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Moderne Kunst - Abstrakter Expressionismus von Rosângela Vig

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Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig ist Rosângela Bildender Künstler und Lehrer Kunstgeschichte.

Sie haben diese Ausdrücke bereits gehört oder sogar angewendet: 'Oh, was für eisige Farbe!’, Sie haben den Eindruck, dass die Gletscherluft im Winter durch ein offenes Fenster hereinkommt. Und unser ganzer Körper zittert. Eine korrekte Anwendung von „warmen“ „Tönen“ und „Klängen“ bietet dem Maler und Komponisten jedoch die schöne Möglichkeit, warme Werke zu schaffen. (KANDINSKY, 1970, p. 73)

Kunst ist eine delirante Reise durch die Welt der angenehmen Empfindungen, die durch die Wertschätzung von Farben und Formen verursacht werden. Es ist, als würde das Auge in einer köstlichen Suche nach Linien suchen, Punkte finden, versteckt sich unter dichten und dünnen Oberflächen. Auf dieser Reise distanziert sich der Betrachter von der realen Welt, dringt in die ätherischen Dimensionen ein und führt seinen neugierigen Geist durch sie hindurch, Ihr begeisterter Blick und Ihr kreativer Verstand. So muss die Betrachtung der Kunst, so sollte der Genuss sein.

Und vielleicht ist dieser Akt des Genießens sehr intensiv Arte Abstrata, weil der Geist frei von dem realen Objekt ist und sich spontan durch diese Dimensionen bewegt. Wahre Kunst ermöglicht es der Seele, diese Pilgerfahrten für andere Zeiten verfügbar zu machen, für andere mögliche Räume. Es ist Sache des Betrachters, diese innere Essenz zu erwecken und dem Geist zu erlauben, durch die warmen oder kalten Töne eines Gemäldes zu reisen; durch das glatte Gesicht, dicke oder raue Skulptur; oder lassen Sie einfach die Seele auf den Noten eines Liedes betrinken, wie du uns sagst Kandinsky, in Ihrem Zitat. Und es muss daran erinnert werden, dass der Schriftsteller auch der größte Vertreter der Abstrakten Kunst war und seine Arbeit eine starke Verbindung zur Musik hatte.

Kandinskys Abstraktionismus, des frühen 20. Jahrhunderts überquerte Grenzen und kam in New York an, uns die Vereinigten Staaten für ein Jahrzehnt 30, als sich dort die ersten Künstler dem Stil anschlossen. Während dieser Zeit, Das Land litt unter der Weltwirtschaftskrise und den beiden Weltkriegen, was viele dazu brachte, sich an den sozialen Realismus in der Malerei zu halten, mit Themen, die sich auf Leiden konzentrieren. Viele von ihnen überlebten dank eines staatlichen Hilfsprogramms für Kunst. In den Jahren 1940, Diese Künstler begannen ihre Reise durch einen Stil, der sich von politischen Themen distanzierte, vor ästhetischer Freiheit. Hinzu kommt, dass viele berühmte europäische Künstler und Intellektuelle in die USA gezogen sind, Flucht vor dem Zweiten Weltkrieg (1939-1945), einschließlich Salvador Dali (1904-1989), Piet Mondrian (1872-1944) und Fernand Léger (1881-1955). Und New York war auch die Ausstellungsbühne für viele Vertreter der europäischen Moderne, Dies war eine Inspiration für amerikanische Künstler, die ihre Sprache innovieren wollten.

Nach dem Zweiten Weltkrieg als Großmacht auftauchen, Die Vereinigten Staaten hatten jetzt eine große Belegschaft, aufgrund der Einwanderung; großer Reichtum an natürlichen Ressourcen; und stabile Wirtschaft. Paris wurde durch New York als Zentrum der modernen Kunst ersetzt.

In diesem fruchtbaren Kontext, Raum wurde für einen neuen Stil geöffnet, der in entstand 1946, mit Themen voller Emotionen, mit der Valorisierung der Individualität, der freien Meinungsäußerung und Improvisation. Die New Yorker Schule, wie der Stil genannt wurde, von den abstrakten Expressionisten selbst, war der erste Satz in der amerikanischen Malerei, der international anerkannt wurde.

