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Art moderne - Expressionnisme abstrait par Rosangela Vig

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Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig est Rosângela plasticienne et enseignante Histoire de l'art.

Vous aurez déjà entendu ces expressions ou même les avoir appliquées: 'Oh, quelle peinture glacée!', vous avez l'impression de l'air glaciaire qui entre par une fenêtre ouverte en hiver. Et tout notre corps frissonne. Mais une application correcte de «tons» et de «sons» «chauds» offre au peintre et compositeur la belle possibilité de créer des œuvres chaleureuses. (KANDINSKY, 1970, p. 73)

L'art est un voyage délirant à travers le monde des sensations agréables provoquées par l'appréciation des couleurs et des formes. C'est comme si l'œil jouait dans une délicieuse recherche chassant les lignes, trouver des points, se cacher sous des surfaces denses et minces. Lors de ce voyage, l'observateur s'éloigne du monde réel, pénètre dans les dimensions éthérées et conduit son esprit curieux à travers elles, votre regard avide et votre esprit créatif. Ainsi doit la contemplation de l'art, ainsi devrait être la jouissance.

Et peut-être que cet acte de jouir est très intense Arte Abstrata, parce que l'esprit est libre de l'objet réel et voyage spontanément à travers ces dimensions. True Art permet à l'âme de rendre ces pèlerinages disponibles pour d'autres moments, pour d'autres espaces possibles. Il appartient à l'observateur d'éveiller cette essence intérieure et de permettre à l'esprit de voyager à travers les tons chauds ou froids d'un tableau; par le visage lisse, sculpture épaisse ou rugueuse; ou laissez simplement l'âme se saouler sur les notes d'une chanson, comme tu nous le dis Kandinsky, dans votre devis. Et il faut se rappeler que l'écrivain était aussi le plus grand représentant de l'art abstrait et que son travail avait un lien fort avec la musique.

L'abstractionisme de Kandinsky, du début du XXe siècle a traversé les frontières et est arrivé à New York, nous les États-Unis depuis une décennie 30, quand les premiers artistes ont rejoint le style là-bas. Pendant cette période,, le pays a souffert de la Grande Dépression et des deux guerres mondiales, qui a conduit beaucoup à adhérer au réalisme social en peinture, avec des thèmes centrés sur la souffrance. Beaucoup d'entre eux ont survécu grâce à un programme d'aide gouvernementale visant à l'art. Dans les années 1940, ces artistes ont commencé leur voyage à travers un style qui s'est éloigné des enjeux politiques, face à la liberté esthétique. À cela s'ajoute le fait que de nombreux artistes et intellectuels européens célèbres se sont installés aux États-Unis., fuyant la Seconde Guerre mondiale (1939-1945), y compris Salvador Dali (1904-1989), Piet Mondrian (1872-1944) et Fernand Léger (1881-1955). Et New York était également la scène de l'exposition pour de nombreux représentants du modernisme européen, qui a inspiré les artistes américains cherchant à innover leur langage.

Émergeant après la Seconde Guerre mondiale comme une grande puissance, les États-Unis ont désormais une main-d'œuvre importante, en raison de l'immigration; grande richesse en ressources naturelles; et économie stable. Paris a été remplacé par New York comme le centre de l'art moderne.

Au milieu de ce contexte fructueux, l'espace a été ouvert pour un nouveau style qui a émergé dans 1946, avec des thèmes chargés d'émotion, avec la valorisation de l'individualité, d'expression libre et d'improvisation. L'école de New York, comment s'appelait le style, par les expressionnistes abstraits eux-mêmes, fut le premier mouvement de la peinture américaine reconnu internationalement.

Je me fiche de la relation de couleur ou de forme, Je ne suis intéressé que par l'expression des émotions humaines de base. (ROTHKO à MACK, 2014, p. 354)

Architecture organique

L'architecture des années 1940 il avait les États-Unis pour scène et était bien représenté par l'organicisme de Frank Lloyd Wright 1 (1867-1959), s'opposer au rationalisme. L'idée principale était d'intégrer la construction à l'endroit où elle se trouvait, comme si la nature abritait et embrassait l'œuvre, le faisant s'insérer au milieu de lui. La forme finale de la construction était abstraite, expressif et plein de mouvements. Bien que ce style soit apparu aux États-Unis, a fini par influencer l'architecture européenne.

Et le musée Guggenheim 2 et 3 à New York était l'un des bâtiments de Wright dans lequel le style organique a été sculpté. Construit en 1959, le bâtiment émerge avec mouvement au milieu de la ville animée (Figue. 1), comme un ruban se déroulant d'une énorme bobine. Il, si la façade semble élastique et bouge, Son intérieur est pas différent. À l'intérieur, l'impression finale est que vous êtes dans une grande spirale, où vous pouvez glisser librement, se réjouir de l'art que l'on peut voir autour. C'était peut-être l'intention de l'architecte lors de la conception du musée.

