Nuova galleria raccoglie base collettiva 15 artisti Nordestinos

“Il punto di osservazione non è lo stesso di vedere "mette in evidenza una produzione brasiliana che dialoga con l'altro attraverso un punto di vista regionalista e un linguaggio contemporaneo

La Galleria Base inaugura “Il punto di osservazione non è la stessa come vedere”, composta por 32 funziona - collage, grafica, Stampe, fotografie e dipinti – di Abraham Palatnik, Almandrade, Antonio Dias, Christian Cravo, Emanoel Araújo, Falves Silva, José Cláudio, José Rufino, Macaparana, Marcelo Silveira, Márcio Almeida, Marco Ribeiro, Mario Cravo Neto, Montez Magno e Sérvulo Esmeraldo, sotto la curatela di Paul Azeco. La stampa ha fatto riferimento al concetto di ipermodernità proposto dalla filosofo francese Gilles Lipovetsky, e sovvertire qualsiasi nozione regionalista, raccoglie 15 artisti di diverse generazioni del nord-est, quale, ciascuna a suo modo, Hanno un arte globale, contemporanea e contestualizzata.

In questa nuova collettiva di la galleria di base, Si distingue una produzione brasiliana che dialoga con l'altro attraverso un linguaggio contemporaneo, che rappresenta un'arte universale e coerente con il vostro tempo. Opere create dalle radici di questi artisti, e che rende un immaginario visivo raffinato e distintivo. "Se all'inizio del secolo scorso, in risposta alla Art Week Moderna (1922), abbiamo avuto la 'fase eroica' con i movimenti del PauBrasil (1924), VerdeAmarelo (1926) e Antropofágico (1928), risultato dei primi due equazione, 90 anni dopo la produzione artistica brasiliana fluisce naturalmente modo simbiotico. Si può dire che, sempre in base alla fantasia popolare, è una delle regioni dove l'estetica forza è forse la più forte erano venuti con la sua influenza regionale senza essere intrinseca, necessariamente, regionale", Commenti Paul Azeco.

"Il punto di osservazione non è la stessa come vedere"Si riferisce a uno sguardo eurocentrico che ha prevalso nel nostro paese da diverse generazioni, ispirato alla cultura europea e incentrata sulla produzione di élite artistica concentrata nel sud-est, e per anni non ha visto o giocato giù la ricchezza di artisti nel nord-est del Brasile – regione da cui è venuto alcuni dei nomi più ampiamente riconosciuto, come Antonio Dias, Marcelo Silveira e Sérvulo Esmeraldo.

Prendendo ipermodernità come un miglioramento della cultura moderna, il nuovo mass media, e soprattutto l'equivoco sempre più collegato, mentre la solitudine rimane la più grande sensazione, notiamo che la produzione di questi artisti nordest del Brasile è in linea con questo concetto. In questo senso, i punti salienti curatore: "Molti degli artisti della mostra hanno forti carriere internazionali, dimostrando che la comunicazione di massa e del villaggio globale può infatti essere di grande valore nella produzione artistica. tuttavia, E 'importante notare che questo è valido quando l'occhio attento a te stesso prima di vedere il mondo e, esso, i nomi di tale esposizione ha fatto magistralmente. Una mostra di colleghi artisti che abbraccia un mondo".

Esposizione: “Il punto di osservazione non è la stessa come vedere”

Artisti: Abraham Palatnik, Almandrade, Antonio Dias, Christian Cravo, Emanoel Araújo, Falves Silva, José Cláudio, José Rufino, Macaparana, Marcelo Silveira, Márcio Almeida, Marco Ribeiro, Mario Cravo Neto, Montez Magno e Sérvulo Esmeraldo

A cura di: Paul Azeco

Coordinamento: Fernando Ferreira de Araujo e Daniel Maranhão

Apertura: 20 Ottobre 2018, Sabato, il 15 às 18h

Periodo: 22 Ottobre a 23 Novembre 2018

Local: la galleria di base – www.galeriabase.com/

Indirizzo: AV. 9 Luglio, 5593/11 - Jardim Paulista – São Paulo/SP

Telefono: (11) 3071-3614

Orari: Dal martedì al venerdì, il 14 às 19h; Sabato, solo su appuntamento - contato@galeriabase.com.br

