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Moderne Kunst - Expressionismus von Rosangela Vig

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Rosângela Vig é Artista Plástica e Professora de História da Arte.

Vig ist Rosângela Bildender Künstler und Lehrer Kunstgeschichte.

Ende der Welt

Der Hut fliegt aus dem Kopf des Bürgers,
In alle Luft Aufschrei, wenn rumpelt.
Die Dachdeckern fallen und zerbrechen
Und auf der Rückseite - es liest - die Flut steigt.

Der Sturm kam, springen auf den Boden
Wilde Meere Brech große Staudämme.
Die meisten Menschen haben eine laufende Nase.
Züge rasen die Brücken.
(Hoddis in HARTER MANN, 2009, S.256)

Die Szene in der Dichtung beschrieben ist beunruhigend, übersetzt die Idee des Zerfalls, Tod und Zerstörung. Das erschreckende Szenario weckt Gefühle von Angst inmitten des Chaos und Tragödie. Weltende war der Name, Deutsch, für das bedeutendste Gedicht Expressionismus. Autor, Jacob Van Hoddis (1887-1942) Er war Jude und starb in einem Nazi-Todeslager.

Geschrieben 1911, das Gedicht Blätter zu Desorientierung und Terror ausgesetzt, eine Zeit, apokalyptisch. Bildsprache und Pessimismus sind die Markenzeichen dieses Textes und waren die wichtigsten Merkmale des Expressionismus. Gegen den Positivismus der Impressionisten, die Bewegung reflektiert einen Blick der Dichter auf die moderne Gesellschaft der Zeit, auf Kriege und Industrialisierung. Es war klar, dass der politische Charakter und die revolutionären sozialen Inhalte.

Der Umzug war einer der europäischen Avantgarde des frühen zwanzigsten Jahrhunderts und ihren Ursprung in Deutschland, zwischen 1904 und 1905, na Malerei. Vier Architekturstudenten bildeten eine Gruppe mit dem Namen Die Brüke (die Brücke). Als Reaktion auf Impressionismus, in der afrikanischen Kunst und die Kunst Ozeaniens inspiriert, die Gruppe wagte seine Werke in den Belangen des Menschen zu zeigen. Und war nichts mehr zu stören als die erste Hälfte dieses Jahrhunderts, inmitten einem unruhigen Kontext historisch von zwei großen Weltkriegen geprägt, die russische Revolution, durch den Faschismus in Italien und Nazismus in Deutschland.

Es war in diesem beunruhigenden Szenario, dass Expressionismus im Bereich manifestierte of Arts, Ändern und Umordnen der bekannten Formen, geben Vorrang Subjektivität der Wirklichkeit.

Architektur

Die Idee der Größe war die große Spur der Moderne in der Architektur. Weitgehend von Henry van de Velde Architekten beeinflusst (1863-1957), Antoni Gaudí (1852-1926) e Joseph Maria Olbrich (1867-1908) und auch von Bewegung Kunst und Handwerk de William Morris (1834-1896), die Architektur dieser Zeit 1 Es war zu der Exzentrizität markieren.

Materialien wie Ziegel, Glas und Stahl wurden in Bau und wurden gegeben Relevanz für Subjektivismus und Funktionalität weit verbreitet. Zum Zweck der Herstellung im großen Maßstab dieser Materialien und auch die dekorative Kunst und Handwerk zu integrieren, Profis, Unternehmer, Architekten und Designer im Oktober gegründet 1907, die deutsche Vereinigung der Arbeit, Deutscher Werkbund, erste Bewegung durch den Jugendstil inspiriert (Jugendstil) beliebt in Deutschland der Zeit. Die Gruppe richtet die Branche Architektur hinzufügen, durch Arbeit, Professionalisierung und Ausbildung. Moderne sollte in das Architectural Design eingefügt werden. Sie waren ein Teil dieser Gruppe Architekten Peter Behrens (1868-1940), Walter Gropius (1883-1969) e Mies Van der Rohe (1886-1969). Andere Gruppen später gebildet, wie die bekannte Amsterdamer Schule, in 1915.