Die Farb- oder Formbeziehung ist mir egal, Ich bin nur daran interessiert, grundlegende menschliche Emotionen auszudrücken. (ROTHKO in MACK, 2014, p. 354)

Organische Architektur

Die Architektur der Jahre 1940 Es hatte die Vereinigten Staaten als Bühne und war durch Frank Lloyd Wrights Organismus gut vertreten 1 (1867-1959), gegen Rationalismus. Die Hauptidee war, die Konstruktion an den Ort zu integrieren, an dem sie sich befand, als ob die Natur die Arbeit beschützt und angenommen hätte, damit es sich in seine Mitte einfügt. Die endgültige Form der Konstruktion war abstrakt, ausdrucksstark und voller Bewegungen. Obwohl dieser Stil in den Vereinigten Staaten entstanden ist, Einfluss auf die europäische Architektur.

Und das Guggenheim Museum 2 und 3 In New York befand sich eines von Wrights Gebäuden, in denen der organische Stil geformt wurde. Eingebaut 1959, Das Gebäude entsteht mit Bewegung mitten in der geschäftigen Stadt (Feige. 1), wie ein Band, das sich von einer riesigen Spule abwickelt. UND, wenn die Fassade elastisch erscheint und sich bewegt, Sein Innenraum ist nicht anders. Innerhalb, Der letzte Eindruck ist, dass Sie sich in einer großen Spirale befinden, wo man frei rutschen kann, Freude an der Kunst, die man sehen kann. Vielleicht war das die Absicht des Architekten bei der Gestaltung des Museums.

Unter den vielen Wright-Projekten befindet sich immer noch Casa da Cascata 4 auch in den Vereinigten Staaten, im Bundesstaat Pennsylvania, wo die Idee des Bauens zur Anpassung an die Natur und ihre Umwelt verstärkt wird. Das Haus taucht aus einem Wasserfall auf, wo sie selbst eingefügt zu sein scheint. Wasser fließt heraus, als ob es zur Arbeit gehörte.

Skulptur

Alma denkt über den Rutilmorgen nach
Öffnen Sie diese Farbmischung oben
Geheimnis unerheblich, aber gezähmt
Ursprüngliches Gefühl von Dampf und Hintergrundfeuchtigkeit
Durch die Flammen verlagerte Gelenke
Abgeflachte Seufzerreibung
Abgestürzte Linien reißen den Abgrund auf
Spiralbindung, die die Ares spaltet.
(KANDINSKY, 1991, p. 67)

Mit metaphorischen Werken und voller Bewegung und Innovationen auf dem Gebiet der Ästhetik, große Bildhauer stachen im abstrakten amerikanischen expressionistischen Stil heraus, darunter Isamu Noguchi (1904-1988); und die bemerkenswerten Frauen, die Teil der Gruppe der Künstler des Stils waren, einschließlich Louise Nevelson (1899-1988), Mary Callery (1903-1977) e Dorothy Dehner (1901-1994).

Wie riesige Kathedralen, obskur, ungenau und abstrakt, die skulpturalen Wände (Skulpturale Wände) de Louise Nevelson 5 (Feige. 2) ähneln gotischen Gebäuden; Erhebe dich zum Himmel, schlank, umsichtig, einfarbig, in strengen Tönen, als ob sie lautlos hoch beten würden. Seine riesigen Installationen und Teile bestehen aus Holzkisten, gefüllt mit Gegenständen aus dem gleichen Material im Inneren, alles vom Künstler entfernt und gesammelt, von städtischen Objekten. Beeinflusst von Marcel Duchamp, Louise Nevelsons Skulptur nahm die Idee vorweg, in der Umwelt weggeworfene Materialien wiederzuverwenden.

Mary Callery wiederum prägte Freiheit und Bewegung in ihre Werke ein. Es blieb in deiner Skulptur, der scharfe Eindruck der Moderne und, in vielen seiner Stücke, druckte die Leichtigkeit und anmutige Geste, als ob sich die schlanken und schlanken Charaktere in einem langsamen Ballett zart bewegten. Wenn Sie genau hinschauen, wer es schätzt Kunst, Im Hintergrund erklingt klassische Musik, wie ein stilles Orchester, in welchen Geigen, Klaviere und Dirigent diktieren abwechselnd die Schritte des Tanzes.

