau international, à travers des expositions au Musée d'Art Moderne de Bahia, à Throckmorton Fine Art à New York, Billedhusets à Galeri à Copenhague, le ministère de la Culture à Brasilia, Institut Tomie Ohtake et Musée Afro Brésil, à la fois à São Paulo et dans des expositions de groupe comme la Galerie Witkin à New York, S.F. Galerie Works Caméra na Califórnia, la Fotofest tous les deux ans à Houston et au Palais de Tokyo à Paris. Il a reçu des prix du Musée d'Art Moderne Bahia, e faire Mother Jones Fonds international pour la photographie documentaire. En plus des subventions de recherche de la Fondation Vitae et la Fondation John Simon Guggenheim pour ses recherches sur l'eau et la foi. En 2016 Il a été décerné pour APCA (Paulista Association des critiques d'art) la meilleure exposition photographique 2015. Il a été nominé pour les prix internationaux tels que Paul Huff (Hollande 2007) e o Prix Pictet (Suisse / Royaume-Uni, 2008 et 2015 et 2016). Son premier livre “Irredentos” Elle a été publiée dans 2000 et 2005 et son deuxième livre “Roma noire, ville métisse” Il a été publié à Paris, por Autrement. D'autres livres il est l'auteur sont: “Dans les jardins d'Eden” 2010, “Exú lumineux” 2012, “CHRISTIAN CARNATION”, édité par la prestigieuse maison d'édition Cosac & Naify en 2014 et “MARIANA” 2016. Vit actuellement à São Paulo, est marié et père de trois filles.

Emanoel Araújo (Santo Amaro da Purification, BA, 1940)

sculpteur, concepteur, Illustrator, conceptrice des costumes, flûte à bec, scénographe, peintre, conservateur et muséologue. Apprendre la menuiserie avec le maître Eufrasio Vargas et travaille avec linotype et dans la photocomposition presse officielle, à Santo Amaro da Purification, Bahia. Il a tenu sa première exposition solo en 1959. Dans le 1960, déplacé à Salvador et entra à l'école des Beaux-Arts de l'Université fédérale de Bahia (UFBA), où il a étudié la gravure avec Henrique Oswald (1918-1965). En 1972, Il reçoit la médaille d'or lors de la 3e Biennale graphique Florence, Italie. reçoit, l'année suivante, le prix du meilleur écrivain, et, à 1983, le meilleur sculpteur, Paulista Association des critiques d'art (APCA). Entre 1981 et 1983, Installe et exécute le Musée d'Art Bahia (MAB), à Salvador, et des expositions individuellement au Musée d'art de Sao Paulo Assis Chateaubriand (MASP). En 1988, Vous êtes invités à enseigner les arts graphiques et la sculpture au Collège des Arts, na La City University de New York. De 1992 et 2002, Il occupe le poste de directeur de la Pinacoteca do Estado de São Paulo (PESP) et est responsable de la revitalisation de l'institution. Il, entre 1995 et 1996, membre invité du Comité sur les musées et le Conseil fédéral de la politique culturelle, créé par le ministère de la Culture. À partir de 2004, Il est conservateur et directeur du Musée Afro-Brésil, à São Paulo, avec des œuvres de sa collection.

Falves Silva (Cacimbas, PB, 1943)