Numero di opere: 32

Tecniche: Collage, grafica, Stampe, fotografie e dipinti

Dimensioni: vario

Prezzo: di R$ 8.000,00 R $ 350.000,00

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Ufficio Stampa – Comunicazione Balady – Silvia Balady/ Zeca Florentino
Telefono: (11) 3814.3382 - contato@balady.com.br

Abraham Palatnik (Natale, Rio Grande do Norte, 1928)

artista cinetico, pittore, progettista. In 1932, trasferito con la sua famiglia per la regione in cui, attualmente, si trova o lo Stato di Israele. Di 1942 al 1945, studi tecnici nella scuola Montefiori a Tel Aviv ed è specializzata in motori a combustione interna. Inizia i suoi studi d'arte nello studio del pittore Haaron Avni (1906-1951) e scultore Sternshus e studiare estetica con Shor. Frequenta l'Istituto Comunale d'Arte di Tel Aviv, fra 1943 e 1947. Ritorna al Brasile 1948, e si stabilì a Rio de Janeiro. Coesiste con artisti Ivan Serpa (1923-1973), Hiroshige (1925) e Almir MAVIGNIER (1925). Con quest'ultimo frequenta la casa di Mario Pedrosa critico d'arte (1900-1981) e conosce il lavoro del Dr. Nise da Silveira (1905-1999), Ospedale Psichiatrico di Engenho de Dentro. Il contatto con gli artisti e le discussioni concettuali con Mario Pedrosa rendere rottura Palatnik ai criteri convenzionali di composizione, lasciare il pennello e il figurativo e andare per più libere relazioni tra forma e colore. Per Volta 1949, inizia studi nel campo della luce e movimento, conseguente apparato cinechromatics, cui al 1951 1 ° Biennale Internazionale di San Paolo, dove ha ricevuto la menzione d'onore dalla giuria internazionale. In 1954, integra Anteriore Gruppo, al fianco di Ivan Serpa, Gullar (1930), Mário Pedrosa, Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988) e altri. si sviluppa da 1964 gli oggetti cinetici, un dispiegamento di kinechromatic, mostra il meccanismo interno di funzionamento e sopprimendo la proiezione di luce. Il rigore matematico è una costante nella sua opera, agendo come un importante spazio caratteristica smistamento. E 'considerato a livello internazionale uno dei pionieri dell'arte cinetica.

Almandrade (San Filippo, BA, 1953)

Vive e lavora a Salvador, Bahia. Artista, architetto, in master progettazione urbana, poeta e docente di teoria dell'arte delle botteghe artistiche del Museo d'Arte Moderna di Bahia e Palazzo delle Arti. Ha partecipato a diverse mostre collettive, tra elas: XII, XIII e XVI Biennale; "Alla ricerca del Essenza" - speciale spettacolo XIX Biennale; IV Sala Nazionale; Universe Calcio (MAM / Rio); Fiera Nazionale (S.Paulo); II Paulista Sala, Prima Esposizione Internazionale di Scultura effimera (Fortezza); I Salon Baiano; II National Hall; Menzione d'onore nel Studentato I 1972. Collettivi poesie visive integrati, progetti multimediali e impianti in Brasile e all'estero. Ha tenuto una trentina di mostre personali in diversi stati. Ha opere in diverse collezioni pubbliche e private, come: Museo d'Arte Moderna di Bahia, Museu Nacional de Bellas Artes (Rio de Janeiro), Il Museo della città (Salvatore) e Municipale Pinacoteca de São Paulo, Museo africano (Sao Paulo), Museo di Rio Grande do Sul Arte e Brasile Godlen Art.

Antonio Dias (Campina Grande, PB, 1944 – Rio de Janeiro, RJ, 2018)