Parmi les nombreux projets Wright, il y a encore la Casa da Cascata 4 également aux États-Unis, dans l'état de Pennsylvanie, où l'idée de construire pour s'adapter à la nature et à son environnement se renforce. La maison émerge d'une cascade, où elle semble être insérée. De l'eau en jaillit, comme s'il appartenait à l'œuvre.

Sculpture

Alma contemple le matin rutile
Ouvrez ce mélange de couleurs autour du haut
Secret immatériel, mais apprivoisé
Sens original de vapeur et d'humidité de fond
Joints déplacés par les flammes
Frottement aplati des soupirs
Lignes écrasées déchirant le gouffre
Tissage en spirale fendant les ares.
(KANDINSKY, 1991, p. 67)

Avec des œuvres métaphoriques et pleines de mouvement et d'innovations dans le domaine de l'esthétique, de grands sculpteurs se sont démarqués dans le style expressionniste américain abstrait, dont Isamu Noguchi (1904-1988); et les femmes remarquables qui faisaient partie du groupe d'artistes du style, dont Louise Nevelson (1899-1988), Mary Callery (1903-1977) et Dorothy Dehner (1901-1994).

Comme d'immenses cathédrales, obscur, inexact et abstrait, les murs sculpturaux (Murs sculpturaux) de Louise Nevelson 5 (Figue. 2) ressemblent à des bâtiments gothiques; monter vers le ciel, mince, circonspect, camaïeu, dans des tons austères, comme si priant silencieusement en haut. Ses immenses installations et pièces sont constituées de caisses en bois, rempli d'objets du même matériau à l'intérieur, tous supprimés et collectés par l'artiste, à partir d'objets urbains. Influencé par Marcel Duchamp, La sculpture de Louise Nevelson a anticipé l'idée de réutiliser des matériaux rejetés dans l'environnement.

Mary Callery a à son tour imprimé la liberté et le mouvement dans ses œuvres. Il est resté dans ta sculpture, la forte impression du moderne et, dans plusieurs de ses pièces, imprimé la légèreté et le geste gracieux comme si les personnages élancés et élancés se déplaçaient délicatement dans un ballet lent. En regardant attentivement ceux qui apprécient Art, vous pouvez voir la musique classique résonner en arrière-plan, comme un orchestre silencieux, dans quels violons, pianos et chef d'orchestre alternent pour dicter les pas de la danse.

Peinture

Je peins comme ça parce que je peux continuer à ajouter de plus en plus d'éléments - dramatique, douleur, colère, aimer, une figure, un cheval, mes concepts d'espace. (LE KOON à MACK, 2014, p. 351)

Venant d'Arménie en 1920, Arshile Gorky (1904-1948) faisait partie des artistes et intellectuels européens qui ont émigré d'Europe vers les États-Unis, fuyant la guerre. Le style expressionniste abstrait de Gorky (Figue. 3) servi de pont entre les peintres d'avant-garde européens et américains, toujours influencé par la culture de l'époque, pour la littérature, à travers le cinéma hollywoodien et une période de fin de guerre. A cela s'ajoute la non-conformité avec le traditionnel en esthétique; un jugement négatif sur le capitalisme et la technologie.

Le résultat était la liberté d'expression, improvisation et œuvres pleines d'émotions et de thèmes moraux, avec l'appréciation de l'individu. Le style a conduit une première génération d'artistes américains à gagner une reconnaissance internationale. Parmi ces artistes, de grandes femmes émergeaient 6 qui, contrairement à son temps, sont allés plus loin et ont conquis leur espace professionnel, se manifestant dans le domaine de la peinture et de la sculpture. Parmi eux se distinguaient les peintres Anne Ryan (1889-1954), Perles fines (1905-1988), Lee Krasner (1908-1984), Agnès Martin (1912-2004), Mary Abbott (1921-2019), Joan Mitchell (1925-1992) et Helen Frankenthaler (1928-2011). Les noms de Mark Rothko étaient également d'une grande importance (1903-1970), Adolph Gottlieb (1903-1974), Arshile Gorky (1904-1948), Clyfford Still (1904-1980), Willem de Kooning (1904-1997), Barnet Newman (1905-1970), Jackson Pollock (1912-1956) e Ad Reinhardt (1913-1967).