Il est l'un des précurseurs mouvement des artistes Poème / Processus, aux côtés des noms tels que Moacyr Cirne, Wlademir Jours Pin, Alvaro de Sa Sa et Neide, participer à 1967 son manifeste inaugural. En 1981 participe au XVI Bienal de São Paulo, organisée par Walter Zanini. De la 1980, Il est associé au réseau international de Mail Art, maintenir un dialogue intense et fructueux avec des artistes de différentes générations et nationalités, parmi lesquels Jota Medeiros, Ivald Granato, Leonhard Frank Duch, Paulo Bruscky, Hudinilson Jr, Clemente Padin, Edgardo Antonio Vigo, Ulises Carrión et Horacio Zabala. Ont leur travail affiché dans l'exposition internationale d'art postal, Tokyo, Japon, à 1984, et la Biennale d'art II Courrier, Espagne, à 1999. plus récemment, l'artiste a eu une exposition personnelle « Circle Time », rétrospective de sa carrière, présentée au Centre culturel de São Paulo. La production Falves Silva peut être considéré comme une convergence de deux des axes principaux de l'art brésilien: le béton et les mouvements de l'art conceptuel. L'artiste parle à la littérature, le cinéma et la bande dessinée; manipuler des structures de communication et des images de l'histoire de l'art et la communication de masse, Falves Silva crée son travail en diversifiant l'approche et le traitement des matériaux qui ont choisi.

José Cláudio (Ipojuca, PB, 1932)

Peintre, concepteur, flûte à bec, sculpteur, critique d'art et écrivain. En 1952, José Cláudio, côté Abelardo du temps (1924-2014), femme Gilvan (1928-2013) e Wellington Virgolino (1929-1988), autres, a fondé l'Atelier Collectif de la société Art Moderne de Recife (fusions). Plus tard, à Salvador, José Cláudio est entraîné par Mario Cravo junior (1923), Carybé (1911-1997) e Jenner Augusto (1924-2003). Voyage à São Paulo 1955, qui travaille d'abord avec Di Cavalcanti (1897-1976), étudier également la gravure avec Livio Abramo (1903-1992) Musée de l'école d'art moderne Artisanat à São Paulo (MAM / SP). Caractère peintures figuratives réalise, représentant des scènes et des paysages régionaux du Nord-Est; éviter, cependant, le caractère pittoresque de mettre en évidence le dialogue avec l'abstraction, simplification formelle, et l'utilisation de la coup de pinceau. Poème intègre le mouvement / processus (1967-1972) avec sa série « Timbres ». En 1975, l'artiste participe à l'expédition importante pour l'Amazonie, promu par le Musée de zoologie de l'Université de São Paulo (MZ / USP), enregistrement dans différents modèles différents d'huile aspects régionaux qui ont abouti dans le livre « 100 écrans, 60 jours et un carnet de voyage ". Les grandes expositions de l'artiste: Salon paulista d'Art Moderne (1956) | Biennale internationale de São Paulo (1957) | Biennale internationale de São Paulo (1959) | Biennale internationale de São Paulo (1961) | Biennale internationale de São Paulo (1963) | Panorama de l'art brésilien – MAM (1969) | Panorama de l'art brésilien – MAM (1983) | Biennale internationale de São Paulo (1985) | Panorama de l'art brésilien – MAM (1993) | Exposition rétrospective - MEPE (2009) | Pernambuco expérimentale - SEA (2015) | exposition de timbres, José Cláudio - MAMAM (2017) Timbres - José Cláudio - Répertoire des projets, galerie de base, SP-Arte (2018).

José Rufino (João Pessoa, PB, 1965)