artista visivo e multimediale. Trascorre la sua infanzia in altre città in Nordest del Brasile e imparare le tecniche di disegno con il nonno. In 1958, si trasferisce a Rio de Janeiro e lavora come designer e grafico. La sua prima mostra personale ha luogo in 1962, in Sobradinho Galleria, Rio de Janeiro. Partecipa alle mostra vista 65, l'emergere nel marzo del nuovo realismo nelle arti. Nello stesso anno, collezionisti e il critico francese Pierre Restany (1930-2003) organizzare un giorno individuo al 4 ° Biennale di Parigi. Durante questo periodo, produce opere su videotape, distribuito da l'Archivio Storico della Biennale di Venezia. In 1968, Si è assunto da Studio Marconi, a Milano, dove si incontrano l'arte povera1. In 1972, riceve una borsa di studio Guggenheim, em Nova York. Tornato in Europa, E 'invitato dall'artista tedesco Joseph Beuys (1921-1986) di coordinare la sezione latino-americana della Free International University (FIU). In 1974, Produce una grande installazione nel Museo d'Arte Moderna, Rio de Janeiro (MAM/RJ). L'anno successivo, PARTECIPA fare Festival of Media Expanded, a Belgrado, Serbia, com L'illustrazione di arte: Economia. In 1977, reca in Nepal e ricerca di carta tecniche produttive, con conseguente serie di opere di grande formato e la Trama album pubblicazione. In 1978, esegue ambienti con tecniche cinematografiche a Palazzo Reale di Milano e mostre d'arte & Cinema, Venezia. In Brasile, coordina il Centro d'Arte Contemporanea della Università Federale di Paraíba (NAC / UFPB), accanto al critico Paulo Sergio Duarte (1946). Torna a Milano in 1981 e approssima il movimento Transavanguardia. In 1988, é Servizio bolsista fare tedesco Scambio Accademico (DAAD), a Berlino. In 1992, torna-se professore da Internazionale Sommerakademie di Belle Arti, a Salisburgo, Austria. L'anno successivo, leciona na Stato Accademia di Belle Arti, a Karlsruhe, Germania, e, il 1997, nel corso di laurea di Ateliers Arnhem, na Holanda. In 2010, Si trasferisce a Rio de Janeiro, dove procede intensa produzione.

Christian Cravo (Salvatore, BA, 1974)

madre danese e padre brasiliano, E 'stato creato in un ambiente artistico in Salvador, Bahia. E 'stato introdotto nelle arti fin dalla tenera età. Tuttavia, appena iniziato i suoi esperimenti con la tecnica fotografica a undici anni, mentre vive in Danimarca, dove ha trascorso tutta la sua adolescenza. In 1993, interrompe la sua ricerca fotografica di svolgere il servizio militare nella difesa danese. Con ventidue anni, di nuovo al suo nativo Brasile, quando si inizia a essere profondamente mescolato con la fotocamera. Nel corso degli ultimi venti anni, Christian ha potuto vedere il loro lavoro riconosciuto, non solo a livello nazionale, ma anche a livello internazionale, attraverso mostre presso il Museo d'Arte Moderna di Bahia, a Throckmorton Fine Art di New York, Billedhusets in Galeri a Copenaghen, il Ministero della Cultura a Brasilia, Tomie Ohtake Istituto e Museo Afro Brasile, sia a San Paolo ed a mostre collettive quali la Galleria Witkin a New York, S.F. Camera Works Gallery na Califórnia, la biennale Fotofest a Houston e al Palais de Tokyo di Parigi. Ha ricevuto riconoscimenti dal Museo d'Arte Moderna di Bahia, e fare Mother Jones Fondo Internazionale del Documentario Fotografia. Oltre alle borse di ricerca da parte della Fondazione Vitae e il John Simon Guggenheim Foundation per la sua ricerca sulle acque e la fede. In 2016 E 'stato premiato per APCA (Paulista Associazione dei Critici d'Arte) il miglior mostra fotografica 2015. E 'stato nominato per i premi internazionali come Paul Huff (Olanda 2007) e o Prix Pictet (Svizzera / Regno Unito, 2008 e 2015 e 2016). Il suo primo libro “Irredentos” È stato pubblicato in 2000 e 2005 e il suo secondo libro “Soho, città Métis” E 'stato pubblicato a Parigi, In caso contrario, por. Altri libri che sono scritti: “Nei Giardini di Eden” 2010, “Exú Illuminato” 2012, “GAROFANO CHRISTIAN”, edito dalla prestigiosa casa editrice Cosac & Naify in 2014 e “MARIANA” 2016. Attualmente vive a San Paolo, è sposato e padre di tre figlie.