Malerei

Ich male so, weil ich immer mehr Elemente hinzufügen kann - dramatisch, Schmerzen, Zorn, Liebe, eine Figur, ein Pferd, meine Raumkonzepte. (DER KOON in MACK, 2014, p. 351)

Ich komme aus Armenien in 1920, Arshile Gorki (1904-1948) war unter europäischen Künstlern und Intellektuellen, die von Europa in die USA migrierten, Flucht vor Krieg. Gorkys abstrakter expressionistischer Stil (Feige. 3) diente als Brücke zwischen europäischer Avantgarde und amerikanischen Malern, immer noch von der Kultur der Zeit beeinflusst, für die Literatur, durch Hollywood-Kino und eine Zeit des Kriegsendes. Hinzu kommt die Nichtübereinstimmung mit dem Traditionellen in der Ästhetik; ein negatives Urteil in Bezug auf Kapitalismus und Technologie.

Das Ergebnis war freie Meinungsäußerung, Improvisation und Werke voller Emotionen und moralischer Themen, mit der Wertschätzung des Einzelnen. Der Stil führte dazu, dass eine erste Generation amerikanischer Künstler internationale Anerkennung erlangte. Unter diesen Künstlern, große Frauen entstanden 6 dass, im Gegensatz zu seiner Zeit, ging weiter und eroberte ihren beruflichen Raum, sich auf dem Gebiet der Malerei und Skulptur zu beweisen. Unter ihnen stachen die Maler hervor Anne Ryan (1889-1954), Feine Perlen (1905-1988), Lee Krasner (1908-1984), Agnes Martin (1912-2004), Mary Abbott (1921-2019), Joan Mitchell (1925-1992) und Helen Frankenthaler (1928-2011). Mark Rothkos Namen waren ebenfalls von großer Bedeutung (1903-1970), Adolph Gottlieb (1903-1974), Arshile Gorki (1904-1948), Clyfford immer noch (1904-1980), Willem de Kooning (1904-1997), Barnet Newman (1905-1970), Jackson Pollock (1912-1956) e Ad Reinhardt (1913-1967).

Im Bildstil von Jackson Pollock 7, Action Paint wurde zugewiesen oder “Action Painting" auf Englisch, vom Kunstkritiker der Zeit, Harold Rosenberg (1906-1978). Seine differenzierte Technik (Feige. 4) bestand darin, den riesigen Bildschirm auf den Boden zu stellen und, über sie, schießen oder tropfen Sie die Farbe nach dem Zufallsprinzip, Körperbewegungen gehorchen, der Arme. Es ist, als hätte der Künstler Flügel erworben und schwebte oder flog mit einem riesigen Pinsel, der in Tinte getaucht war, über die imaginäre Szene, in einem köstlichen Witz, wo nur Interlaced-Farben wichtig sind. Das Ergebnis ist eine schöne Textur, in der Weiß, schwarz, grau, red, Gelb und so viele andere Farben wechseln sich ab, einen bunten Garten bilden, in dem es möglich ist, Schatten wahrzunehmen, Mittel, überlappende und versteckte Töne, als ob es eine Handlung im künstlerischen Objekt gibt, ähnlich einem beweglichen Stoff.

Mit einem raffinierteren Stil, Lee Krasner (Feige. 5) erhielt große Bedeutung im Abstrakten Expressionismus. Verheiratet mit Jackson Pollock, Die beiden behielten ihre Ateliers 8 auf der Springs Farm 9 wo sie lebten, em East Hampton, NY. Während Krasner in einem Raum im Haus arbeitete, Pollock hielt sein Studio in der Scheune. Sogar der Linie des Abstrakten Expressionismus folgend, Die Werke beider erhielten unterschiedliche Merkmale. Sie hat sogar mit Collagen gearbeitet, Viele seiner Werke sind lebendig und intensiv, mit gut gefüllten Farbfeldern und einem spürbaren Matisse-Einfluss (1869-1954).