Vit et travaille à Singapour. Il a développé son parcours artistique à travers la poésie pour la poésie visuelle et, puis, pour l'art carte postale et dessins, dans les années 80. L'univers du déclin des plantations de canne à sucre au Brésil a effectué ses premiers travaux sur les dessins et installations avec des meubles et des documents familiaux et institutionnels. Fils de militants politiques arrêtés par la dictature du régime militaire brésilien dans les années 60, l'artiste est également bien connu pour ses œuvres impressionnantes de caractère politique. dernièrement, Il a fait des incursions dans le langage cinématographique et se développe de plus en plus un monotypes de travail communs / meubles / objets et installations. Le dialogue entre dichotomique mémoire et de l'oubli tout à fait leur travail contamine. En 2012 participation à la SP-Arte, Une séparation des eaux na sala Contemporânea, CCBB / Rio de Janeiro; En 2011, exposé le travail 28.01.79 Sable dans le 12e Festival, Sand-PB; de la séparation des eaux, comme artiste invité Prix Energisa pour les arts visuels, Cabedelo-PB; En 2010, Aenigma exposée sur la galerie de Milan à São Paulo; Blots & Figments, pas Museu Andy Warhol, em Pittsburgh, USA; e Fausto, le Palais des Acclamation, à Salvador. Elle a participé à la 25e Biennale internationale de Sao Paulo et des expositions de groupe tels que les chemins contemporains, dans le Palais impérial (Rio de Janeiro), Je Ambas 2002; ARCO - Foire Internationale d'Art Contemporain, à Madrid, Espagne, à 2001; e de L’Art dans le Monde, pas Pont Alexandre III, Paris, à 2000. Il a tenu des expositions individuelles dans la galerie Virgil à São Paulo, pas aveugle à 2008; la Galerie Amparo 60 et le Musée d'Art Contemporain (MAC) de Niterói, à 2005; Musée de la vallée, Vila Velha - ES, à 2003; Adriana Penteado dans l'art contemporain, Sao Paulo, à 1998; et la culture Sérgio Porto, Rio de Janeiro, à 1996. Les dernières recherches de l'accord artiste avec insuffisance irréversible du corps et des souvenirs.

Macaparana (José de Souza Oliveira Filho, Macaparana, EN, 1952)

Peintre, concepteur et sculpteur. Autodidacte, Il a commencé sa carrière en tant que peintre figuratif. Il a tenu sa première exposition solo à Recife, à 1970, la Galerie de Pernambuco Tourism Company (Empetur). En 1972, déplacé à Rio de Janeiro 1973 pour Sao Paulo, où il installe définitivement. près de 10 années exposées dans les deux villes travaillent thématiser l'ex-voto. En 1983, contact avec Willys de Castro (1926-1988), exposant et décisive pour néo-concrétisme le changement dans leur travail. Participe à la Biennale Internationale de 21th Sao Paulo en 1991. ses expositions, individuelle et collective, Ils ont été à São Paulo, Rio de Janeiro, Récif, Brazilia, Mexique, Japon, New York et Londres. En 2009 réalise exposition personnelle de sculptures, peintures et dessins dans la galerie Cayon, à Madrid, et participe à la Materia Gris collective, dans la même galerie.

Marcelo Silveira (Gravesend, EN, 1962)

sculpteur. Il pousse sur les parents de la ferme, Engenho Amora Grande, et déplacé à Recife 1979. Atelier Guaianases participe, Olinda, entre 1982 et 1985, où il a commencé sa formation artistique. Il a étudié l'éducation artistique à l'Université fédérale de Pernambuco – UFPE, entre 1985 et 1990. Pendant cette période,, ouvre studio à Gravesend, sa ville natale, et développe des activités avec les enfants dans la région. En 1990, Silveira effectue exposition solo Objets Engenho, dans Itaugaleria de Belo Horizonte, et visite d'un Arthur Bispo do Rosario exposition (1911 – 1989), le Musée de Pampulha, qui devient une référence importante dans son travail. Il vit à Barcelone pendant trois mois 1992, et assiste à l'École des Arts Massana. Dans les années 1995 et 1996, reprend ses activités en tant que professeur d'art, initiée avec le studio de Gravesend, travailler avec la création en trois dimensions dans les universités et les centres culturels. En 2000, Silveira ouvre le projet Correcaminhos, avec qui transfère son atelier dans différentes villes de Pernambuco intérieur et échanger des connaissances avec les artisans qui trouve. participe, à 2005, l'année du Brésil en France et 5ème Biennale Mercosul, à Porto Alegre.