Emanoel Araújo (Santo Amaro da Purificazione, BA, 1940)

scultore, progettista, Illustrator, costumista, registratore, scenografo, pittore, curatore e museologo. Imparare falegnameria con il maestro Eufrásio Vargas e funziona con linotype composizione e nella stampa ufficiale, a Santo Amaro da Purificazione, Bahia. Tiene la sua prima mostra personale in 1959. Nel 1960, si trasferisce a Salvador ed è entrato alla Scuola di Belle Arti della Università Federale di Bahia (UFBA), dove ha studiato incisione con Henrique Oswald (1918-1965). In 1972, E 'insignito della medaglia d'oro al 3 ° Biennale di Grafica di Firenze, Italia. riceve, l'anno successivo, il premio miglior scrittore, e, il 1983, il migliore scultore, Paulista Associazione dei Critici d'Arte (APCA). Tra 1981 e 1983, installa e gestisce il Museo d'Arte di Bahia (MAB), a Salvador, ed espone individualmente presso il Museo d'Arte di San Paolo Assis Chateaubriand (MASP). In 1988, Siete invitati a insegnare arti grafiche e scultura presso l'Arts College, na La City University di New York. Di 1992 al 2002, Ricopre la carica di direttore della Pinacoteca do Estado de São Paulo (PESP) ed è responsabile per il rilancio dell'istituto. Esso, fra 1995 e 1996, membro invitato la commissione per i Musei e il Consiglio federale per la politica culturale, creato dal Ministero della Cultura. Da 2004, E 'curatore e direttore del Museo afro-Brasile, a São Paulo, con opere della sua collezione.

Falves Silva (Cacimbas, PB, 1943)

E 'uno dei precursori del movimento di artisti Poem / Processo, al fianco di nomi come Moacyr Cirne, Wlademir giorni Pin, Alvaro de Sa Sa e Neide, la partecipazione a 1967 il suo manifesto inaugurale. In 1981 partecipa alla XVI Biennale di San Paolo del Brasile, a cura di Walter Zanini. Dal 1980, Si è associato con la rete internazionale di Mail Art, tenendo un dialogo intenso e proficuo con artisti di diverse generazioni e nazionalità, tra cui Jota Medeiros, Ivald Granato, Leonhard Frank Duch, Paulo Bruscky, Hudinilson Jr, Clemente Padin, Edgardo Antonio Vigo, Ulises Carrión e Horacio Zabala. Hanno il loro lavoro esposto nella mostra internazionale d'arte elettronica, Tokyo, Giappone, il 1984, e Mail Art Biennale II, Spagna, il 1999. più di recente, l'artista ha avuto una mostra personale "circle time", retrospettiva della sua carriera, presentato al São Paulo Cultural Center. La produzione Falves Silva può essere pensato come una convergenza dei due assi principali dell'arte brasiliana: movimenti artistici concettuali e concreti. I colloqui artista alla letteratura, cinema e fumetto; manipolando le strutture e le immagini della storia dell'arte e della comunicazione di massa comunicative, Falves Silva crea il suo lavoro, diversificando l'approccio e trattamento dei materiali che hanno eletto.

José Cláudio (Ipojuca, PB, 1932)

Pittore, progettista, registratore, scultore, critico d'arte e scrittore. In 1952, José Cláudio, lato Abelardo del Tempo (1924-2014), Gilvan femminile (1928-2013) e Wellington Virgolino (1929-1988), altri, fondato il Laboratorio Collettiva d'Arte Moderna Società di Recife (fusioni). Più tardi, a Salvador, José Cláudio è guidato da Mario Cravo Junior (1923), Carybé (1911-1997) e Jenner Augusto (1924-2003). Viaggi a San Paolo in 1955, che inizialmente lavora con Di Cavalcanti (1897-1976), anche studiando incisione con Livio Abramo (1903-1992) il Museo d'Arte Moderna Mestieri School di San Paolo (MAM / SP). Esegue carattere dipinti figurativi, raffigurante scene e paesaggi Northeast regionali; evitare, tuttavia, il carattere pittoresco per evidenziare il dialogo con l'astrazione, semplificazione formale, e l'uso gratuito della pennellata. Poema integra il movimento / processo (1967-1972) con la sua serie "Francobolli". In 1975, l'artista partecipa alla spedizione importante per l'Amazzonia, promossa dal Museo di Zoologia dell'Università di São Paulo (MZ / USP), la registrazione in vari disegni vari aspetti regionali del petrolio che ha portato nel libro "100 schermi, 60 giorni e un diario di viaggio ". Grandi mostre dell'artista: Paulista Salone d'Arte Moderna (1956) | Biennale internazionale di São Paulo (1957) | Biennale internazionale di São Paulo (1959) | Biennale internazionale di São Paulo (1961) | Biennale internazionale di São Paulo (1963) | Panorama dell'arte brasiliana – MAM (1969) | Panorama dell'arte brasiliana – MAM (1983) | Biennale internazionale di São Paulo (1985) | Panorama dell'arte brasiliana – MAM (1993) | Retrospettiva Exhibition - MEPE (2009) | Pernambuco Sperimentale - SEA (2015) | mostra francobolli, José Cláudio - MAMAM (2017) Francobolli - José Cláudio - Directory Project, la galleria di base, SP-Arte (2018).