Auch unter dem Einfluss von Matisse, Mark Rothko 10 (Feige. 6) kümmerte sich um die Farbfelder, oft mit starken Farbtönen, kontrastierenden, inmitten geometrischer Formen, wer schien zu versuchen, sich gegenseitig Platz zu nehmen. Türen und Fenster zum Schließen und Öffnen gemacht, Seine Farben sind verschwommen, was auf Nebel über der Arbeit hindeutet, als ob die Schärfe des Tons durch einen weichen Nebel weiß wird. Das Ergebnis ist eine Szene voller Emotionen und Spiritualität, die im Auge des Betrachters auftauchen, in seinem Versuch, die Farbe zu enthüllen, die von diesem Schleier verhüllt wird.

Instinktiver und irrationaler, zur Arbeit von De Kooning 11 ist näher an einer deformierten Realität, turbulente, akzentuiert durch die heftigen Gesten des Künstlers auf der Leinwand, mit plötzlichen und zufälligen Schlägen. Dein Stil, innerhalb des Abstrakten Expressionismus ist explosiv und unerwartet, verlassen die shows, vielleicht die Entartung der Gesellschaft.

De Koonings respektloser Stil hatte großen Einfluss auf die Arbeit des Künstlers Jorge Guinle (1947-1987), no Brasil, in Ihren Jahren Produktion 80. Geboren in New York, Der Künstler kam im selben Jahr seiner Geburt mit seiner Familie nach Brasilien. Er zog zurück nach New York, lebte auch in Paris, wo er Kontakt mit Art hatte, war Autodidakt. Es gibt einen klaren Einfluss von Matisse, in der lebendigen Farbe seiner Arbeit und Action Painting zwei Americas. In Ihren zufälligen Pinselstrichen steckt Kraft und Energie, es gibt eine Dekonstruktion der realistischen Form, Es gibt Schatten, gewellte Formen durchsetzt, überlappend, das sieht organisch aus, Leben.

Obwohl es Widersprüche gibt, Einige Kritiker sind der Meinung, dass die Werke der brasilianischen Künstler Tomie Ohtake (1913-2015), Manabu Mabe (1924-1997) und Flávio Shiró (1928-) haben den Stil sehr nah am Abstrakten Expressionismus.

Malerei hat ein Eigenleben. Ich versuche es zeigen zu lassen. (POLLOCK, in MACK, 2014, p. 356)

Abschließende Überlegungen

Wenn etwas endet, es bedeutet, dass du gestorben bist, nicht? Ich glaube an die Ewigkeit. Ich beende ein Bild nie - ich höre einfach für eine Weile auf, daran zu arbeiten. (GORKY, in MACK, 2014, p. 352)

Der Künstler, Die Arbeit ist immer in Textur, entwickelt sich in Ihrem kreativen Geist; geht in die reale Welt hinaus, materialisiert sich in Form von Kunst und auf einem Bildschirm einbetten, auf einem rauen Stein, nur um geschätzt zu werden, für deine Schönheit, für dein Erstaunen, für seine Bedeutung. Der Ersteller ordnet die Objekte an, die Farben, die Formen und ordnet sie sorgfältig, in einem vergeblichen Versuch, seine eigene ursprüngliche Idee zu erreichen. Dies wird niemals der gleiche sein wie der Gedanke, den Sie idealisiert haben. für Plato,

(…) Wenn nicht alle Dinge für alle gleich sind, gleichzeitig und immer, und jeder von ihnen ist nicht geeignet, in jedem einzelnen, daher ergibt sich der Beweis, dass sie für sich haben, bestimmte permanente Realität, dass betrifft uns oder nicht, hängt von uns; nicht verlassen, deshalb, ziehen hin und her durch unsere Fantasie, aber es, natürlich, von sich selbst und von ihrem Wesen. (PLATO, 1994, p. 16)

Die Arbeit wird für den wandernden Geist des Künstlers niemals beendet sein, wenn er bereit ist, durch die Unermesslichkeit seiner Kreativität zu reisen, durch seine abgelegenen Straßen, für ihre utopischen Welten. Der Künstler begibt sich auf diese Reise auf der Suche nach unerreichbarer Perfektion, die die Gesamtheit seines Denkens und die Welt seiner Ideen verstehen kann. Das, was er, Der Weg wird niemals der gleiche sein, jedes Mal spaziert er über diese verlegenen Welten. Er findet neue Wege, Alternativen, die in einer ständigen Untersuchung von Reiserouten enthalten sein könnten, die Ihre ursprüngliche Vision voll und ganz berücksichtigen. Für den Betrachter, Perfektion wird immer präsent sein, in jeder Zeile, in jeder Bewegung, in jeder Hinsicht, in jeder Farbe und in der Anordnung der Elemente der Szene, die eingerichtet wurde. Es ist, als müsste alles genau dort sein, durch das Schicksal, nicht von der menschlichen Hand.