Gegründet 1919, Deutschland, von Walter Gropius, Das Bauhaus war die erste und einflussreichsten Avantgarde Schule der Welt, im Bereich bildenden Kunst, Design und Architektur. Vieles von dem, was in der Schule hergestellt wurde, wurde in der Zeit des Zweiten Weltkrieges verkauft. Serving als Referenz für großes architektonisches Erbe der Welt, Bauhaus kam Adresse aufgrund politischer Probleme zu ändern und wurde geschlossen 1933 wegen der Naziverfolgung. Große und namhafte Künstler und Architekten der Zeit kamen am Bauhaus zu lehren, einschließlich Paul Klee (1879-1940), Wassily Kandinsky (1866-1944) e Mies Van Der Rohe (1886-1969).

Zu den wichtigsten Bauten Expressionismus Vorlagen ist der Kristall-Pavillon 2 (1914), Architekt Bruno Taut (1880-1938), Eigens für die Ausstellung des Deutschen Werkbundes gemacht, in Köln, Deutschland. Die Konstruktion aus Beton und Glas hatte die ovale Kuppel und verzierte Fassade mit farbigen Glasplatten wie Spiegel, mit Farbvariationen von dunkelblau bis hin, die grüne und endete in gelb, nicht Topo. Belichtet durch farbige Gläser, das Treppenhaus und der Wasserfall im Inneren des Turms, die Farbeffekte tragen, die Emotionen im Betrachter hervorgerufen, Hauptziel der Arbeit, die, bald nach der Exposition, es wurde zerstört, so dass nur Bilder in Schwarz-Weiß.

Entworfen vom Architekten Erich Mendelsohn (1887-1953), a Torre Einstein 3 (Feige. 1) ist ein astrophysikalischen Observatorium und Labor, die Formen gebaut Expressionismus. Die Arbeit, am Albert-Einstein Science Park, in Potsdam, Deutschland, Es wurde für die Experimente verwendet würde Einsteinsche Relativitätstheorie bestätigen (1879-1955). Es ist möglich, die Dynamik des großen Wissenschaftlers in Gebäuden zu erkennen, mit seiner asymmetrischen Spiralform, Full-Motion. Obwohl es wurde auf den italienischen Futurismus nicht verbunden, die kühne Konstruktion Feature ist lebendig und voller Energie. Der Turm erreicht Exotismus Aufprall zum Zeitpunkt.

Immer noch auf den Stil eingehalten, Hans Poelzig Architekten (1869-1936), Hermann Finsterlin (1887-1973), Fritz Rechts (1877-1949), Hans Scharoun (1893-1972) e Rudolf Steiner (1861-1925).

Skulptur

Die Kunst nimmt das Leben der Rohstoffe bis, es wieder tun, Neufassungen zu neuen Formen und, absolut gleichgültig gegenüber der Tatsache,, erfindet, denken, Träume und hält eine unüberwindbare Barriere von schönem Stil zwischen mir und Realität, dekorative oder ideale Methode. (WILD, 1994, s. 39)

Es war einfallsreich und verträumt Geist, der schließlich so viele Geschichten geführt Kunst. Er war es, die weitläufige Weg erlaubt die Zeiten so viel Vielfalt von Formen zu schaffen. Die Hände des Arbeiters skizzierten allmählich diese Trajektorie, die die figurativen und die moderne Kunst die Verantwortlichen, die Autonomie war vergangen. Und diese Freiheit das bemerkenswerteste Merkmal der expressionistischen Skulptur.

Unter den Namen, die in diesem Gebiet auffallen, Sie sind diejenigen, von Rudolf Belling (1886-1972), Oskar Schlemmer (1888-1943), Otto Freundlich (1878-1943), Ernst Barlach (1870-1938) und Käthe Kollwitz (1867-1945).