José Rufino (João Pessoa, PB, 1965)

Vive e lavora a Singapore. Ha sviluppato il suo percorso artistico attraverso la poesia per la poesia-visiva e, quindi, per l'arte cartolina e disegni, negli anni 80. L'universo del declino delle piantagioni di canna da zucchero in Brasile ha condotto il suo lavoro iniziale su disegni e installazioni con mobili e documenti di famiglia e istituzionale. Figlio di attivisti politici arrestati dalla dittatura del regime militare brasiliano negli anni 60, l'artista è anche noto per le sue imponenti opere di carattere politico. Ultimamente, Ha fatto incursioni nel linguaggio cinematografico e sviluppa sempre più lavoro congiunti monotypes / mobili / oggetti e installazioni. Il dialogo dicotomico tra memoria e oblio contamina il loro lavoro tutto. In 2012 la partecipazione a SP-Arte, Una separazione delle acque na sala Contemporânea, il CCBB / Rio de Janeiro; In 2011, esposto il lavoro 28.01.79 Sabbia nel 12 ° Festival, Sand-PB; fuori la separazione delle acque, come artista ospite Energisa Premio per le Arti Visive, a João Pessoa-PB; In 2010, Aenigma esposto nella Galleria di Milano a San Paolo; Macchie & figments, no Museu Andy Warhol, em Pittsburgh, USA; e Fausto, il Palazzo di acclamazione, a Salvador. Ha partecipato alla 25 ° Biennale Internazionale di San Paolo e collettive quali percorsi contemporanei, nel Palazzo Imperiale (Rio de Janeiro), I AMBAS 2002; ARCO - Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea, a Madrid, Spagna, il 2001; e dell'Arte nel Mondo, Non Pont Alexandre III, Parigi, il 2000. Ha tenuto mostre personali in galleria Virgilio a San Paolo, nel corso dell'anno 2008; la Galleria Amparo 60 e il Museo di Arte Contemporanea (MAC) Niterói, il 2005; Valle Museo, Vila Velha - ES, il 2003; Adriana Penteado nell'arte contemporanea, Sao Paulo, il 1998; e culturale Sérgio Porto, Rio de Janeiro, il 1996. L'ultima ricerca dell'artista accordo con il fallimento irreversibile del corpo e ricordi.

Macaparana (José de Souza Oliveira Filho, Macaparana, PE, 1952)

Pittore, progettista e scultore. Autodidatta, Ha iniziato la sua carriera come pittore figurativo. Tiene la sua prima mostra personale a Recife, il 1970, la Galleria di Pernambuco Tourism Company (Empetur). In 1972, si trasferisce a Rio de Janeiro e 1973 per Sao Paulo, dove si stabilì definitivamente. per quasi 10 anni esposti nelle due città lavorano tematizzare l'ex-voto. In 1983, contatto con Willys de Castro (1926-1988), esponente del neoconcretismo e decisivo per il cambiamento nel loro lavoro. Prende parte alla 21 ° Biennale Internazionale di San Paolo in 1991. le sue mostre, individuale e collettiva, Sono stati a San Paolo, Rio de Janeiro, Reef, Brasilia, Messico, Giappone, New York e Londra. In 2009 esegue mostra personale di sculture, dipinti e disegni della Galleria Cayon, a Madrid, e partecipa alla collettiva Materia Gris, nella stessa galleria.