Márcio Almeida (Récif, EN, 1963)

Vit et travaille à Recife. Artiste multimédia, Il a commencé sa carrière à la fin 1980 et, depuis, développe son travail en utilisant différents médias: peintures, graphique, Prints, objets, photos, vidéos, aménagements, y compris certaines des interventions urbaines. Dans votre chemin d’accès, organisé des expositions individuelles et collectives, dans les musées et galeries d'art au Brésil et à l'étranger. Ses œuvres figurent dans les collections des grandes institutions au Brésil, comme: Pinacoteca do Estado de São Paulo, Musée d’art moderne – MAM / SP (Groupe de chargement et déchargement) prêt gratuit – Musée de Santa Catarina, Musée d'Art Moderne Aluizio Magalhães. MamaMia - Recife / PE, Musée d'Art Contemporain de Rio Grande do Sul - MACRG - Porto Alegre / RS, Sea Dragon Museum of Contemporary Art – Fortaleza / CE, Musée d'art de Rio de Janeiro - SEA – Rio de Janeiro/RJ, Centro Cultural São Paulo - São Paulo / SP.

Marco Ribeiro (Guanambi, BA)

Là 16 signé résidence des années à Fortaleza. Il a travaillé comme designer et directeur artistique et depuis 2015 exclusivement dédié à l'artisanat d'art. Sur le rôle, l'artiste crée des œuvres dans différentes techniques comme le dessin à l'encre et à l'aquarelle, image élargie, une sculpture, expériences avec la ligne de ciment et de coton. Mettre en évidence les écrits série de Constantius (2016/2017), Point De Fuite (2016/2017), lignes Projetantes (2017), J'ai écrit des lettres pour me (2017) et le projet Desconcreto (2015/2016). Il est également dédié au cours d'Architecture et Urbanisme, choix qui interagit beaucoup avec votre œuvre d'art. intégré, à 2015, l'exposition collective Elementa, il a présenté sa série Mineralia, dans Contemporarte Galerie, à Fortaleza / CE, à 2017, Connexions d'exposition, la Galerie Vicente Leite et XIX Unifor plastique, à la fois dans la capitale de Ceara. En 2016, a tenu deux expositions personnelles: du même nom, Galeria na Karla Osorio (Brasilia / BSB), et structurel, dans Contemporarte Galerie.

Mario Cravo Neto (Sauveur, BA, 1947 - Salvador, BA, 2009)

Photographe, sculpteur et designer. Reçoit les premières lignes directrices dans le domaine de la conception et de la sculpture de son père, Mario Cravo junior. Accompagnant son père, Que faire partici programa Artists sur Residence, parrainé par la Fondation Ford, se rend à Berlin 1964. Dans cette ville reste en contact avec l'artiste italien Emilio Vedova et le photographe Max Jakob. En 1968, déménagé à New York et a étudié à l'Arts Students League, avec les conseils de Jack Krueger, l'un de l'art conceptuel des précurseurs dans la ville. Pendant cette période,, effectue une série de photographies de couleurs sur les métro et produit ses premières sculptures en acrylique. Revient au Brésil 1970. Il est victime d'un accident de voiture en 1975, et interrompu leur activité professionnelle pendant un an. Plus tard, dédié à la photographie en studio, crée des installations et effectue un travail photographique sur le thème lié à Candomblé et de la religiosité catholique. publier, autres, Ex-Votes Livres, 1986, Sauveur, 1999, LAROYE, 2000, Sur la terre sous mes pieds, 2003, Le tigre et la Dahomey – A Serpente Whydah, 2004. Reçoit le Prix national de la Fondation nationale des Arts Photographie – Funarte, à 1996, o Price Waterhouse, Panorama de l'art brésilien du musée de São Paulo d'Art Moderne – MAM / SP, à 1997; et le meilleur photographe de l'année d'attribution de l'Association pauliste des critiques d'art – APCA, Sao Paulo, à 1980, 1995 et 2005.