Obwohl der Stil hat diversifizierte Künstler Künstler, jeder war üblich und es war offensichtlich, die Emanzipation der Form und figurativen, mit ausgeprägter Neigung zur Verzerrung und Bewegung. Diese Eigenschaften waren auch unter den größten Attribute der Arbeit von Wilhelm Lehmbruck (1881-1919). Seine Figuren sind stilisierte, einfach in Form, sie symbolisieren die Verlassenheit und Traurigkeit, oft mitten in der Ekstase und Wahnsinn; Sie scheinen sich zu winden, betteln und bewegen eifrig. Seine langgestreckten und feierliche Zahlen beziehen sich auf den gotischen Stil und sind fast immer nackt, manchmal mit Gewebe fallenden Füße, enthüllt viel des Körpers, jetzt sehr schlank, mit vorstehenden Knochen; ora fettleibig. Ihre Jugend Sitzen (Feige. 2) nachdenklich und lustlos, es scheint bestürzt, im Zustand des Rücktritts. In langsamer, dramatischer Geste, der Eindruck ist, dass das Bild zu einem bestimmten Zeitpunkt und die Person erfasst wurde bewegt, oder bewegt. Inspiriert durch die Ideen des deutschen Philosophen Friedrich Nietzsche (1844-1900), Es ist nicht ungewöhnlich, dass die Arbeit von Lehmbruck, den Einfluss von Bildhauer Aristide Maillol zu sehen (1861-1944) e Auguste Rodin (1840-1917). Die Werke von Lehmbruck kamen angesehen werden als entartet und wurden aus öffentlichen Sammlungen des NS-Regime genommen. Teil der Sammlungen großer Museen zur Zeit in der Welt.

Malerei

Der Künstler ist und bleibt frei abstrakte Elemente und objektive Elemente zu kombinieren, mit anderen Worten - eine Wahl zwischen der unendlichen Reihe von abstrakten Formen oder materiellen Objekten Sie bieten zu machen, er ist frei, seine eigenen Mittel wählen. Dabei, er gehorcht nur seinem inneren Wunsch. (KANDINSKY, 1991, S.133)

Das Wunder und die apokalyptische Gefühl gehören zu den Eindrücken, dass der Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts in Gedanken links. Die Menschheit wurde die Schrecken zweier Weltkriege und Nazismus konfrontiert, Ich konnte keine andere Deutung der Welt, die nicht Chaos und Unordnung war. Und dies wurde in dem gequälten Leben reflektiert Kunst durch Expression und Subjektivität. Wenn die Endlackierung des neunzehnten Jahrhunderts hat sich eine Bewegung gesehen von der Realität, Expressionismus diesen Trend in den frühen zwanzigsten Jahrhunderts konsolidiert. Freiheit des Geistes, Erwähnt von Kandinsky, in Ihrem Text oben, Kunst noch mehr das Licht der Gedanken zu nähern erlaubt und Emotionen. vorherrschte Verzerrungen; die Ablehnung der Perspektive und Licht; und, insbesondere eine Reorganisation der bekannten Formen.

Die Gruppe Die Brüke (die Brücke) Es war die erste Manifestation, die expressionistische Form, in 1905, mit Ernst Kirchner Maler (1880-1938), Karl Rottluff (1884-1976), Emil Nolde (1857-1956), Oskar Kokoschka (1886-1980). Später mehr Künstler der Gruppe beigetreten, die academicism ablehnen soll. beeinflusst durch Fauvismo, Bewegung gehalten mehrere Ausstellungen 1913, Jahr, in dem offiziell beendet. Gruppen Unter denen, die gebildet, noch folgte ihm Der Blaue Reiter (Der Blaue Reiter), VON 1911, Franz Marc (1880-1916), Wassily Kandinsky (1866-1944), Paul Klee (1879-1940) e Lyonel (1871-1956). wurde auch mit dem Bewegungs Künstler Marc Chagall beteiligt 4 (1887-1985), Geboren in Russland, Chaim Soutine (1893-1943), Litauen; Amedeo Modigliani (1884-1920), Italien; Diego Rivera (1886-1957), Jose Orozco (1883-1949) und David Siqueiros (1896-1974), Mexikanische Schauspieler tun Muralismo; Constant Permeke (1886-1952), Belgien; e Georges Rouault (1871-1958), Frankreich.

Als expressionistischen Bewegung Vorläufer umfassen auch die niederländischen Namen Vincent Van Gogh (1853-1890), die unverwechselbare Art ihrer Arbeit, die Verwendung von reinen Farben und die Kraft der Schläge; und der Norweger Edvard Munch (1863-1944), die auch bestanden Symbolik.