Marcelo Silveira (Gravesend, PE, 1962)

scultore. Cresce sui genitori fattoria, Engenho Amora Grande, e si trasferisce a Recife in 1979. Frequenta workshop Guaianases, Olinda, fra 1982 e 1985, dove ha iniziato la sua formazione artistica. Ha studiato educazione artistica presso l'Università Federale di Pernambuco – UFPE, fra 1985 e 1990. Durante questo periodo, apre studio a Gravesend, la sua città natale, e sviluppa le attività con i bambini nella regione. In 1990, Silveira effettua mostra personale Engenho oggetti, in Itaugaleria di Belo Horizonte, e visitare un Arthur Bispo do Rosario mostra (1911 – 1989), il Museo di Pampulha, che diventa un importante riferimento nel suo lavoro. Vive a Barcellona per tre mesi 1992, e frequenta la Scuola Massana di Arti. Negli anni 1995 e 1996, riprende la sua attività di educatore d'arte, iniziata con lo studio di Gravesend, lavorare con la creazione tridimensionale nelle università e nei centri culturali. In 2000, Silveira apre le Correcaminhos progetto, con la quale trasferisce il suo studio a diverse città del Pernambuco interni e scambiare informazioni con gli artigiani che trova. partecipa, il 2005, l'Anno del Brasile in Francia e 5 ° Biennale di Mercosul, a Porto Alegre.

Márcio Almeida (Reef, PE, 1963)

Vive e lavora a Recife. artista multimediale, Ha iniziato la sua carriera alla fine degli anni 1980 e, da, sviluppa il suo lavoro utilizzando vari media: dipinti, grafica, Stampe, oggetti, fotografie, video, strutture, tra cui alcuni per interventi urbani. Nel tuo percorso, mostre personali e collettive in attesa, in musei e gallerie in Brasile e all'estero. Sue opere figurano nelle collezioni di importanti istituzioni in Brasile, come: Pinacoteca do Estado de São Paolo, Museo di arte moderna – MAM / SP (Gruppo Carico e scarico) Comodato – Museo di Santa Catarina, Museum of Modern Art Aluizio Magalhães. Mamamia - Recife / PE, Museo d'Arte Contemporanea di Rio Grande do Sul - MACRG - Porto Alegre / RS, Sea Dragon Museum of Contemporary Art – Fortaleza / CE, Museo d'Arte di Rio de Janeiro - SEA – Rio de Janeiro/RJ, Centro Cultural São Paulo - São Paulo / SP.

Marco Ribeiro (Guanambi, BA)

Ci 16 firmato anni di residenza a Fortaleza. Ha lavorato come designer e art director e dal 2015 dedicata esclusivamente al mestiere artistico. Sul ruolo, l'artista crea opere d'arte in varie tecniche come il disegno a penna e acquerello, picture ampliato, una scultura, esperimenti con linea cemento e cotone. Evidenziare la serie Scritti di Costanzo (2016/2017), Punto di fuga (2016/2017), linee Projetantes (2017), Ho scritto lettere a me (2017) e il progetto Desconcreto (2015/2016). Si è dedicato anche al corso di Architettura e Urbanistica, scelta che interagisce attivamente con il materiale illustrativo. integrato, il 2015, la mostra collettiva Elementa, ha presentato la sua serie Mineralia, in Contemporarte Galleria, a Fortaleza / CE, il 2017, Connessioni di esposizione, la Galleria Vicente Leite e XIX Unifor plastica, sia nella capitale del Ceará. In 2016, tenuto due mostre personali: omonimo, Galeria na Karla Osorio (Brasilia / BSB), e strutturale, in Contemporarte Galleria.

Mario Cravo Neto (Salvatore, BA, 1947 - Salvador, BA, 2009)

Fotografo, scultore e designer. Riceve le prime linee guida nel campo della progettazione e della scultura del padre, Mario Cravo Junior. Ad accompagnare il padre, Que PARTECIPA fare programa Artisti in Residence, sponsorizzato dalla Fondazione Ford, viaggi a Berlino 1964. In questa città tiene in contatto con l'artista italiano Emilio Vedova e il fotografo Max Jakob. In 1968, si trasferisce a New York e ha studiato presso l'Arts Students League, con la guida di Jack Krueger, uno dell'arte concettuale dei precursori in città. Durante questo periodo, esegue una serie di fotografie di On colori metropolitana e produce le sue prime sculture acriliche. Ritorna al Brasile 1970. Soffre di un incidente d'auto nel 1975, e interrotto la loro attività professionale per un anno. Più tardi, dedicato alla fotografia in studio, crea installazioni e svolge lavoro fotografico a tema relative al Candomblé e la religiosità cattolica. pubblicare, altri, Ex-Voti libri, 1986, Salvatore, 1999, Laróyè, 2000, Sulla terra sotto i miei piedi, 2003, La tigre e la Dahomey – Un Serpente Whydah, 2004. Riceve il Premio Nazionale della Fondazione National Arts Fotografia – Funarte, il 1996, o Price Waterhouse, il panorama dell'arte brasiliana di São Paulo Museum of Modern Art – MAM / SP, il 1997; e il miglior fotografo del premio di anno della Associazione Paulista dei Critici d'Arte – APCA, Sao Paulo, il 1980, 1995 e 2005.