Montez Magno (Timbaúba, EN, 1934)

Peintre, sculpteur, intermedia artiste, écrivain et illustrateur. Dessin et peinture étudié, entre 1953 et 1966. En 1957, sa première exposition solo à l'Institut des architectes du Brésil, à Recife. À partir de 1960, publie des articles et de l'art sur la recherche dans les journaux brésiliens. Devenir membre de l'Institut de culture hispanique 1963 et 1964, vous permettant de voyager à travers plusieurs pays d'Europe. Avec le prix reçu au I mondial Hall of Nord-Est, voyages d'études en Europe et en Algérie 1975. Retour au Brésil, enseigne la sculpture à l'Université fédérale de Paraíba. Illustré le livre Le Diable la veille de Noël, Osman Lins, et plusieurs livres de sa propre.

Sérvulo Esmeraldo (Crato, CE, 1929 – Forteresse, CE, 2017)

sculpteur, flûte à bec, Illustrator, peintre. Au début de sa carrière artistique, dédié à la gravure sur bois. À partir de 1947, à Fortaleza, assiste à la Société Cearense des arts plastiques (SCAP) et reste en contact avec Paula INIMA (1918-1999), Antonio Flag (1922-1967) et Martins Aldemir (1922-2006). Au cours de cette période ont des cours de peinture avec Jean-Pierre Chabloz (1910-1984). En 1951 Il travaille à l'assemblage de la 1ère Biennale Internationale. Après la clôture de la Biennale, prend résidence à São Paulo, exerce la fonction de l'enregistreur et l'illustrateur dans Correio Paulistano et est en contact avec Marcelo Grassmann (1925) et Livio Abramo (1903-1992). En 1956, a fondé le Musée de la Gravure, dans la ville de Crato, Ceará. En 1957, effectue individuels au Musée d'Art Moderne de Sao Paulo (MAM / SP) et voyages en Europe avec la bourse du gouvernement français. Em Paris estuda litografia na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts [Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts] et a accès à des œuvres rares de la Bibliothèque Nationale de France, vous permettant d'étudier les gravures d'Albrecht Dürer (1471-1528) pendant deux ans. Avec les conseils Johnny Friedlaender (1912-1992), commence son travail de gravure, publié par les éditeurs européens. Au milieu des 1960, intègre le mouvement de l'art cinétique, lors de l'exécution des travaux excitables – peintures et objets alimentés par l'électricité statique. Revient au Brésil 1978, fixe à Fortaleza et est dédié à l'art public. Idéalise à Fortaleza Salon International de Sculpture Ephémère, qui est conservateur 1986 et 1991.

Paul Azeco (Goiania, GO, 1983)

Goias, 35 ans, diplôme en arts visuels – Conception graphique de l'Université fédérale de Goiás, en mettant l'accent sur la photographie moderniste brésilienne. Il a travaillé avec Thomaz Farkas. Spécialiste en arts appliqués de l'Ecole Boulle à Paris et diplômé en curating et muséologie. En 2011, développe projet curatorial de Odd Gallery, à São Paulo, et 2012 inaugure l'Office Art Gris, en mettant l'accent sur l'art contemporain et l'échange artistique entre le Brésil et la Belgique. Il a travaillé pendant dix ans dans le groupe Micasa, Il a été directeur artistique de la Galerie Houssein Jarouche. Agit comme un conservateur indépendant.

galerie de base

fondée par Daniel Maranhão et Fernando Ferreira de Araújo à 2016, la galerie a participé à des foires, élargi son siège et, au mois de mars 2017, a ouvert son espace actuel. Daniel a ouvert la GaleriaSete, à 2012, à Recife. Fernando est un collectionneur d'art et artiste, agit également comme marchand d'art depuis son arrivée à New-York, à 2003. Pour créer la galerie de base, Ils ont pour but d'agir à la fois dans le secteur primaire, avec des représentants de nouveaux artistes et de faire des expositions dans son espace, participer à des foires nationales et internationales, ainsi que le travail avec des œuvres d'artistes établis, contenue dans sa collection.

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