Dans le style pictural de Jackson Pollock 7, Action Paint a été attribué ou "Peinture d'action" en anglais, par le critique d'art de l'époque, Harold Rosenberg (1906-1978). Sa technique différenciée (Figue. 4) consistait à placer le grand écran sur le sol et, à son sujet, tirer ou égoutter la peinture au hasard, obéir aux mouvements du corps, des bras. C'est comme si l'artiste prenait des ailes et planait ou volait avec un énorme pinceau trempé dans l'encre sur la scène imaginaire, dans une délicieuse blague, où seules les couleurs entrelacées sont importantes. Le résultat est une belle texture dans laquelle le blanc, noir, gris, rouge, le jaune et tant d'autres couleurs alternent, formant un jardin coloré, dans lequel il est possible de percevoir des ombres, fonds, tons superposés et cachés, comme s'il y avait une intrigue dans l'objet artistique, semblable à un tissu en mouvement.

Avec un style plus raffiné, Lee Krasner (Figue. 5) a reçu une grande importance dans l'expressionnisme abstrait. Mariée avec Jackson Pollock, les deux ont gardé leurs studios 8 à la ferme The Springs 9 où ils habitaient, à East Hampton, New York. Pendant que Krasner travaillait dans une pièce de la maison, Pollock a gardé son atelier dans la grange. Même en suivant la ligne de l'expressionnisme abstrait, les œuvres des deux ont acquis des caractéristiques différentes. Elle a même travaillé avec le collage, beaucoup de ses œuvres sont vives et intenses, avec des champs de couleurs bien remplis et une influence Matisse notable (1869-1954).

Egalement sous l'influence de Matisse, Mark Rothko 10 (Figue. 6) se souciait des champs de couleur, souvent avec des teintes fortes, contrastées, au milieu de formes géométriques, qui semblaient essayer de prendre l'espace de l'autre. Fabriqué des portes et des fenêtres qui se ferment et s'ouvrent, ses couleurs sont floues suggérant du brouillard sur l'œuvre, comme si la netteté du ton était blanchie par un léger brouillard. Le résultat est une scène pleine d'émotion et de spiritualité, qui émergent à l'œil du spectateur, dans sa tentative de dévoiler la couleur qui est voilée par ce voile.

De manière plus instinctive et irrationnelle, au travail de De Kooning 11 est plus proche d'une réalité déformée, turbulent, accentuée par les gestes violents de l'artiste sur la toile, avec des coups soudains et aléatoires. Ton style, dans l'expressionnisme abstrait est explosif et inattendu, laissant les spectacles, peut-être la dégénérescence de la société.

Le style irrévérencieux de De Kooning a eu une grande influence sur le travail de l'artiste Jorge Guinle (1947-1987), no Brasil, dans vos années de production 80. Né à New York, l'artiste est venu au Brésil avec sa famille la même année de sa naissance. Il est retourné à New York, a aussi vécu à Paris, où il a eu des contacts avec Art, était autodidacte. Il y a une nette influence de Matisse, dans la couleur vive de son travail et Peinture d'action deux Amériques. Il y a de la vigueur et de l'énergie dans vos coups de pinceau aléatoires, il y a déconstruction de la forme réaliste, il y a des ombres, formes ondulées entrecoupées, chevaucher, qui ont l'air organique, vivre.

Bien qu'il y ait des contradictions, certains critiques considèrent que les œuvres des artistes brésiliens Tomie Ohtake (1913-2015), Manabu Mabe (1924-1997) et Flávio Shiró (1928-) avoir le style très proche de l'expressionnisme abstrait.

La peinture a sa propre vie. J'essaye de le montrer. (POLLOCK, à MACK, 2014, p. 356)

Final Thoughts

Quand quelque chose se termine, ça veut dire que tu es mort, pas? Je crois en l'éternité. Je ne termine jamais une peinture - j'arrête juste de travailler dessus pendant un moment. (GORKY, à MACK, 2014, p. 352)

L'artiste, l'oeuvre est toujours en texture, se développe dans votre esprit créatif; sort dans le monde réel, se matérialise sous la forme de Art et intégrer sur un écran, sur une pierre brute, juste pour être apprécié, pour ta beauté, pour votre étonnement, pour sa signification. Le créateur arrange les objets, comme noyaux, les formes et les arrange soigneusement, dans une tentative futile de réaliser sa propre idée initiale. Ce ne sera jamais la même chose que la pensée que vous avez idéalisée. pour Platon,

(…) Si tout n'est pas pareil pour tout le monde, en même temps et toujours, et chacun d'entre eux n'est pas adapté à chaque particulier, d'où il résulte des preuves qu'ils ont par eux-mêmes, certaine réalité permanente, qui se rapporte à nous ou pas dépend de nous; laissez pas, donc, glisser çà et là par notre imagination, mais, bien sûr, par eux-mêmes et par leur essence même. (PLATO, 1994, p. 16)