Montez Magno (Timbaúba, PE, 1934)

Pittore, scultore, artista intermedia, scrittore e illustratore. Studia disegno e pittura, fra 1953 e 1966. In 1957, tiene la sua prima mostra personale presso l'Istituto degli Architetti del Brasile, a Recife. Dal 1960, pubblica articoli e dell'arte sulla ricerca sui giornali brasiliani. Diventa membro dell'Institute della cultura ispanica 1963 e 1964, che consente di viaggiare attraverso diversi paesi in Europa. Con il Premio ha ricevuto presso la Sala I globale del nord-est, si reca in studi europei e Algeria 1975. In Brasile, insegna scultura presso l'Università Federale di Paraíba. Illustrato il libro Il diavolo nella notte di Natale, Osman Lins, e diversi libri della propria.

Sérvulo Esmeraldo (Crato, CE, 1929 – Fortezza, CE, 2017)

scultore, registratore, Illustrator, pittore. All'inizio della sua carriera artistica, dedicata alla xilografia. Dal 1947, a Fortaleza, frequenta la Società Cearense delle arti plastiche (SCAP) e mantiene in contatto con Paula Inima (1918-1999), Antonio Flag (1922-1967) e Aldemir Martins (1922-2006). Durante questo periodo hanno corsi di pittura con Jean-Pierre Chabloz (1910-1984). In 1951 Funziona per il montaggio della prima Biennale Internazionale. Dopo la chiusura della Biennale, la sua residenza a San Paolo, esercita funzione registratore e illustratore Correio Paulistano e ha contatto con Marcelo Grassmann (1925) e Livio Abramo (1903-1992). In 1956, fondato il Museo di Incisione, nella città di Crato, Ceará. In 1957, individuo compie presso il Museo d'Arte Moderna di San Paolo (MAM / SP) e viaggia in Europa con la borsa di studio del governo francese. Em Parigi estuda litografia na Scuola Nazionale di Belle Arti [Scuola Nazionale di Belle Arti] e ha accesso a opere rare della Bibliothèque Nationale de France, che consente di studiare le incisioni di Albrecht Dürer (1471-1528) per due anni. Con la guida di Johnny Friedlaender (1912-1992), inizia il suo lavoro incisione, pubblicato da editori europei. A metà degli anni 1960, integra il movimento dell'arte cinetica, durante l'esecuzione delle opere eccitabili – dipinti e oggetti alimentati da elettricità statica. Ritorna al Brasile 1978, fisso a Fortaleza ed è dedicato all'arte pubblica. Idealizza a Fortaleza la Mostra Internazionale di scultura effimera, che è curatore 1986 e 1991.

Paul Azeco (Goiania, GO, 1983)

Goias, 35 anni, laurea in Arti Visive – Graphic Design presso l'Università Federale di Goiás, con particolare attenzione alla fotografia modernista brasiliana. Ha lavorato con Thomaz Farkas. Specialista in Arte Applicata dalla Ecole Boulle di Parigi e laureato in curatela e museologia. In 2011, sviluppa progetto curatoriale di Odd Galleria, a São Paulo, e 2012 inaugura l'Ufficio Gris Art, concentrandosi su arte contemporanea e lo scambio artistico tra il Brasile e il Belgio. Ha lavorato per dieci anni nel gruppo Micasa, E 'stato direttore artistico della Galleria Houssein Jarouche. Agisce come curatore indipendente.

la galleria di base

fondata da Daniel Maranhão e Fernando Ferreira de Araújo il 2016, la galleria ha partecipato a fiere, ampliato la propria sede e, nel mese di marzo 2017, aperto il suo spazio corrente. Daniel ha aperto la GaleriaSete, il 2012, a Recife. Fernando è un collettore di arte e artista, agisce anche come Commerciante d'arte dopo l'arrivo a New York, il 2003. Per creare la Galleria di Base, Hanno lo scopo di agire sia nel settore primario, con la rappresentazione da nuovi artisti e le mostre che fanno nel suo spazio, la partecipazione a fiere nazionali ed internazionali, così come il lavoro con opere di artisti affermati, contenuta nella sua collezione.