Melancholie und Depression, in den Werken von Munch gemeinsam, Akzent in Der Schrei (Feige. 4). gehalten in 1893, die Arbeit erhielt drei Versionen und die erste wurde auch gemalt vor Expressionismus als eine Bewegung erkannt wurde. In der linken unteren Ecke des Bildes, drei Menschen auf einer Brücke; zwei davon mit einem entfernteren Ebene und näher, hervorgehoben. Mit den Händen auf dem Kopf, der Ausdruck dieses Zeichen ist Verzweiflung oder distress, wie durch Hilfe beansprucht. Die warmen Farben des Himmels und viel des Bildes erscheinen mit der blauen Farbe des Wassers eines Sees zu kontrastieren, den Teil der Landschaft ist. In der gesamten Szene, Farben schlängeln, sie sind kurvig, Sie haben nicht verlassen Bewegung und Mischen. Die bekannten Formen verformt werden, Menschen sind eckig und verzerrt. Die Vereinfachung der Linien und der Verzicht auf realistischen Formen bezeichnen ein Anliegen des Künstlers mit dem Ausdruck. Und die Verzweiflung, die den Charakter externalisiert spiegelt das Leben des Künstlers, die aufgrund psychischer Probleme in der Familie verbrachte sie. Munchs expressionistischen Stil verkörpert den Geist und hat die Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts inspiriert.

Für einige Gelehrte, weit entfernt von jeder Bewegung der Zeit autonomer Stil von Amedeo Modigliani machte ihn. Allerdings ist es möglich, expressionistische Züge in ihrer raffinierten Form der Verzerrung der Wirklichkeit zu erkennen. reine Farben, intensiv und die Reduzierung seiner Winkel Zeichen gehören zu den wesentlichen Attributen Ihrer künstlerischen Arbeit. Und dies ist das auffälligste Merkmal seiner Madamme Kisling (Feige. 7). Die verstört Redheadfrau, shorthaired, trägt eine Krawatte, Pullover Hemd und. Sein zartes und sehr dünnes Gesicht kontrastiert mit dem melancholischen Blick. Frau auf blauem Kissen (Feige. 9) Es ist unter mehreren Akten der Künstler gemalt. Reclinada, mit traurigem Blick, sie berührt ihr Kinn in nachdenklicher Geste. Sein langes Gesicht, Mattigkeit und Entkräftung scheinen in anderen Zeichen zu wiederholen, die der Künstler gemalt (Feige. 6 und 8). Bei Formen Expressionist, Vereinfachung der Linien ist es, was das Aussehen und Gesten für Innen-Display verbessert. Der Künstler hat die Domain figurative, aber seine Arbeit ist Essenz, die Externalisierung von Gefühlen.

Für mich, deshalb, das Kunstfeld hat immer die Domäne der Natur getrennt, bis zu dem Tag kam ich als völlig unabhängig jeden dieser Bereiche fühlen. (KANDINSKY, 1991, S.94)

Abschließende Überlegungen

Das Erhabene ist immer groß zu sein,; die schön kann auch klein sein; das Erhabene ist immer einfach zu sein; das schöne kann prangt werden. Große Höhe ist als erhabener als Tiefes, aber dies wird durch ein Gefühl der Erregung begleitet und das ist ein Wunder, (…) (SIDE, 1942, S.9)

Für Kant (1724-1804), die schöne Arbeit mit Freude verbunden sind, fördert Gefühle der Ruhe, Internierten durch; die erhabene Arbeit, andererseits, Mühe, frequentiert und ist beunruhigend. Und Expressionismus im Einklang mit der Erhabenheit, die Auswirkungen, die die Einreichung der Formulare verursacht; in Erstaunen intensive Demonstration der Emotionen. Es ist auch wegen der Erhabenheit seiner Natur; die Verwendung von leuchtenden Farben; Verzerrungen; und die Flucht aus der Realität, Funktionen, die zu den wichtigsten Eigenschaften der Bewegung waren.

In expressionistische Züge wurden mehr als die innere Vision des Künstlers ausgesetzt, aber, vor allem die Leiden einer apokalyptischen Zeit, die die Schrecken zweier Weltkriege konfrontiert. Die Bewegung durchdrang das Gebiet der Musik, Tanz, Kino und Fotografie und bestanden auch die Literatur, die Formen der Poesie beginnt diesen Text. In den Jahren 30, Nazi Radikalismus beendete den Expressionismus, Deutschland, aber sein Einfluss ist für Künstler und Bewegungen nicht zu leugnen, die nach der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts folgten.