L'œuvre ne sera jamais terminée pour l'esprit errant de l'artiste, quand il est prêt à voyager à travers l'immensité de sa créativité, par ses routes reculées, pour leurs mondes utopiques. L'artiste se lance dans ce voyage à la recherche d'une perfection inatteignable qui peut comprendre la totalité de sa pensée et le monde de ses idées. Le he, le chemin ne sera plus jamais le même, chaque fois qu'il se promène dans ces mondes embarrassés. Il trouve de nouvelles façons, des alternatives qui pourraient être dans une recherche constante d'itinéraires qui embrassent pleinement votre vision initiale. Pour l'observateur, la perfection sera toujours présente, sur chaque ligne, à chaque mouvement, dans tous les sens, dans chaque couleur et dans l'agencement des éléments de la scène mis en place. C'est comme si tout devait être là, par le destin, pas par la main humaine.

L'art recrée les choses individuelles sous la forme de leurs essences universelles, et ce faisant, les rend inimitables eux-mêmes. Au cours de cette, il convertit l'éventualité de besoin, la liberté de la dépendance. Qu'est-ce que ce processus alchimique résiste est purgé comme refuser particulariste (EAGLETON, 2005, p. 85).

1 Frank Lloyd Wright - L'homme qui a construit l'Amérique
www.youtu.be/1O7ax1KhJNM

2 Musée Guggenheim
www.youtu.be/QvgVKWvb2tI

3 Musée Guggenheim
www.visitenovayork.com.br/guggenheim-museum-em-nova-york

4 Casa da Cascata - Maison Kaufmann - La maison Fallingwater
www.youtu.be/JW040r0LiTc

5 Louise Nevelson
www.macdowell.org/artists/louise-nevelson

6 Femmes de l'expressionnisme abstrait
www.youtu.be/p7tlfBOjay0

7 Jackson Pollock
www.youtu.be/XFFe35P1c8s
www.youtu.be/1U19VOF4qfs

8 Vidéo du studio Pollock-Krasner
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/exhibitions.php

9 La ferme Springs, à East Hampton, New York - Studio Pollock-Krasner
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/housestudio.php

10 Œuvres de Mark Rothko
www.youtu.be/CtCCCK9QWY8

11 169 obras le Willem de Kooning
www.youtu.be/JlmwV6rNQZQ

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Références:

  1. BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
  2. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  3. EAGLETON, Terry. L'idée de la culture. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
  4. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  5. GLANCEY, Jonathan. Histoire de l'architecture. Sao Paulo: Loyola, 2001.
  6. Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  7. HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  8. KANDINSKY, Wassily. L'avenir de la peinture. Lisbonne, Portugal: Editions 70, 1970.
  9. KANDINSKY, Wassily. Aperçu du passé. Sao Paulo: Et. Martins Fontes, 1991.
  10. SIDE, Emmanuel. La Belle et la Sublime. Pôrto:Librairie Education Ltd.. 1942.
  11. PLATO, Crátilo. 2et. édition. Lisbonne: Librairie Sá da Costa, 1994, Traduction de Pe. Palm jours.
  12. PROENÇA, Gratuit. Découvrir l'histoire de l'art. Sao Paulo: Routledge, 2005.
  13. WILD, Oscar. La décadence du mensonge. Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda, 1994.

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Comme figuras:

Figue. 1 - Musée Guggenheim, Nouvelle York, États-Unis, Photos d'Eric – www.VisiteNovaYork.com.br.

Figue. 2 -Sans titre, vers 1976, Louise Nevelson, bois de construction peint, 94 x 36 x 16 3/4 pouces, 238,8 x 91,4 x 42,5 cm. Gracieuseté de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nouvelle York, New York, USA.

Figue. 3 -Sans titre, c. 1940, Arshile Gorky, huile sur plaque composite, 24 x 11 1/4 pouces, 61 x 28,6 cm, signé. Gracieuseté de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nouvelle York, New York, USA.

Figue. 4 -Sans titre, c. 1952-1956, Jackson Pollock, encre sur papier, 17 1/2 x 22 1/4 pouces, 44,5 x 56,5 cm. Gracieuseté de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nouvelle York, New York, USA.

Figue. 5 - Hiéroglyphes Nº2, 1969, Lee Krasner, Gouache sur papier Howell, 17 x 13 1/2 pouces, 43,2 x 34,3 cm, signé. Gracieuseté de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nouvelle York, New York, USA.

Figue. 6 - Composition, 1941-42, Mark Rothko, huile sur toile, 28 1/2 x 24 1/2 pouces, 72,4 x 62,2 cm, signé. Gracieuseté de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nouvelle York, New York, USA.

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