Kunst schafft einzelne Dinge in Form ihrer universellen Essenzen nach, und so macht sie dabei unnachahmlich selbst. während dieser, es wandelt die Notwendigkeit Kontingenz, Abhängigkeit Freiheit. Was diesen alchemistischen Prozess wider gespült wird als partikulare verweigern (Eagleton, 2005, p. 85).

1 Frank Lloyd Wright - Der Mann, der Amerika gebaut hat
www.youtu.be/1O7ax1KhJNM

2 Guggenheim-Museum
www.youtu.be/QvgVKWvb2tI

3 Guggenheim-Museum
www.visitenovayork.com.br/guggenheim-museum-em-nova-york

4 Casa da Cascata - Kaufmann-Haus - Das Fallingwater-Haus
www.youtu.be/JW040r0LiTc

5 Louise Nevelson
www.macdowell.org/artists/louise-nevelson

6 Frauen des abstrakten Expressionismus
www.youtu.be/p7tlfBOjay0

7 Jackson Pollock
www.youtu.be/XFFe35P1c8s
www.youtu.be/1U19VOF4qfs

8 Pollock-Krasner Studio Video
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/exhibitions.php

9 Die Springs Farm, em East Hampton, New York - Pollock-Krasner Studio
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/housestudio.php

10 Werke von Mark Rothko
www.youtu.be/CtCCCK9QWY8

11 169 obras der Willem de Kooning
www.youtu.be/JlmwV6rNQZQ

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Referenzen:

  1. BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
  2. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  3. Eagleton, Terry. Die Idee der Kultur. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
  4. FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  5. Glancey, Jonathan. Die Geschichte der Architektur. Sao Paulo: Loyola, 2001.
  6. GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  7. HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  8. KANDINSKY, Wassily. Die Zukunft der Malerei. Lissabon, Portugal: Editions 70, 1970.
  9. KANDINSKY, Wassily. Blick in die Vergangenheit. Sao Paulo: Und. Martins Fontes, 1991.
  10. SIDE, Immanuel. Die Schöne und das Erhabene. Pôrto:Buchhandlung Education Ltd.. 1942.
  11. PLATO, Crátilo. 2ein. Ausgabe. Lissabon: Buchhandlung Sá da Costa, 1994, Übersetzung von Pe. Palm Tage.
  12. PROENÇA, Kostenlose. Entdecken die Geschichte der Kunst. Sao Paulo: Routledge, 2005.
  13. WILD, Oscar. Die Decay of Lying. Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda, 1994.

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Wie figuras:

Feige. 1 - Guggenheim Museum, Nova Yorker, US, Erics Fotos – www.VisiteNovaYork.com.br.

Feige. 2 -Ohne Titel, c.1976, Louise Nevelson, lackiertes Bauholz, 94 x 36 x 16 3/4 Zoll, 238,8 x 91,4 x 42,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung von Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova Yorker, NY, USA.

Feige. 3 -Ohne Titel, c. 1940, Arshile Gorki, Öl auf Verbundplatte, 24 x 11 1/4 Zoll, 61 x 28,6 cm, unterzeichnet. Mit freundlicher Genehmigung von Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova Yorker, NY, USA.

Feige. 4 -Ohne Titel, c. 1952-1956, Jackson Pollock, Tinte auf Papier, 17 1/2 x 22 1/4 Zoll, 44,5 x 56,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung von Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova Yorker, NY, USA.

Feige. 5 - Hieroglyphen Nr. 2, 1969, Lee Krasner, Gouache auf Papier Howell, 17 x 13 1/2 Zoll, 43,2 x 34,3 cm, unterzeichnet. Mit freundlicher Genehmigung von Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova Yorker, NY, USA.

Feige. 6 - Komposition, 1941-42, Mark Rothko, Öl auf Leinwand, 28 1/2 x 24 1/2 Zoll, 72,4 x 62,2 cm, unterzeichnet. Mit freundlicher Genehmigung von Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova Yorker, NY, USA.

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