Vibes, das heißt, dass Kunst sollte ihre eigene Rolle spielen, descomprometida, freie Mode. Die Verantwortung des Künstlers zu seinem Inneren; es passte die Emotionen in Form von Oberflächen zu lassen, die zu Ihnen passen, machen für die Kunst Ihre Geschichte. Und es ist ein Text zum Nachdenken,

Weit weg von der Realität, (…) Kunst zeigt die Perfektion selbst, und das Publikum mit offenem Mund, die wunderbare Rose Ausbruch von unzähligen Blütenblätter beobachten, Er gibt zu, sein eigenes Wesen, die erzählen und Geist sein, dass es dann in einer neuen Art und Weise zum Ausdruck kommt! (WILD, 1994, s. 54)

1 Video auf der expressionistischen Architektur:
www.youtube.com / watch?v = FO3ToFMGQns

2 Video des Kristall Pavilion 1914:
www.youtube.com / watch?v = 1VeNxaHivHQ

3 Video über Einsteinturm Valter Gropius:
www.youtube.com / watch?v = nZsbmkGAZ_0

4 Marc Chagall Museum - Offizielle Website:
en.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/chagall

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Referenzen:

  1. BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
  2. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
  3. FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
  4. GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
  5. GRIMM, Reinhold; JAGD, Irmgard. Deutsch des 20. Jahrhunderts Poesie. New York: die Continuum International Publishing Group Inc., 2001.
  6. HARTER MANN, Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Fuß. Revenge of Hiléia, da Cunha, Amazon und Moderne Literatur. Sao Paulo: Editora UNESP, 2009.
  7. HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
  8. KANDINSKY, Wassily. Blick in die Vergangenheit. Sao Paulo: Und. Martins Fontes, 1991.
  9. SIDE, Immanuel. Die Schöne und das Erhabene. Pôrto:Buchhandlung Education Ltd.. 1942.
  10. PROENÇA, Kostenlose. Entdecken die Geschichte der Kunst. Sao Paulo: Routledge, 2005.
  11. WILD, Oscar. Die Decay of Lying. Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda, 1994.

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Wie figuras:

Feige. 1 - Torre Einstein, Erich Mendelsohn, 1924. Fotos: Kate Peeples Brown.

Feige. 2 - Sitzende junge, Wilhelm Lehmbruck, 1917, Verbindung farbiger Putz, 103.2 x 76.2 x 115.5 cm. National Gallery of Art, Washington. Fundo Andrew W. Mellon.

Feige. 3 - Frauen-Stellung, Wilhelm Lehmbruck, 1910, Bronze, 191.2 x 54 x 39.9 cm. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Fund.

Feige. 4 - Edward Munch: der Schrei, 1910, Tempera und Öl auf Karton, 83,5 x 66 cm. Munch Museum, Oslo. Foto © Munch-Museum.

Feige. 5 - Edward Munch: Madonna, 1895/1902, Lithographie, 605 x 442-447 mm. Munch Museum, Oslo. Foto © Munch-Museum.

Feige. 6 - Zigeunerin mit Kind, Amedeo Modigliani, 1919, Öl auf Leinwand, 115.9 x 73 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 7 - Madamme Kisling, Amedeo Modigliani, 1917, Öl auf Leinwand, 46,2 x 33,2 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 8 - Adrienne (Frau mit Bangs), Amedeo Modigliani, 1917, Leinöl auf, 55.3 x 38.1 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 9 - Nackt auf blauem Kissen, Amedeo Modigliani, 1917, Leinöl auf, 65.4 x 100.9 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 10 - Bellevue Ballroom, Ernst Ludwig Kirchner, 1909/1910, Öl auf Leinwand, 56 x 90 cm. National Gallery of Art, Washington. Ruth und Jacob Kainen Sammlung, Geschenk in Ehren des 50. Jahrestages der National Gallery of Art.

Feige. 11 - Hunde sibirischen Schnee, Franz Marc, 1909/1910, Öl auf Leinwand, 80,5 x 114 cm. National Gallery of Art, Washington. Herr Geschenk. e Frau. Stephen M. Kellen.

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